lunes, 19 de diciembre de 2011

Damage (Damage / The Last Time) - ZBIGNIEW PREISNER

En su penúltima película antes de morir, Damage ("Herida"), Louis Malle nos dejo uno de los grandes dramas románticos de los noventa. La historia una adaptación de la novela homónima de Josephine Hart, narra la tortuosa relación entre un maduro y respetable miembro del gobierno inglés y la novia de su hijo; una pasión amorosa que irremediablemente llevará a sus protagonistas a un trágico final. Esta relación destructiva, marcará profundamente a sus protagonistas, provocando una "heridas" imposibles de cicatrizar.
Louis Malle consigue plasmar en las imágenes toda la pasión, intensidad, sordidez, tristeza, erotismo y sensualidad de una historia como esta, apoyado fundamentalmente por la espléndida interpretación tanto de Jeremy Irons (Stephen) como Juliette Binoche (Anna) en el que creo es el mejor papel de su carrera. Él como el político de prestigio, perfecto marido y padre, un hombre metódico, frio, cortés pero viviendo una vida vacía, sin pasión, que se encontraba "muerto" antes de conocer a Anna; y ella como esa mujer enigmática, provocadora, melancólica, oscura y con un magnetismo que atraerá sin remedio a un comedido Stephen.
La película está repleta de momentos impactantes, desde el primer encuentro de ambos personajes en una secuencia que presagia el devenir de los acontecimientos, pasando por los encuentros sexuales llenos de un erotismo y una sensualidad a flor de piel en escenas prácticamente sin dialogos; y sobre todo la tremenda escena final como el epílogo de una tragedia irremediable. Una película que es uno de los mejores retratos jamás filmados sobre la obsesión amorosa. Como bien define Anna en un momento de la cinta: 
"La gente herida es peligrosa, sabe que puede sobrevivir".

La música, de Zbigniew Preisner, uno de los grandes compositores polacos de música cinematográfica, es tan impactante como la propia historia. Preisner consigue emocionar con unas melodías que reflejan perfectamente la tristeza, la desesperación, la pasión y la sensualidad de los personajes. Los dos temas que pongo son el tema principal, un tema muy breve con una suave introducción que da paso a la melodía principal con toda la orquesta; y el segundo tema que es una variación de la melodía principal interpretada por una pequeña formación de jazz con el piano y la trompeta como protagonistas. Una música maravillosa.



Y como la música junto a las imágenes es todavía mas emocionante, esta es la escena final de la película donde suena el tema principal. Impresionante.

martes, 6 de diciembre de 2011

Masada (Main Theme) - JERRY GOLDMISTH

"Masada" es una miniserie de televisión del año 1981 basada en uno de los episodios más heróicos del pueblo judio. Masada es el término en hebreo de "fortaleza" pero también es el nombre de la fortaleza que se encuentra en el desierto de Judea y que se consideraba un lugar inexpugnable. Esta fortaleza construida por el rey Herodes sirvió como base a la resistencia de la secta de los zelotes contra los romanos. Asediada por una legión romana, los 900 judios que se encontraban en Masada, resistieron durante dos años y optaron por suicidarse colectivamente antes que rendirse al enemigo. 
La serie de televisión dividida en cuatro episodios, narra principalmente el asedio y caída final de dicha fortaleza entrelazada con la historia de amor entre el general romano y una esclava judía. El telefilme fue dirigido por Boris Sagal, un reputado director de televisión ya famoso por otras series como "Hombre rico, hombre pobre" y rodado integramente en escenarios naturales de Israel con un gran presupuesto. Para los papeles principales se contó con   Peter  O´Toole en el papel del general romano al mando de la legión que realizó el asedio y de Peter Strauss como el lider de los zelotes, que supieron mostrar un gran duelo interpretativo entre dos personalidades, enfrentando la tranquila educación de la cultura imperialista de Roma con la irascible actitud batalladora del lider de los rebeldes.
La banda sonora es obra de Jerry Goldsmith que compuso la música de los dos primeros episodios y de Morton Stevens que compuso la de los dos restantes. El tema principal es un himno épico para representar el espíritu indomable de la resistencia del pueblo judio con sonido típicos del folclore israelí, con un sonido y una fuerza espectacular. Un verdadero prodigio de lirismo y orquestación.

domingo, 27 de noviembre de 2011

Love Actually (Love Theme) - CRAIG ARMSTRONG

Antes de nada he de decir que me gusta especialmente esta película, por una sencilla razón, me hace sentir bien. De entre todas las sensaciones que te puede transmitir una película a través de la historia que cuenta creo que hacerte sentir bien es la mejor de todas ellas. Es una película que siempre he recomendado cuando uno está desanimado o triste, porque es una historia, o mejor dicho un montón de pequeñas historias con las que en algunas de ellas nos podemos ver reflejados y con un tono general que genera un subidón de moral. Y el fondo de todas esas historias y creo que en la vida misma, está la frase principal de la película : "el amor está en todas partes".

La película es el debut como director del famoso guionista Richard Curtis, autor de "Cuatro bodas y un funeral", "Bridges Jones" o "Nothing Hill", y contó con un completo y destacado reparto.
"Love Actually" es una comedia romántica perfecta en la que se mezclan de una manera muy acertada una serie de historias con personajes entrecruzados, en plena época navideña y con el amor como eje común. Porque nos habla de todo tipo de amor, amor entre padres e hijos, amor entre amigos, amor entre hermanos, amor pasional, amor imposible, amor puro, .... e incluso de desamor.
Aunque la crítica en su momento la consideró una película bastante empalagosa, creo que es una película muy entretenida y que sabe conmover con cada una de sus pequeñas historias. Y aunque podría parecer que es completamente irreal, a quien le importa eso, el fondo es lo que importa, porque verdaderamente creo que "el amor está en todas partes".


La banda sonora de la película, por un parte contó con un buen número de canciones muy a tono con las seceuncias en las que se escuchan (como la emotiva escena de Emma Thompson en la que suena "Booth Sides Now" de Joni Mitchel) y por otra parte la preciosa música de Craig Armstrong. 


