domingo, 14 de diciembre de 2014

El Principe de la Mareas - JAMES NEWTON HOWARD

Para su segunda incursión en la dirección cinematográfica, después de su exitoso debut ocho años antes con Yentl, Barbra Streisand eligió el afamado bestseller de Pat Conroy, "El Principe de las Mareas", una historia tan sugerente y atractiva como su propio título. Con muy buena mano Streisand consigue dotar a la historia de ese perfecto equilibrio entre drama y romance con el telón de fondo de esa tragedia innombrable que da origen a toda la trama.

Cuando Tom Wingo (Nick Nolte), un rudo entrenador de futbol recibe la llamada de la doctora Susan Lowestein (Barbra Streisand), una sofisticada psiquiatra de Nueva York que atiende a su hermana después de varios intentos de suicidio, se producirá un gran cambio en su vida y se verá obligado a revivir un pasado marcado por un terrible suceso en su infancia. 

La cinta muestra un elevado nivel tanto en la dirección, el guión, una estupenda fotografía y una magnífica banda sonora.

Mención especial es la interpretación de una Streisand muy correcta, que en ese afán propio de "yo me lo guiso, yo me lo como" que la caracteriza, se  eligió hábilmente el papel femenino protagonista, y un Nick Nolte que está enorme en uno de sus mejores papeles hasta la fecha, cargado de gran intensidad y lleno de matices.

Con un total de siete nominaciones a las estatuillas, fue la gran derrotada de la ceremonia de los Oscar de 1991, y aunque no consiguió ninguna, la película tuvo una gran acogida de público y se convirtió en uno de los mejores estrenos de ese año.

El "Principe de la mareas" es sin duda un melodrama en toda regla rodado con elegancia que consigue entretener y emocionar a partes iguales y una de esas historias que vale la pena ver.


James Newton Howard compone una emocionante y romántica partitura, acorde perfectamente con la historia. El tema principal contiene una preciosa melodía, una de esas músicas elegantes hasta la médula.




Para la ocasión y como no, la propia actriz/directora/cantante colabora con dos canciones, la interpretación de un clásico "For All We Know", y una composición de James Newton Howard con letra de Alan y Marilyn Bergman, "Places That Belong To You", que en la voz de Barbra Streisand suena maravillosamente bien. 


lunes, 1 de diciembre de 2014

Cuando la Música Es Sensualidad (III) - El Cine Italiano de los 70

Dentro del mundo de las bandas sonoras, los años 70 en el cine italiano fue una de las épocas más prolíficas y extraordinarias que ha habido para la música cinematográfica. Y aunque no siempre se ha correspondido la calidad de los films con la calidad de sus bandas sonoras, los grandes compositores italianos de la época nos dejaron en películas de toda clase y género, algunos de sus mejores trabajos.

Entre la gran variedad de estilos musicales que se utilizaron en el cine hecho durante esos años, los maestros italiano son unos especialistas en plasmar "sensualidad" en algunas de sus deliciosas melodías. Para esta ocasión he elegido tres temas que son el mejor ejemplo de lo que he pretendido trasladar con esta serie de entradas en el blog dedicadas a la sensualidad en la música de cine.

Si hablamos de maestros italianos de la música cinematográfica, Ennio Morricone creo que es sin lugar a dudas el más grande de todos, autor de las más bellas bandas sonoras que se han compuesto para el cine y uno de los autores clave en la música del cine italiano de los 70. "Quando l'amore è sensualità"  es una película del año 1973 dirigida por Vittorio De Sisti, e interpretado por una guapísima Agostina Belli. Un drama erótico que aborda la relación entre amor y sexo en una de esas historias escabrosas cargadas de situaciones comprometidas que destaca por su excelente ambientación y sobre todo por la bellísima y romántica partitura del maestro Morricone. El tema "Canzone per Donatella" interpretado solo con el piano, es una de las piezas más intimistas de Morricone, con un tono melancólico que no puede ocultar la sensibilidad y "sensualidad" en cada una de sus notas.


"Cugini Carnali" dirigida en 1974 por Sergio Martino, es otro de esos film eróticos del montón. Una historia que plantea un triángulo sentimental que se establece durante una vacaciones veraniegas entre una atractiva joven, su primo adolescente y el padre del chico. Como en la mayoría de películas de corte erótico de aquella época que solo pretendían explotar el carácter escandaloso de las relaciones de la seductora protagonista, las fugaces escenas eróticas se acompañan en esta ocasión de la magnífica banda sonora de Claudio Mattone
El tema principal de la película es una preciosa melodía que explota el carácter sensual de la música con la utilización de unos suaves susurros de una voz femenina.