Armstrong compone tres temas de amor, "Glasgow Love Theme", "Portuguese Love Theme" y "PM´s Love Theme". Los dos primeros unas bellísimas melodías al piano y el ultimo con la cuerda y la orquesta de manera más intensa. Una música que junto a las imágenes a las que acompañan en los diferentes momentos en las que suena, consigue emocionar de manera muy especial. 
Para los que no hayáis visto la película, no dejéis de verla y para los que ya la habéis visto recordadla con esta magnífica música.

sábado, 19 de noviembre de 2011

Mr. Holland´s Opus (An American Symphony) - MICHAEL KAMEN

Hay películas donde la música y el cine se funden de manera muy especial y esta es una de ellas. La historia cuenta la vida de un músico a lo largo de más de 30 años, desde sus inicios como pianista en fiestas privadas cuyo sueño es componer una gran obra, y toda su evolución personal y profesional en la que encontrará su verdadera vocación y compondrá su gran sinfonía musical y vital. 

El protagonista verá frustrada su carrera como músico para sacar adelante a su familia, pero descubrirá como profesor de música en un pequeño instituto como utilizar la música para enseñar a entender la vida. Esta entrega total a su labor educativa marcará la vida de sus alumnos sobre los que dejará una huella imborrable y le ayudará a el mismo a afrontar los avatares de su vida personal, como la paradójica situación de la sordera de su hijo.

Richard Dreyfuss que obtuvo una nominación a los Oscar, está magnífico en su papel, desarrollando un amplio registro emocional a lo largo de toda la película.
A pesar de ser lo que coloquialmente se denomina una "americanada", por su intensidad dramática y los típico personajes que se han visto en cientos de películas , lo cierto es que es una película que conmueve y que en algún momento provoca la emoción suficiente para arrancar unas lágrimas. Una película que deberían ver tanto alumnos como profesores ya que encierra aquella máxima famosa de un pensador francés que decía que "enseñar es aprender dos veces".

La banda sonora del compositor Michael Kamen es excelente, y en ella se desarrollan los temas que compondrán esta "Sinfonía Americana" que forma parte del argumento y en la que el protagonista como compositor volcará toda su vida. Aunque con un fondo clásico la música añade unos toques modernos con el uso de la batería y la guitarra eléctrica perfectamente fusionados con el resto de la orquesta y que quedan más que justificados con el visionado de la película. Esta "sinfonía" que se va desarrollando en diferentes melodías, suenan a lo largo de toda la película como pequeños fragmentos en la mente de su autor y terminará de una manera espectacular en la interpretación que hará la orquesta del instituto en el concierto final como homenaje a su profesor. Unos minutos finales que tanto en el discurso que le hacen, como en el momento en el que el profesor sube a la tarima y dirige por primera vez su obra ya terminada, es de una emoción indescriptible. 

A continuación pongo el tema incluido en la edición discográfica interpretado por la London Metropolitan Orchestra, y por otro lado el fragmento de la película en la que suena el mismo tema interpretado por la orquesta del instituto, en los que las imágenes refuerzan la intensidad de la música. Música y cine en una perfecta conjunción.

Una de sus antiguas alumnas en el discurso final afirmará lo siguiente: 

"Nosotros somos su sinfonía. Nosotros somos las notas y las melodías de su opus. Nosotros somos la música de su vida". 

Unas pocas palabras que encierran la grandeza de esta película.


miércoles, 16 de noviembre de 2011

Foul Play (Ready To Take A Chance Again) - CHARLES FOX

Foul Play (Juego Peligroso), es una divertida comedia de enredo del año 1978, que si bien no es una gran película, es una pena que pasase tan desapercibida. Vista hoy con el paso del tiempo resulta simpática y bastante divertida. La película es una comedia de enredo con toques de thriller en la que una joven que acaba de divorciarse, por una serie de curiosas circunstancias se ve envuelta en un complot organizado para asesinar al Papa. Todo ello con la correspondiente persecución a que se ve sometida por un extraño individuo albino, la mafia y la participación de un policia que pretende protegerla. En resumen una rocambolesca historia con un ritmo frenético en la que se mezclan la intriga, el humor y el amor.

Una película que en su conjunto pretende emular la puesta en escena del cine de Hitchcock, en esas historias de personajes corrientes que se ven envueltos en algo que les sobrepasa, pero que con naturalidad y bastante suerte consiguen superar.
   
Muy destacable la interpretación de Goldie Hawn en el papel principal, aunque su compañero Chevy Chase, en su primer papel protagonista, es soportable, pero de lejos lo peor de la película. Según parece se está preparando en los últimos años un remake que parece no cuajar y que podría estar interpretado por Kate Hudson, hija de Goldie Hawn con lo cual habría cierta curiosidad añadida a esta nueva película. 

La banda sonora de la película es de Charles Fox y obtuvo una nominación al Oscar  para la canción basada en este tema e interpretada por Barry Manilow. 
Charles Fox es un compositor norteamericano de música para cine, televisión y autor de magníficas canciones para innumerables artistas, entre las que destaca sobre todo un clásico de Roberta Flack como es "Killing Me Softly" con la que Fox ganó un Grammy.
La banda sonora mezcla acertadamente una música de intriga, algún tema con sonido "disco" muy típico de esos años y este precioso "Ready To Take A Chance Again" en su version instrumental como tema de amor  de la película. Una banda sonora que al igual que la película es muy recomendable recordar y que con el paso de los años suena de una manera muy especial, quizás por ese sonido típico revival de los años 70 tan agradable.


Podeis ver el video de la canción en la voz de Barry Manilow en mi otro blog, en el siguiente enlace: Ready To Take A Chance Again (Barry Manilow)

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Profumo Di Donna (In The Dark) - ARMANDO TROVAIOLI

Profumo di donna (Perfume de Mujer), es una comedia italiana del año 1974, dirigida por Dino Risi, donde se mezcla lo cinico y picaresco con el drama y los sentimientos en una conmovedora historia. Una película que es ya un clásico del cine italiano, que recibió dos nominaciones a los Oscar y que gano el premio al mejor actor en el festival de Cannes. 
El capitan Fausto Consolo, un militar retirado, bebedor, mujeriego y ciego a causa de una explosión accidental durante unas maniobras,  va a realizar un viaje para encontrar a un compañero de armas también ciego como el con el que tiene cuentas pendientes. El viaje lo hará en compañía de un joven recluta con poca experiencia de la vida, contratado por el ejercito para que ayude al capitán en lo que necesite. Pero su tarea no será fácil ya que el capitán es un hombre irascible, amargado y cínico al que no le gusta sentirse inválido, pero que a pesar de sufrir su mal carácter se convertirá en una experiencia única y del que aprenderá ciertas lecciones que no podrá olvidar.
La interpretación de Vittorio Gassman es sencillamente magistral, con esa capacidad innata de uno de los más grandes actores italianos, brindándonos un papel donde refleja perfectamente esa apariencia exterior orgullosa y cruel sin disimular el sufrimiento, su dolor interior y su falta de afecto y que con su actitud solo pretende llamar la atención y demostrar que está vivo.
Bellísima la protagonista, Agostina Belli, que personaliza ese perfume  que aportará la dulzura que necesita la vida de Fausto y le obligará a sacar sus sentimientos y su verdadera personalidad que oculta tras esa apariencia insoportable.
En 1992 se rodó un exitoso remake titulado "Esencia de Mujer" protagonizado por Al Pacino, que a pesar de su gran interpretación (por el que obtuvo un Oscar), se apartaba bastante del original. 

La música es de Armando Trovaioli uno de los más importantes compositores de bandas sonoras de la llamada "Commedia all´italiana". El tema central es este "In The Dark", un maravilloso tema romántico con un comienzo inquietante con el piano y la orquesta y que va dando paso a esa suave melodía con la trompeta que se entremezclan durante todo el tema. Una banda sonora que al igual que la película es  también un clásico de la música de cine italiano.

"A veces se vive una vida en un instante"



miércoles, 2 de noviembre de 2011

Amic-Amat (Amigo, Amado) - CARLES CASES

Amigo/Amado es una película del año 1999 del director catalán Ventura Pons, basada en una obra de teatro del dramaturgo catalán Josep María Benet. El protagonista de la película un maduro profesor universitario homosexual, viendo su muerte cercana a causa de una enfermedad, intenta decidir a quien dejar su herencia intelectual, un ensayo sobre una obra de Ramon Llull (uno de los padres de la literatura catalana) "El Libro del Amigo y del Amado". La decisión de este curioso legado recae en su mejor alumno, un joven del que está enamorado. Pero pronto descubrirá que su designado heredero, de un gran talento pero violento y desprovisto de cualquier tipo de principios y al que desea "salvar",  se gana la vida como chapero, ha dejado preñada a la hija de su mejor amigo y no tiene el menor deseo de ser salvado. 

El resultado es una historia estremecedora, donde se habla de los sentimiento sin pudor, una obra sensible, dura, terrible y realista. Quizás sea la mejor obra de Ventura Pons dentro de la evolución de este director en ese cine intimista y dramático que le caracteriza. 
Mención especial es también la interpretación de todo el reparto, pero fundamentalmente de su protagonista Josep Maria Pou, en un papel magnífico, con un saber estar ante la cámara que solo poseen esos grandes actores. 

En la banda sonora Ventura Pons cuenta de nuevo con Carles Cases, su compositor fetiche y con el que más veces ha colaborado. Cases crea una impresionante banda sonora, donde mezcla el sonido de la música barroca en un claro guiño al protagonista profesor de literatura medieval, y una música más intimista con el piano como protagonista.

Los siguientes dos temas de la banda sonora son los más representativos de estos dos aspectos musicales, el primero la "obertura" con ese aire barroco y el segundo tema de carácter exquisitamente melódico, donde el lirismo de la cuerda y el piano muestran lo más intimo de los sentimientos del protagonista, su dolor y ese vacío existencial en el que está inmerso, contagiándonos de su tristeza.


sábado, 29 de octubre de 2011

Crimson Tide / Marea Roja (Suite) - HANS ZIMMER

Aprovechando los acontecimientos ocurridos en la Unión Soviética con la Perestroika y los convulsos momentos que se vivieron entonces, un guión que estaba dormido en un cajón sobre una historia que transcurría durante la guerra fría vio la luz en el año 1995 en esta película de Tony Scott, una espectacular producción muy interesante. 

La película cuenta la historia del comandante de uno de los más importantes submarinos nucleares americanos y su lugarteniente, en una situación de conflicto mundial y ante la amenaza de una guerra nuclear desencadenada tras un intento de golpe de estado nacionalista en Rusia. Cuando reciben una orden algo confusa de lanzar los misiles nucleares ambos personajes con caracteres bastante opuestos, reaccionan de manera muy diferente y acaban enfrentándose por el control de la nave.

Dejando aparte el manido tema de una posible guerra nuclear que se podría desencadenar en una situación de inestabilidad política visto ya en otras películas, lo importante de esta, no es la guerra en sí, sino el claustrofóbico enfrentamiento entre dos personajes ante una situación crítica, en la que es perfectamente comprensible la actitud de ambos militares de dos generaciones distintas ante el cumplimiento de su deber.

Magnífica la interpretación de sus dos protagonistas, Gene Hackman como el experimentado comandante del submarino y de Denzel Washington como su reflexivo segundo de a bordo. Ambos demuestran la fuerza y la intensidad interpretativa que les caracteriza, y que era fundamental en una historia como esta con la obediencia militar como telón de fondo.

La dirección de Tony Scott un especialista en películas de acción, es bastante contenida y reparte adecuadamente los momentos de tensión dramática entre los dos protagonistas con escenas de pura acción típicas del cine bélico de submarinos.
Mención especial para mi, es la secuencia inicial del comandante acompañado por su perro dando una patriótica arenga a la tripulación bajo una lluvia torrencial antes de zarpar y ante la atenta mirada y la sorpresa del lugarteniente que se acaba de incorporar. Ahí se empiezan a marcar las diferencias entre el viejo militar de la antigua escuela y el joven oficial de academia,  y todo ello con el fondo de los acordes de la excelente música de Hans Zimmer. Verdaderamente impresionante.

La banda sonora de Zimmer para esta película utilizando su ya típica mezcla de música sinfónica con toques electrónicos y sintetizadores, presenta unos temas con un sonido grandilocuente que empiezan de manera casi susurrante y van in crescendo de forma espectacular, en unos cortes de hasta más de 20 minutos de duración. Una música de caracter militar que hace uso en algunos pasajes de un coro de voces graves masculinas incluso con un tema que es un himno religioso coral de marcado carácter marcial solo con las voces. El tema principal de esta banda sonora ha sido reutilizado con algunas variaciones en muchas otras películas posteriores y es perfectamente reconocible como puro sonido Zimmer y del buen número de compositores que han trabajado con él como colaboradores y que han debutado con sus propias bandas sonoras en los últimos años.
En la suite que pongo a continuación aparecen casi todos los temas y momentos más importantes de la banda sonora. Una música espectacular para una película no menos espectacular.

sábado, 22 de octubre de 2011

Fortunata y Jacinta /Anillos de Oro / Segunda Enseñanza - ANTON GARCÍA ABRIL

Durante los años 80 se rodaron para Televisión Española un buen número de series que marcaron una época dorada de la televisión. Eran unas producciones de una gran calidad, bien realizadas por directores que repartían perfectamente su dedicación al largometraje de cine y a la televisión. Y como no unos magníficos actores, muchos de ellos grandes interpretes de cine y teatro que aportaban su buen hacer a este medio y también una hornada de jóvenes actores que empezaban su carrera y que se forjaron en estos trabajos. Quiero comentar tres series con un nexo común, el compositor autor de sus sintonías, Antón García Abril.