Dentro del género de la comedia erótica, desarrollado hasta la saciedad en un sinfín de películas con títulos tan extravagantes como las mismas historias que contaban, se crearon verdaderas sagas donde en el eje central estaba la maciza de turno (enfermera, secretaria, profesora, estudiante, policía, etc.) y alrededor, una serie de jovencitos salidos, "galanes" calvos y bajitos, maridos cornudos y tontos de capirote todavía más salidos.

"L'insegnante Viene A Casa" dirigida en 1978 por Michele Massino Tarantini, es una de estas películas. Protagonizada por la espectacular Edwige Fenech, uno de los grandes mitos eróticos del cine italiano, y por los omnipresentes en este tipo de películas, Renzo Montagnani, Lino Banfi y Alvaro Vitali, lo de menos era la historia, ya que lo importante era conseguir los favores de la bella y exhuberante protagonista entre una serie de chistes fáciles, pero muy del gusto del espectador de la época. Dentro de la banda sonora compuesta por Francesco Campanino, junto a una serie de melodías ligeras y dicotequeras encontramos un bellísimo tema como el siguiente, con un maravilloso arreglo orquestal y con la aportación otra vez más de una suave y susurrante voz femenina. Nunca estuvieron tan bellas y sensuales las actrices que protagonizaban estas películas, como acompañadas por melodías como esta.


domingo, 16 de noviembre de 2014

Cuando La Música Es Sensualidad (II) - Instinto Básico (JERRY GOLDSMITH)

Además de tener el cruce de piernas más famoso de la historia del cine, Instinto Básico contiene uno de los temas musicales mas sensuales que se hayan compuesto para la banda sonora de una película. 

En 1992 el siempre polémico Paul Verhoeven rodó este thriller inquietante lleno de suspense y con una muy bien dosificada carga de sexo y violencia, temas todos ellos muy presentes en el cine de Verhoeven. Basado en un buen guión del por aquel entonces mejor cotizado guionista de Hollywood, Joe Eszterhas, la historia muestra una enrevesada trama criminal que aunque pueda resultar engañosa mantiene la tensión y el interés con cada giro argumental hasta el mismo minuto final de la película.

Con una impecable fotografía (Verhoeven cuenta también con uno de los mejores operadores del momento, Jan de Bont) el director crea unos planos de gran belleza técnica que reflejan perfectamente esa atmósfera violenta, sexual y "sensual" que rezuma toda la película.

El reparto cuenta con un sólido Michael Douglas en el papel del inspector de policía Nick Curran y una soberbia Sharon Stone como la atractiva escritora de novelas de intriga, Catherine Tramell envuelta en el brutal asesinato de su novio, una antigua estrella de rock. Entre otras muchas cosas Instinto Básico será siempre la película que lanzó al estrellato a una guapísima Sharon Stone en un papel que ha marcado hasta el momento toda su carrera cinematográfica y que la convirtió en uno de los grandes mitos eróticos del cine.


Otro de los grandes aciertos del film es la espléndida banda sonora del maestro Jerry Goldsmith. Su ya famosísima melodía inicial con el que se abre la película y que da paso a la brutal escena de sexo que termina con el asesinato con el punzón de hielo, es todo un clásico de la música de cine y una obra maestra de su autor.
Golsmith crea una música cálida, sensual y turbadora con la que refleja la intrigante y enigmática componente sexual de la protagonista. El autor conseguiría una de sus máximas cotas de implicación sonora con los personajes, las imágenes y la narración de esta película. 

La banda sonora destacó entre otros aspectos de la película al ser nominada como mejor banda sonora en tres de los grandes premios internacionales, los Oscar, los Globos de Oro y el Festival de Cannes, y algunos consideramos que es una obra clave en la música de cine de los años noventa.