Fortunata y Jacinta es una magnífica miniserie en 10 capítulos basada en la famosa obra de Benito Pérez Galdós ambientada en el Madrid de la segunda mitad del siglo XIX, adaptada y dirigida por Mario Camus y que se emitió en 1980. Esta serie de Televisión Española supuso el inicio de las grandes superproducciones televisivas, como se demuestra en los fantastico decorados construidos en Prado del Rey y el elenco de grandes interpretes que formaban el reparto, Ana Belén y Maribel Martín en los papeles protagonistas junto a grandes actores como Fernando Fernán Gómez, Paco Rabal y Manuel Alexandre. Una obra clásica de la literatura española magníficamente llevada a la pantalla.






Anillos de oro, fue una serie de trece capítulos emitida en el año 1983 dirigida por Pedro Masó en su primer trabajo para la televisión y escrita por la guionista y actriz Ana Diosdado, la cual tenía uno de los papeles protagonistas, junto a un jovencísimo Imanol Arias. Esta serie se rodó inmediatamente después de aprobarse la reforma del código Civil por la que se introducía en la legislación el divorcio. Cada capítulo trataba un problema matrimonial distinto junto a las implicaciones personales de los protagonistas. La serie pretendió ser un reflejo de la realidad social de la España de aquella época, con sus contradicciones y sus esperanzas.



Segunda enseñanza, intentando seguir el éxito de "Anillos de oro" fue una serie también de trece capítulos rodada tres años después, en 1986, con Pedro Masó en la dirección y Ana Diosdado en el guión y en uno de los papeles principales, y en la que hizo una de sus primeras interpretaciones Javier Bardem. La serie ambientada en un instituto de bachillerato, reflejaba  las preocupaciones, inquietudes, problemas y alegrías de un grupo de adolescentes conflictivos y las de los propios profesores. Una clara antecesora de las series juveniles ambientadas en el mundo de la enseñanza que se rodarían a partir de entonces y que llegan aun hasta hoy día. 


En la mayoría de las series televisivas, tanto entonces como ocurre hoy día, la música, sobe todo la que suena en la cabecera sobre los títulos de crédito iniciales, se convierte en marca inseparable de la serie y se asocia inseparablemente a ella por el hecho de sonar cada semana en cada capítulo, alcanzando una gran popularidad. En la actualidad y gracias a las buenas ediciones discográficas, la música para series de televisión tiene una difusión que satisface tanto al gran público como a los aficionados a las bandas sonoras. Pero desafortunadamente existe un gran vacío discográfico de la música de las series españolas de la época y en especial de los magníficos trabajos de Antón García Abril.
Antón García Abril es uno de los más importantes músicos clásicos del siglo XX, que ha sabido compaginar una extensa obra orquestal, de cámara y vocal junto a la pasión por la música para las imágenes en el cine y la televisión. Estos tres temas, de una calidad excepcional, son un pequeño ejemplo de su obra para televisión, unas obras inolvidables que forman ya parte de la historia de la música cinematográfica.

martes, 18 de octubre de 2011

The Bridges of Madison County (Love Theme) - LENNIE NIEHAUS

En 1995 Clint Eastwood vuelve a sorprender al público con una película como "Los Puentes de Madison". Acostumbrados a sus papeles en cine de acción y ese arquetipo de tipo duro que le acompañaba desde sus inicios en el western o la saga policiaca de Harry Callahan; un papel en una drama romántico como la adaptación de la novela "The Bridges of Madison County" parecía no encajar mucho en el cine de Eastwood. Sin embargo nada más alejado de la realidad. Con este film consigue una de las joyas cinematográficas más importantes de los últimos tiempos, demostrando que su cine estaba madurando de una manera magnífica, tal como ha seguido demostrando en sus últimas películas, alcanzando unas cotas de genialidad que solo se da en los grandes maestros del cine de los que sin duda forma parte.

Una historia de amor maduro como esta, de emociones contenidas, aun con la sombra de un adulterio de fondo, no distorsiona y consigue llevar al espectador al mundo de los sentimientos de una manera sencilla y elegante, rematando con un final bellísimo que te deja sin respiración.

La dirección de Clint Eastwood es impecable, haciendo gala de una impresionante mezcla de sensibilidad y fuerza que tanto caracteriza su cine, consiguiendo convertir momentos tan sencillos como el nerviosismo de la pareja en sus encuentros, sus miradas y el simple roce de sus manos, en momentos memorables. 

Tanto Clint Eastwood, como Meryl Streep están extraordinarios, sensacionales, formando una de esas parejas que pasará a la historia del cine. Meryl Streep aparece fascinante encarnando a la perfección el papel de esa ama de casa que durante unos días vivirá una pasión y un amor de los que solo se vive una vez en la vida. Por otra parte Eastwood, ofrece otro de sus papeles memorables muy alejado de lo que había realizado hasta entonces. Nunca un tipo tan duro ha estado tan sensible.
Una de esas películas en las que brillan y se hacen memorables dialogos como este:


     - No quiero necesitarte
     - ¿Por qué?
     - ¿Por qué?, porque no puedo tenerte


Para la banda sonora Eastwood sigue echando mano de su compositor habitual, Lennie Niehaus y reservándose el propio Eastwood la composición del tema principal, un maravilloso tema romántico que se desarrolla en el resto de la banda sonora. 

Derivado de su ya legendaria afición al mundo del jazz, la banda sonora también incluye varias canciones de la época en la impresionante voz de Johnny Hartman, como la que suena por la radio mientras la pareja baila en su primera cita. 

He escogido el siguiente tema, porque acompaña a la escena más impresionante de toda la película, la escena final bajo la lluvia en la que solo con las expresiones de sus caras y sus gestos transmiten ese amor contenido, el desconsuelo y el alivio en un final memorable. Una escena en las que las imágenes y la música que las acompaña demuestran la grandeza del cine.



miércoles, 12 de octubre de 2011

El Secreto De Sus Ojos (Estación Retiro) - FEDERICO JUSID, EMILIO KAUDERER

El Secreto de Sus Ojos no es que sea una de las películas argentinas más taquilleras, más premiadas tanto en su pais como internacionalmente y la mejor obra de su director Juan José Campanella, es sobre todo una obra maestra del cine, del cine con mayúsculas. Una de esas películas en la que confluyen un guión magnífico, una excelente dirección a cargo de uno de los realizadores más notables del panorama actual, unos actores que sencillamente están espléndidos tanto en los papeles principales como los secundarios y como no, una banda sonora magnífica. 

Juan José Campanella, argentino pero que ha desarrollado parte de su carrera en Estados Unidos, con esta sencilla historia, narrada con un lenguaje muy de la calle y apoyado en el trabajo de unos magníficos actores consagrados en su país, ha conseguido emocionar al público no solo de habla hispana, sino llegar también al mercado americano y del resto del mundo a tenor del gran éxito de taquilla y de los premios cinematográficos conseguidos.

Los dos protagonistas principales de esta película, Ricardo Darín y Soledad Villamil están grandiosos en sus papeles, consiguiendo hacernos vivir su historia, emocionarnos y conmovernos.
Una película completa que combina a la perfección cine negro, drama romántico, thriller, humor y hasta un retazo histórico, político y social de la Argentina de los años 70. 

La música que Federico Jusid ha compuesto para esta película, contando con la interpretación al piano de Emilio Kauderer, transmite perfectamente los sentimientos de soledad, tristeza y melancolía que se muestran en esta historia. El tema "Estación Retiro" que suena en la despedida entre los protagonistas en la estación del tren contiene dos interpretaciones del tema principal de la banda sonora, la primera parte con la interpretación de los violines y el resto de cuerdas y la segunda parte al piano junto con las cuerdas, una música perfecta para mostrar una escena como esa... la tragedia de no confesar un amor, la cobardía de huir y la falsa esperanza de que el tiempo lo cura todo. 

Pongo dos videos, por una parte el del tema musical solo y por otra la escena real de la película sobre la que se escucha esta música, dos minuto y medio de puro cine y pura música de cine.


lunes, 3 de octubre de 2011

Finding Neverland (Neverland, Piano Variation In Blue) - JAN A.P. KACZMAREC

Esta conmovedora película esta basada en la vida del escritor James Barrie y en la creación de una de sus más famosas obras. 
Barrie un reputado literato de la sociedad inglesa del siglo XIX, buscando la inspiración para su nueva novela tropieza casualmente durante un paseo por unos jardines con la familia Llewelyn Davies, cuatro niños y su bellísima madre que acaba de quedarse viuda. De manera asombrosa Barrie traba una fuerte amistad con la familia a pesar del resentimiento de su propia esposa. La relación con los niños y en especial con uno de ellos, Peter, transforma su vida creando para ellos un mundo de fantasía y de magia, que culminará en su obra de teatro más atrevida y original, "Peter Pan". 
Johnny Deep en el papel de Barrie, da al personaje ese aire de fantasía infantil tan propia de muchas de sus actuaciones sobre todo en los films de Tim Burton en los que tanto ha contribuido. Igualmente Kate Winslet en el papel de la señora Davies, crea un personaje tierno y encantador, así como el grupo de niños sobre los que recae alguno de los momentos fundamentales del film.

Una película exquisita en su aspecto formal, contada como si de un cuento se tratara, ingeniosa, llena de sensibilidad y con unas magníficas actuaciones, pero que a pesar de ello  también deja lugar para el drama, los conflictos afectivos y el dolor, dotándola también de una buena dosis de realidad.  La historia de un hombre que al igual que el personaje de su obra, nunca se resistió a dejar de ser niño.

La bella partitura de Jan A. P. Kaczmarek ganadora del oscar a la mejor música original en el año 2004, ensalza los pasajes más bellos de esta historia, y la convierte en una obra imprescindible entre las composiciones de su autor, una verdadera joya. La banda sonora se sustenta en un maravilloso tema orquestal con el piano como protagonista con un sonido que transmite esa mezcla de realidad y fantasía que tiene la historia. Este tema como su propio nombre indica es una variación al piano solista del tema principal, con un leve toque de improvisación, interpretado con una delicadeza asombrosa. Una música que al escucharla, fácilmente te traslada al "pais de Nunca Jamás".

sábado, 1 de octubre de 2011

The Pink Panther (Royal Blue / The Lonely Princess) - HENRY MANCINI

Como ya comentaba en mi primer post, hay melodías muy estrechamente ligadas a las películas para las que fueron compuestas. Y este es el caso de la música que Henry Mancini compuso para "La Pantera Rosa", siguiendo las disparatadas investigaciones  del inspector Clouseau en esta y en todas las películas que se hicieron sobre este personaje. 
La película presentaba unos magníficos títulos de crédito animados donde aparecían el inspector Clouseau y la Pantera Rosa, llamando este personaje tanto la atención que se convertiría a partir de entonces en un verdadero icono de los dibujos animados independientemente de la película. 
La cinta es una gran comedia, que se desarrolla con un ritmo vertiginoso sobre todo gracias a la interpretación de Peter Sellers, en un papel que es una perfecta extensión en carne y hueso del personaje animado que aparece al principio. Un personaje al que Peter Sellers ha quedado ligado para siempre.

Mancini compuso dos temas fundamentales, uno para la Pantera Rosa y otro para Clouseau, dos temas clásicos inolvidables que han acompañado a los personajes tanto en las diferentes secuelas como el la serie de dibujos animados. Pero sería injusto reconocer esta banda sonora y las que creó para las otras películas de la Pantera Rosa solo por estos temas. Henry Mancini ha sabido imprimir en sus composiciones cinematográficas una sofisticación y una elegancia casi sin igual. 
Crea unas melodías perfectamente orquestadas y usa los instrumentos solistas, la voz y los coros de una manera realmente asombrosa, como se puede apreciar en la música de grandes películas como "Desayuno con Diamantes", "Charada", "Dos en la Carretera" y otros muchos títulos, y como no también en la música para la banda sonora de "La Pantera Rosa". 

Los dos temas que pongo a continuación que se utilizan en la trama en los momentos más románticos, son el mejor ejemplo de ello. Una música con tantos quilates como el diamante protagonista de la película.


martes, 27 de septiembre de 2011

Le Diner de Cons (Le Diner de Cons) - VLADIMIR COSMA

La Cena de los Idiotas, es una espléndida comedia francesa basada en una obra teatral del propio director de la películas, Francis Veber. 