Sharon Stone, Jerry Goldsmith, Instinto Básico,....... "cuando la música es sensualidad"

domingo, 9 de noviembre de 2014

BARBIERI SYMPHONY ORCHESTRA - Concierto homenaje a JOHN WILLIAMS

Es muy gratificante comprobar cómo la música de cine se está abriendo paso en los repertorios de las orquestas de música clásica. Es innegable reconocer que la música que se hace para el cine es la música clásica de nuestros días y sin querer ofender a los puristas de lo clásico, nombres como John Williams, Ennio Morricone o Jerry Goldsmith por citar a algunos de los más relevantes compositores de bandas sonoras, han hecho y siguen haciendo música clásica, una música que es parte fundamental del lenguaje cinematográfico. Los aficionados a las bandas sonoras siempre habíamos envidiado comprobar cómo se hacían conciertos de música de cine en las salas más importantes de muchas capitales del mundo, por lo que cualquier iniciativa de este tipo que se realice en nuestro país supone una gran satisfacción. Si oír la música de cine durante la proyección de la película o escuchar detenidamente la banda sonora en su edición discográfica es una gozada para los aficionados y creo que también para el público en general, poder oírla interpretada por una orquesta sinfónica en una sala de conciertos es una experiencia extraordinaria y que recomiendo encarecidamente a quien no haya tenido la oportunidad.

Y ya que de oportunidades de este tipo hablamos, es para mi una gran satisfacción recomendar el concierto que se va a celebrar los próximos días 27 y 28 de diciembre en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Un homenaje a la música de John Williams interpretado por la Barbieri Symphony Orchestra, un proyecto de jóvenes músicos que están intentando abrirse paso en el panorama musical actual y que, con proyectos como este, buscan acercarse al gran público. He tenido la suerte de que un responsable de la orquesta se dirigiera a mi a través de este blog para que apoyara este evento, lo cual es todo un halago y hago encantado.



El concierto contará con dos colaboraciones de lujo: por un lado la dirección musical de  Lucas Vidal, joven compositor cinematográfico afincado en Hollywood y una de las grandes promesas de la música de cine de nuestro país; y por otro lado la participación de Leticia Moreno, la también joven y brillante violinista madrileña, que a buen seguro nos deleitará interpretando con su violín las inolvidables melodías del maestro John Williams.


Una ocasión para participar en un acontecimiento que hará las delicias de todos los que amamos la música en general y que además sentimos "pasión por la música de cine".

Con el siguiente video, haciendo un flashmob en el barrio de Lavapies en Madrid, la orquesta se dio a conocer hace dos años. En el video interpretan el Vals de la Suite de Jazz nº 2 de Dimitri Shostakovich, una obra muy cinematográfica que el mismo Stanley Kubrick incluyó en la banda sonora de Eyes Wide Shut.

martes, 28 de octubre de 2014

Cuando La Música Es Sensualidad (I) - EYES WIDE SHUT (Baby Did A Bad Bad Thing" - Chris Isaak)

La música siempre ha sido el acompañamiento ideal en muchas escenas "subidas de tono" en toda la historia del cine. Las notas de una romántica melodía o el uso de una suave canción consiguen incrementar la intensidad sensual de muchos encuentros sexuales que quedarían muy sosos sin ellas. En muchas ocasiones ha sido el "love theme" de la banda sonora ese fragmento musical que vale para cualquier escena romántica incluidas las escenas de contenido más o menos sexual, pero existen una gran variedad de temas y estilos musicales capaces de crear esa atmósfera necesaria para subir aun más la temperatura en algunos momentos del metraje de todo tipo de películas.

Hay miles de ejemplos, de los que me gustaría comentar algunos de los que desde un punto de vista musical me parecen de los mejores momentos en los que la música transmite "sensualidad", cuando acompaña a una escena o simplemente cuando la música es la máxima protagonista del film muy por encima de las imágenes y de la historia que cuenta.

EYES WIDE SHUT

El cine de Stanley Kubrick siempre se caracterizó por su elevada carga sexual y toda una variedad de aspectos morbosos en sus historias. En la que sería su obra póstuma "Eyes Wide Shut" el sexo y el erotismo conforman una historia agresiva y perturbadora en la que se lleva al límite las relaciones de pareja. Quizás sea una obra bastante incomprendida del maestro Kubrick, aunque muchos la consideran como el digno final de una de las más brillantes carreras en la dirección cinematográfica.
Una película en la que el director consiguió sacar el mayor de los partidos a dos actores como Tom Cruise y Nicole Kidman cuyas carreras están llenas de altibajos, pero que en esta ocasión y tan bien dirigidos sacaron de lo mejor que han hecho en el cine hasta el momento. Hasta algunos se preguntan como Sidney Pollack no aprovechó más su faceta de actor teniendo en cuenta su gran actuación en esta película.