Unos amigos de manera muy cruel, se reúnen un día a la semana a cenar llevando cada uno como invitado a un tipo, siendo el ganador el que consigue llevar al más idiota. Una noche Pierre Brochant uno de los organizadores, está pletórico porque ha conseguido como invitado a una auténtica joya, el campeón de los idiotas, François Pignon un funcionario de Hacienda que hace construcciones con cerillas. Pero Pignon a pesar de su buena fe, resulta ser un auténtico gafe y para desgracia de Brochant le provocará un sinfín de desgracias (una lumbagia, consigue que su mujer le deje, que le investigue un inspector de hacienda y varias cosas más)  convirtiendo esa invitación en una de las peores decisiones de su vida, una auténtica pesadilla. La crueldad inicial de Brochant al final se queda en nada comparada con la crueldad que de manera inocente le aplica su idiota invitado.

La historia es una crítica despiadada a una sociedad en la que no es fácil saber quien es el verdadero idiota. Un brillante guión con unos magníficos interpretes, que asegura la carcajada de una manera inteligente. Una cinta que en su momento sorprendió y que recomiendo a quien no la haya visto.

En el apartado musical, la banda sonora corre a cargo de Vladimir Cosma, uno de los más grandes y prolíficos compositores franceses. Para esta película Cosma compone una música satírica y divertida como se puede apreciar en este tema principal en su versión orquestal acompañado por la magnífica interpretación a la guitarra de Phillipe Catherine, en un juego musical que describe perfectamente el tono burlesco de la historia. 
Una música alegre y divertida para una comedia excelente.



sábado, 24 de septiembre de 2011

Segunda Piel (Tema principal) - ROQUE BAÑOS

"Segunda Piel" es un largometraje del año 2000 dirigido por Gerardo Vera, escenógrafo, director de teatro y ópera y director de cine.  Entre su escasa filmografía destaca esta fascinante película, que el mismo definió como una radiografía de la fragilidad del amor. La historia plantea un triángulo amoroso entre dos hombres y una mujer con uno de los personajes masculinos como vértice común, reflejando la complicada relación entre los tres. Alberto (Jordi Mollá) está casado con Elena (Ariadna Gil) tienen un hijo y una vida acomodada, pero  él mantiene una relación amorosa con Diego (Javier Bardem), lo que hará saltar por los aires su cómoda existencia. Con este planteamiento quedan servidos el engaño, la duda, la frustración, la pasión y el amor. Unos personajes que por no ver cumplidos sus deseos sufren por un amor puro, pero inviable para satisfacer a todos y que nadie salga dañado. 
Gerardo Vera consiguió reclutar un reparto de lujo, un Jordi Mollá que se mete en la piel de un personaje complejo y atormentado, un Javier Bardem como el amante frágil pero ilusionado y entregado a ese amor y Aridana Gil muy convincente como la esposa que ve que su vida se desmorona por algo imprevisible. Un drama, sobrio e impactante, no exento de cierto morbo, que consigue transmitir emoción e intensidad gracias sobre todo a sus magníficos interpretes.

La música de esta película compuesta por Roque Baños, es mi banda sonora preferida de este autor. Una música que contiene toda la carga dramática y pasional de esta historia. 
Este es el tema principal de la banda sonora, que podemos escuchar al comienzo de la película en los magníficos títulos de crédito. Una obra maestra de uno de los grandes compositores españoles actuales.

martes, 13 de septiembre de 2011

The Other Boleyn Girl (OpenIng Titles / Final) - PAUL CANTELON

"The Other Boleyn Girl" supone otra revisión cinematográfica de una parte de la agitada vida del rey Enrique VIII de Inglaterra. En esta ocasión la trama se centra en como las dos hermanas  Bolena, Ana y María, presas de las ciegas ambiciones de su familia compiten por el amor del apasionado rey. Las buenas intenciones de las hermanas para conseguir mejorar el nivel social y el poder de su familia desembocará en una rivalidad sin cuartel por conseguir el amor del monarca. Ambas compartirán el lecho del rey pero solo una será reina durante un breve y turbulento periodo que terminará bajo la espada del verdugo.

Por si solo el atractivo que desprende la imagen del cartel de la película con Scarlett Johansson y Natalie Portman flanqueando a Eric Bana, ya es un aliciente para ver esta nueva aproximación a uno de los temas más conocidos de la historia inglesa.
A priori el magnífico elenco de actrices que interpretan a las dos hermanas, hacia presagiar un duelo interpretativo que no llega a plasmarse en la pantalla, aunque ambas consiguen una ajustada interpretación. Por otro lado si es de destacar el magnífico trabajo de fotografía y de vestuario que siempre ayudan en películas de época como esta.

La excelente banda sonora de Paul Cantelón un joven compositor americano, es otro de los alicientes de esta cinta. La música es de corte clásico muy inspirada, como se puede apreciar en los dos cortes siguientes, el primero con el que comienza la película con una introducción muy bucólica que da paso al tema central con una preciosa melodía al piano y el corte final donde se desarrolla más orquestalmente este mismo tema. Música que por si sola justifica por supuesto oir esta banda sonora y ver esta película.



sábado, 10 de septiembre de 2011

3:10 To Yuma (Ben Takes The Stage/Dan´s Burden) - MARCO BELTRAMI

"3:10 To Yuma" es un aceptable remake del film del mismo título del año 1957 protagonizado por Glen Ford y que en esta ocasión interpreta muy acertadamente Russell Crowe. La historia como en muchos de los westerns clásicos nos presenta el enfrentamiento entre el bien y el mal, un granjero con moral y valores que se mantendrá firme hasta el final y un forajido violento y despiadado que utilizando su aspecto encantador será capaz de manipular cualquier situación y sacar partido del menor asomo de debilidad. 

Al ranchero Dan Evans (Christian Bale), agobiado y a punto de perder su rancho se le presenta la ocasión de aliviar sus penurias económicas colaborando en el traslado de un peligroso forajido recién capturado, Ben Wade (Russell Crowe). Junto a otros hombres deberá escoltar a Wade hasta un pueblo donde tomar el tren de las 3:10, que lo llevará a la prisión de Yuma. El viaje se convertirá en una pesadilla, una carrera de obstáculos en la que todos y cada uno irán abandonando al héroe que se mantendrá firme en su convicción ética, derivando la misión en una espiral de violencia. Un argumento que cumple perfectamente con lo más básico de un western "la historia de un hombre contra los elementos, de un hombre contra otro hombre, de un hombre contra sí mismo"
En resumen, un film emocionante, impecablemente realizado y con unas actuaciones de lujo. 