La banda sonora estuvo cuidadosamente escogida por Kubrick, donde mezcló temas de música clásica, música New Age con un sonido litúrgico, algún tema de jazz y una canción pop "Baby Did A Bad Bad Thing" de Chris Isaak que acompaña, para mi gusto, los mejores 50 segundos de una escena que es pura "sensualidad" entre una pareja y su imagen en un espejo. 


Una escena que sobrepasa con creces el contenido pretendidamente censurado del videoclip original de la canción. Pero al fin y al cabo la música es lo que cuenta y en este caso es una canción que podría acompañar perfectamente cualquier escena de alto voltaje sexual de cualquier película.....y si no lo creéis, haced la prueba.

domingo, 28 de septiembre de 2014

La Música de PASCAL GAIGNE (III) - Gordos

Tras su prometedora opera prima, Azul Oscuro Casi Negro, Daniel Sánchez Arévalo vuelve a sorprendernos con "Gordos", una de esas historias que no deja indiferente al espectador, dando con la medida justa entre humor y dramatismo. Porque en el fondo todos llevamos "un gordo dentro", sobre todo en una sociedad como la actual en la que el culto al cuerpo, parte como ideal de belleza y parte como ideal de salud, nos mantiene en una lucha constante con nuestro mayor enemigo contra la obesidad, "nosotros mismos". Y eso es lo que refleja perfectamente esta película, una historia sobre los excesos y las carencias de la vida. 

En ella se nos presentan cinco historias que giran en torno a la obesidad, a través de un entorno común, un grupo de terapia en la que los personajes no van a adelgazar, sino a encontrar los motivos por los cuales están "gordos", lo que lleva en algunos momentos a mostrar que el peso y su cuerpo es lo de menos. 

El reparto, bastante acertado consigue transmitir esos altibajos de los que está llena la película, y consiguen emocionar, divertir y sobre todo dar que pensar. Ello ha requerido a alguno de los interpretes un esfuerzo físico importante, teniendo que engordar y adelgazar en varios periodos de la grabación.
Mención especial me parece la transformación de Antonio de la Torre, en una magnífica actuación que le valió el Goya al mejor actor.

En resumen, una historia de culpa, deseo, miedo, ilusión, sueños, sexo, amor,.... un compendio de contradicciones, como la vida misma.

Sanchez Arévalo, vuelve a contar para la bada sonora con la colaboración de Pascal Gaige, quien haciendo honor a su estilo intimista, compone una música sencilla, porque "Gordos" es una historia de personajes sencillos. Una partitura que refleja sentimientos de bondad, inocencia e ingenuidad, con un punto de ironía que encaja perfectamente con las diferentes historias de los personajes de esta película. 
El tema principal es una pequeña maravilla musical, con una sencillo arreglo orquestal y usando el piano y la guitarra como instrumentos principales. Una melodía que sirve de referencia emocional y que transmite perfectamente la esencia y el mensaje de esta película.

domingo, 14 de septiembre de 2014

La Música de PASCAL GAIGNE (II) - Siete Mesas de Billar Francés

El oficio del "cine" como todo en esta vida se aprende, pero algunos lo llevan en la sangre como es el caso de Gracia Querejeta, una de las directoras más interesantes del panorama del cine español. Y es que haber crecido de la mano de Elias Querejeta uno de los personajes más importantes de nuestro cine, es el mejor aprendizaje que un cineasta pueda tener.


Desde sus inicios el cine de Gracia Querejeta se ha caracterizado por la sencillez, plasmada en unos magníficos guiones. "Siete Mesas de Billar Francés" es una de sus mejores películas, una historia de personajes al límite, inmersos en unas situaciones difíciles en los que se sobreponen a la adversidad y saben sacar lo mejor de sí mismos, una de esas historias dramáticas llevada al límite buscando siempre el lado más humano.

Todo empieza cuando Angela (Maribel Verdú) vuelve con su hijo a su ciudad natal al enterarse de la grave enfermedad de su padre del que se había distanciado. Al llegar y tras la muerte de este, Charo (Blanca Portillo) la novia de su padre le informa de la situación ruinosa del negocio que regentaban, un viejo salón de billar. Angela decidirá entonces sacarlo a flote, para lo cual y recordando lo que su padre le había enseñado, echará mano de los antiguos amigos de su padre para formar un equipo de competición que devuelva la brillantez al salón de billar.