Con la música de esta película, ocurre lo mismo, Marco Beltrami crea una partitura brillante y enérgica con un sonido fresco y moderno, pero sin renunciar a los cánones establecidos del género. Son evidentes los guiños al sonido Morricone, apreciables perfectamente en este tema con la utilización de la trompeta, la guitarra acústica,  el punteo con la guitarra eléctrica y la intensidad de la cuerda en una vibrante progresión.

Un magnífico trabajo que logró la primera  y merecida nominación a los Oscar a su autor.
"3:10 To Yuma" es de esas películas que devuelven la pasión tanto por un género cinematográfico como musical algo olvidados en el cine actual.

jueves, 8 de septiembre de 2011

The Russia House - JERRY GOLDSMITH

En 1990 "The Russia House", fue la primera película que se rodó en escenarios naturales de Rusia, tras la disolución del estado socialista. Basada en la novela homónima de John Le Carré, la historia se ambienta en la época inmediatamente anterior a la ruptura de la antigua Unión Soviética durante la perestroika y desarrolla una trama de espionaje y contraespinoaje entrelazada con una entrañable historia de amor. Hay una gran puesta en escena, gracias en parte a la dirección de Fred Schepisi (seguramente su mejor película), las magníficas imágenes de Rusia en un trabajo excelente de fotografía y sobre todo por la elección de los actores. 

Sean Connery da la talla en uno de esos personajes ya entrado en años, un vividor aficionado a la bebida que se ve implicado por su trabajo como editor de libros de autores rusos y reclutado por el servicio secreto británico para que viaje a Rusia y entre en contacto con Katya. Michelle Pfeiffer, bellísima en esta película, es Katya la editora rusa enlace entre el personaje de Connery y un científico ruso que ha escrito unos diarios que poseen una relevancia mundial y sobre los que gira la intriga. Pero cuando ambos se conocen, las cuestiones de espionaje pasan a un segundo plano...

Ambos actores hacen muy creíbles sus papeles, comedidos, llenos de matices y, en suma, perfectos. Por un lado Connery se aleja de ese aspecto de duro al estilo de su James Bond para mostrar un personaje antítesis del héroe, individualista, alcohólico, descreído, pragmático y bastante pesimista. Por la otra parte está Michelle Pfeiffer, que pese a su aspecto tan frágil se enfrenta valiente y decididamente a la peligrosa situación en la que se ve envuelta. 

En el apartado musical, la hermosa banda sonora de Jerry Goldsmith mezcla perfectamente la intriga y el romanticismo con un sonido típico de ambientación rusa. Goldsmith utiliza principalmente la cuerda acompañada por un saxo interpretado maravillosamente por Branford Marsalis que aporta el adecuado toque nostálgico, entristecido y de suspense, idóneo tanto para los personajes como para el lugar donde se desarrolla la acción. El tema de "Katya" de una belleza extraordinaria, es el tema dedicado a la protagonista en esa impactante primera escena de Michelle Pfeiffer  bajo la nieve. Una música magistral que es sin duda una de las grandes creaciones melódicas del compositor.



Y el "Love Theme" una variación más orquestal del tema anterior. Una música exquisita.

domingo, 4 de septiembre de 2011

El Invierno en Lisboa (Magic Summer) - DIZZY GILLESPIE

"El Invierno en Lisboa" supone una de las más interesantes incursiones de un músico de jazz en la composición para el cine, más aun si cabe tratándose de una pequeña, pero muy interesante producción española del año 1991 dirigida por Jose Antonio Zorrilla. La cinta basada en la novela de Antonio Muñoz Molina, es sobre todo una historia de amor, fatalidad y deseo, música de jazz, humo y alcohol con trasfondo en San Sebastian y Lisboa. Un claro homenaje al cine negro americano y a los tugurios en los que los grandes músico inventaron el jazz.
La banda sonora corre a cargo de Dizzy Gillespie, uno de los grandes músicos de jazz americano, que interpreta también uno de los papeles principales. Su historia es la de un célebre músico que jamás ha dejado que lo graben (una referencia a las excentricidades de muchas estrellas de la música). "Mi música está aquí hoy y se irá mañana conmigo", dice en una de las escenas de la película. Al fin y al cabo, la música es así. Existe mientras suena, y el jazz es en esencia música en vivo. Pero esto es solo el telón de fondo, donde se mueven personajes tan clásicos del género como el pianista, la mujer fatal, el mafioso marido de esta y el dueño del local donde transcurre buena parte de la película. Con este fondo de cine negro e historia de amor imposible, le viene de maravilla el jazz como banda sonora. Casi todos los temas de la película son baladas, y esto marca el ritmo de la acción durante toda la cinta.
La música muestra a un Gillespie espléndido, en la cima de su carrera, y solo por su presencia como actor/interprete hace que valga la pena revisar esta película que ha pasado bastante desapercibida.
El tema que pongo a continuación, "Magic Summer" es el tema principal de la película, que aperece en la banda sonora en tres versiones diferentes, con orquesta, vocal y  en esta versión al piano. Magnífico tema que une perfectamente el jazz y el cine en una banda sonora ESPLÉNDIDA.

domingo, 26 de junio de 2011

The Duellists (The Duellists Theme) - HOWARD BLAKE

En 1977, "Los Duelistas" opera prima del hoy reputado realizador Ridley Scott, una película con un ajustado presupuesto pero que contaba con un magnífico reparto y una muy cuidada ambientación, sorprendía y se alzaba con el premio a la mejor dirección novel en el festival de Cannes (con la paradoja de que su director contaba ya con 40 años). La cinta se estrenó con una tibia acogida tanto de la crítica como del público, pero es de esas películas que ha ido ganando con el tiempo y que sin ser una obra maestra hoy destaca como una gran película muy por encima de otras obras más conocidas de su autor. La película basada en una novela de Joseph Conrad, relata el enfrentamiento entre dos oficiales del ejercito de Napoleón que se baten durante toda la película en una serie de duelos salvajes que en un principio dan comienzo por una pequeña disputa de honor  y que cambiarán la vida de los protagonistas y culminará en un final inesperado.