Gracia Querejeta apuesta de nuevo por el drama más emotivo, pero por primera vez en su cine introduce momentos cómicos que se integran perfectamente en la historia de manera consecuente y con estilo gracias a un guión impecable. Las dos actrices principales están soberbias, en un duelo interpretativo de lo mejorcito del cine de los últimos años y quedó de manifiesto con la merecida Concha de Plata del Festival de San Sebastián para Blanca Portillo, que bien podría haber sido para ambas. Como ya viene siendo también habitual en nuestro cine, el resto del elenco está estupendo con un reparto de actores secundarios de lujo, de los que la directora saca lo mejorcito de cada uno de ellos.


Unas película que te hace pasar un rato muy agradable, ese tipo de cine con una buena historia, de las que consiguen emocionar.  


Otra vez Pascal Gaigne se mueve como pez en el agua poniendo música a esta historia, componiendo una banda sonora suave y melancólica, como en este tema principal donde utiliza el piano con una delicadeza y elegancia exquisitas.

viernes, 13 de junio de 2014

La Música de PASCAL GAIGNE (I) - Azul Oscuro Casi Negro

Francés, aunque afincado en San Sebastián, Pascal Gaigne es uno de esos compositores que de una manera sencilla se ha consolidado en el panorama de la música cinematográfica nacional. Su colaboración con directores reconocidos como Victor Erice, Daniel Sánchez Arevalo, Iciar Bollain o Gracia Querejeta ha dado lugar a un buen número de trabajos que se encuentran entre lo mejor que se ha compuesto en nuestro cine en los últimos años.
Su música que se mueve entre melodías intimistas y tranquilas, con el uso de pequeñas formaciones orquestales, resulta encantadora, ambientando las imágenes a las que acompaña con una tremenda calma y expresando de una manera perfecta los sentimientos de los personajes.

Si algo define su música es su sencillez, música sencilla para historias sencillas y personajes sencillos, como es el caso de la música para tres de sus mejores bandas sonoras:

Azul Oscuro Casi Negro, fue el brillante debut en la dirección de Daniel Sánchez Arévalo. Una película magnífica que alcanzó un gran éxito en la Gala de los Goya del año 2006 con el Goya a la mejor dirección novel, actor de reparto y actor revelación y en el Festival de Málaga donde consiguió el premio al mejor guión, premio de la crítica y premio especial del jurado. Una historia potente y original con un excelente trabajo de dirección, donde se mezclan a partes iguales momentos dramáticos y momentos cómicos.

Jorge es un joven que en los últimos años ha compaginado con gran esfuerzo sus estudios, el cuidado de su padre impedido por un infarto cerebral y el trabajo heredado de su padre como portero de un edificio. A pesar del empeño en querer mejorar, no encuentra un trabajo acorde a sus estudios (licenciado en empresariales), su vida no avanza lastrada por el cuidado de su padre, aparece su exnovia para complicar las cosas y para colmo su hermano que está en la cárcel le pide algo sorprendente.

Destacable es también el reparto, con un Quim Gutiérrez en en papel principal que resulta toda una revelación, Marta Etura que está fantástica y dos secundarios de lujo, Antonio de la Torre como el hermano del protagonista y Raul Arévalo como su mejor amigo.

Una película modesta hecha con mucho sentimiento, de las que reconcilia con el cine español. Totalmente recomendable.

La música de Pascal Gaigne se mueve perfectamente en el terreno intimista y humano en el que se desarrolla esta historia. Y aunque la banda sonora es disfrutable en una audición aislada, es mucho más efectiva junto a las imágenes de la película donde cala perfectamente con el espíritu de la historia y el alma de los personajes. Un ejemplo claro de lo que es la composición cinematográfica: pura música para las imágenes.

De entre los temas de la banda sonora destacaría estos dos: el tema principal "Azul oscuro casi negro" con un planteamiento rítmico que se convierte en el eje principal del protagonista y "Solaris" un melancólico tema al piano.



La banda sonora también incluye una preciosa canción titulada "Imaginarte" en la cálida voz de Alba Garate, la cantante de Lantana.


sábado, 24 de mayo de 2014

La Fuerza del Cariño (Terms of Endearment) - MICHAEL GORE

Hay películas que sin ser lo que todos entendemos como "una gran película", reúnen una serie de características que las llevan a lo más alto y al éxito más absoluto. Esto es lo que ocurrió con "La fuerza del cariño" el film de James L. Brooks del año 1983, que arrasó en la taquilla, fue un éxito de crítica y consiguió un buen número de premios cinematográficos a nivel internacional.