A pesar de ser la obra más desconocida de Ridley Scott sería injusto que cayera en el olvido uno de los mejores debut cinematográficos de las últimas décadas, una magnífica película como esta donde destacan  la belleza de sus imágenes, la fotografía, el vestuario, el maquillaje, las impresionantes escenas de los duelos, la interpretación de sus dos protagonistas Keith Carradine y Harvey Keitel y por supuesto su maravillosa banda sonora.
Ridley Scott cuenta en el apartado musical para su debut con Howard Blake un compositor inglés que consigue con esta partitura quizás su mejor trabajo. Una música que como es habitual en la obra de Ridley Scott conjuga perfectamente con las imágenes, creando un marco estético perfecto. 
La partitura de un marcado estilo clásico cuenta con un maravilloso tema central con una gran belleza sinfónica que transmite la intensidad del conflicto que por cuestiones de honor mantienen sus protagonistas. 

miércoles, 22 de junio de 2011

Atonement (The Cottage On The Beach) - DARIO MARIANELLI

"Atonement" ("Expiación: Mas Allá de la Pasión"), es una emotiva y romántica película que en el año 2007 alcanzó un notable éxito tanto de crítica como de público, siendo una de las películas con más nominaciones a los Oscar  de ese año y que lo ganó en el apartado de banda sonora. La cinta venía avalada por el productor y realizador de "Orgullo y Prejuicio" (película que dos años antes también había sido un gran éxito) y basada como esta en la adaptación de una famosa novela. La historia ambientada en Inglaterra antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, describe las trágicas consecuencias a las que una niña de una familia victoriana con una desbordante imaginación y obsesionada en convertirse en escritora, lleva a su hermana y a su amante tras acusar a este injustamente de un crimen que no ha cometido. Una historia desgarradora con unos inolvidables personajes que protagonizan una de esas grandes y tristes historias de amor.

La música de Dario Marianelli, que también había colaborado con el equipo de la película en la anterior "Orgullo y Prejuicio", cobra una importancia vital en la narración de la película y se convierte en uno de sus mejores trabajos. La composición se ciñe muy bien a la época victoriana y a la melancolía y romanticismo de la historia, e incluso a los momentos más trágicos de las secuencias de la guerra.

El tema que pongo a continuación, una melodía con una perfecta combinación de la cuerda y el piano, es uno de los más bonitos de la banda sonora y transmite una intensidad profundamente conmovedora.  Una música exquisita que se integra perfectamente con esta historia de amor, pasión, dolor y expiación.


sábado, 18 de junio de 2011

Tango (Recuerdo) - LALO SCHIFRIN

Creo que el tango es uno de los géneros musicales más extraordinarios que existen. Oírlo es un placer, pero oírlo y verlo bailer es algo sublime. No solo se ha utilizado en el cine por su ubicación geográfica en películas argentinas, sino que muchos compositores con raíces porteñas o no, lo han usado en las bandas sonoras de películas de diferentes estilos y géneros. 

En 1998 Carlos Saura al igual que ya había hecho con el flamenco, dedica una película a este genero musical como un homenaje a la música de Buenos Aires. Con el pretexto cinematográfico usado en muchas ocasiones en el cine, de un rodaje dentro de un rodaje, se nos muestran una relación de número musicales con las distintas variantes de este género con unos momentos y secuencias de verdadera poesía visual. Para ello Carlos Saura coge un buen número de tangos clásicos y con el arreglo musical del gran compositor argentino Lalo Schifrin y la magnífica interpretación de la Orquesta Ensemble, recrea en imágenes la naturaleza urbana, sensual y pasional que tiene el tango. 
Hay que señalar también la determinante presencia del director de fotografía Vittorio Storaro que aporta su inigualable calidad a las imágenes de la cinta.

El tema que pongo a continuación es "Recuerdo" una composición de Osvaldo Pugliese, uno de los más grandes y reconocidos compositores argentinos de tango. Y pongo fundamentalmente este tema por la secuencia del video, donde además de disfrutar de una música excelente se puede ver bailar el tango de una de las maneras más elegantes que haya visto nunca, con esa cadencia casi como si fuera una cámara lenta que nos permite disfrutar de cada movimiento. Dicen los entendidos que para bailar el tango hay que amar, hay que sentir, hay que escuchar cada nota de los acordes del bandoneón e interpretarlas, en una comunión entre dos cuerpos en una sola estructura; y esto es lo que yo observo en esta secuencia de la película. Espero que disfrutéis oyendo y viendo bailar esta música maravillosa.

jueves, 16 de junio de 2011

Valkyrie (They´ll Remember You / Midnight Waltz) - JOHN OTTMAN

"Valkiria" que en principio parecía otra película bélica más, se resuelve como una magnífica película de intriga histórico-política, con una estupenda recreación de la época y una muy correcta interpretación de todo el reparto y en especial de Tom Cruise (protagonista y productor de la película y que curiosamente guarda un gran parecido físico con el personaje real). La historia te atrapa desde el principio y crea una situación de suspense a lo largo de toda la trama, sin una sola caída de ritmo a pesar de que es de sobra conocido el final. Una película de cine histórico de primera.
La cinta cuenta con todo detalle, la famosa operación Valkiria, uno de los episodios más heróicos y menos conocidos de la Segunda Guerra Mundial, en la que el coronel Claus Von Stauffenberg junto con un pequeño grupo de altos mandos militares viendo el rumbo que estaban tomando los acontecimientos, con el terrible desastre al que se estaba llevando a Alemania a causa de la guerra y los abominables crímenes contra los judios, planearon asesinar a Hitler.  La operación pudo haber cambiado el rumbo de la historia, pero el destino y las circunstancias hicieron que desafortunadamente fracasara. Pero gracias a hombres íntegros y valientes como este, se nos trasmite la idea que queda reflejada en una de las frases más impactantes de la película: "tenemos que demostrar al mundo que no todos éramos como él".
La banda sonora es de John Ottman que crea una tensa y dramática partitura que acompaña perfectamente el magnífico suspense del relato. A continuación aparecen dos temas que me parecen fascinantes. El primero "They´ll Remember You" es un tema coral de una belleza desgarradora, que ensalza el patriotismo y la heroicidad del protagonista en la escena final cuando se lleva a cabo el fusilamiento de los principales instigadores de la conspiración. El segundo "Midnight Waltz" es un  precioso tema, un vals con un sonido muy clásico para uno de los pocos momentos románticos de la cinta en la que el protagonista está en los brazos de su esposa. En definitiva una música perfecta para las imágenes a las que acompaña.