Partiendo de una historia mil veces contada en el cine, pero esta vez convertida en un muy buen guión, nos encontramos con una comedia dramática que desató las lágrimas de los espectadores de todo el mundo. Y es que si se incluyen dos grandes estrellas como Shirley McLane y Jack Nicholson fantásticos como casi siempre y una joven Debra Winger en un gran momento de su carrera (venía de rodar el año anterior "Oficial y Caballero"), todos ellos magníficamente dirigidos, el éxito estaba claramente garantizado.

Aurora (Shirley McLane) y Emma (Debra Winger) son una madre viuda y una hija, muy unidas, aunque con puntos de vista muy diferentes sobre la vida y el amor. Aurora que ha criado a su hija prácticamente sola y de una manera muy protectora no ve con buenos ojos el momento en que su hija se casa y se marcha de casa, lo que llega a enfrentar a ambas. El vacío creado por la ausencia de su hija se llena con un romance con la persona más insospechada, Garrett (Jack Nicholson) un vecino ex-astronauta y mujeriego que consigue romper la frialdad que hasta ese momento había mantenido Aurora frente al amor. Tras separarse de su marido y con tres hijos a su cargo, Emma vuelve a recuperar la relación con su madre pero la felicidad del reencuentro se verá truncada por una melodramática situación en uno de esos finales demoledores.

Como era previsible una historia como esta rompió los corazones de los académicos de Hollywood y con un total de 11 nominaciones, la película consiguió 5 de los grandes, 3 para James L. Brook, película, director y guión adaptado, uno para Shirley Mclane como actriz principal y otro para Jack Nicholson como actor secundario.
El duelo interpretativo entre ambas mujeres, una madre testaruda y complicada, y una hija rebelde y decidida, y esa historia de amor otoñal tan tierna como divertida consiguieron de manera muy inteligente hacer llorar y reír a partes iguales y poney de manifiesto lo real y cercana que es esta película.


Otro gran acierto de la película es la banda sonora de Michael Gore, un discreto compositor norteamericano que aunque venía de ganar un Oscar por su anterior trabajo en la banda sonora del musical "Fame", quizás sea recordado mejor por la música para esta película. El tema principal de "La Fuerza del cariño" que posee uno de esos momentos de crescendo musical verdaderamente emocionante, es ya todo un clásico y una de las melodías más reconocibles de la música cinematográfica.

Y como muestra estos tres fragmentos representativos de una banda sonora breve pero de una gran belleza, el tema principal, el tema de amor de Aurora y Garrett y el tema final. 



jueves, 15 de mayo de 2014

Caprichos del Destino (Random Hearts) - DAVE GRUSIN

Considerada como uno de los film menos afortunados de  la carrera de su director, Sidney Pollack, "Random Hearts" no deja de ser otra de sus típicas historias de amor pero con un guión pobre y algo disperso.
Como ya había hecho en alguno de sus grandes films como, "Tal Como Eramos", "Memorias de África" o "Habana", Pollack vuelve a reunir a dos grandes actores como son Harrison Ford y Kristin Scott Thomas pero en esta ocasión falla lo más importante en este tipo de historias, la química entre ellos no llega a producirse y la historia va perdiendo interés a medida que avanza.

El es un policía de asuntos internos, felizmente casado y ella es una importante congresista también casada y madre de una hija adolescente. Tras un accidente aéreo ambos descubran que sus parejas que han fallecido, viajaban juntas en el avión y al parecer mantenían una relación. A partir de ese momento descubrirán la verdadera situación de sus respectivos matrimonios y los acercará en un sentimiento de amor traicionado. De una manera un poco morbosa ese "capricho del destino" hará que ambos descubran el amor de su vida a través de la muerte de otros. Una historia más de dolor que de amor.

Afortunadamente, Pollack contó de nuevo con la colaboración de Dave Grusin en la banda sonora. Con la magnífica interpretación a la trompeta de Terence Blanchard y utilizando el jazz más melódico y los sonidos latinos muy habituales en su música, Grusin crea una bella y cautivadora partitura que en este caso encaja perfectamente con esta historia. Una de esas bandas sonoras que funciona perfectamente incluso sin haber visto la película. 
Confieso que fui uno de los que compró la banda sonora inmediatamente después de haberla visto.


La banda sonora incluye también dos magníficas canciones, por un lado una balada de jazz en la voz de Diana Krall, "The Folks Who Live On The Hill" y otra balada con sonido country, "Good Thing" de Patty Larkin, con arreglo del propio Grusin.

En fin una muy buena música para una película "normalita". En el cine a veces "todo" no es posible.


viernes, 2 de mayo de 2014

Como Agua Para Chocolate - LEO BROUWER

"Como Agua Para Chocolate", una de las mejores películas de la historia del cine mexicano, es el resultado de una serie de factores que bien coordinados aseguran el éxito como efectivamente el que tuvo esta maravillosa película. Por un lado una fiel adaptación a la novela homónima de Laura Esquivel que había sido un  gran éxito de ventas, por otro una excelente producción que contó con un elevado presupuesto, el más costoso del cine mexicano hasta el momento y finalmente fue una película que contó con una inteligentísima comercialización, consiguiendo llegar más allá del mercado latinoamericano, y siendo la primera cinta que abrió las puertas de Hollywood y del cine mundial a la cinematografía mexicana.
El gran artifice del éxito de la película es sin duda Alfonso Arau, su director. Arau supo aprovechar de primera mano la magnífica novela de Laura Esquivel que por aquel entonces era su esposa y aplicar la experiencia acumulada por el trabajo que venía realizando en el cine norteamericano. Los diez premios "Ariel" de la academia de cine mexicano y el grandísimo éxito internacional demuestran que Arau sabía perfectamente lo que hacía.

La historia enmarcada como uno de los mejores ejemplos del denominado "realismo mágico", presenta una historia de amor y gastronomía ubicada en el México fronterizo de principios del siglo veinte en plena época de la revolución mexicana. Tita la menor de tres hermanas debe seguir la tradición familiar de quedarse soltera cuidando a su madre Mama Elena, hasta la muerte de esta, lo que obstaculizará la relación de Tita con Pedro, su amor desde la niñez. Entre los olores y sabores de la cocina tradicional mexicana, Tita sufrirá durante muchos años por un amor que perdurará más allá del tiempo.

Junto a una excelentes interpretaciones, la comida juega un papel principal, con unos momentos maravillosos y mágicos en los que la protagonista a través de los platos que prepara, hace sentir a todos lo que ella siente, amor, deseo, tristeza...  Y nada mejor para expresar esto que una de las frases de la película:

"Cuando Tita sintió sobre sus hombros la ardiente mirada de Pedro, comprendió perfectamente lo que debe sentir la masa de un buñuelo al entrar en contacto con el aceite hirviendo".

Una película totalmente recomendable para los que disfrutan de las bellas historias de amor y de la buena comida.

Y como no, una de las "guindas" de esta película es su bellísima banda sonora, obra del cubano Leo Brouwer, uno de los más grandes compositores y guitarristas de música clásica del siglo XX.
Brouwer nos presenta por una parte unos temas con el sonido del folklore mexicano y por otro una música romántica y melancólica para expresar los sentimientos de la protagonista y que aparecen fundamentalmente en dos temas, el tema de Tita y el tema de amor de Tita y Pedro.
El tema principal de Tita en sus distintas variaciones a lo largo de la película, se convierte en la melodía que define sobre todo la tristeza del personaje ante la imposibilidad de su relación con su gran amor. Una música con una belleza sorprendente totalmente a la altura de una película como esta.


miércoles, 9 de abril de 2014

Música para "lolitas" (III) - El Amante (GABRIEL YARED) / La Flaqueza del Bolchevique (ROQUE BAÑOS)

EL AMANTE - Gabriel Yared

Después de la "Lolita" de Nabokov, quizás la otra gran "lolita" tanto de la literatura como del cine es la protagonista de "El Amante" la novela de Marguerite Duras, que está considerada como un gran clásico de la literatura francesa del siglo XX.

En 1991 Jean-Jacques Annaud lleva al cine esta famosa novela, una historia semi-autobiográfica sobre un amor ilícito en la Indochina francesa de 1929, entre una adolescente francesa y un rico comerciante chino. Al igual que ya había pasado con la adaptación de la "Lolita" de Nabokov, en esta ocasión también se elevó la edad de la protagonista que en la novela tenía 15 años hasta los 18, con el objeto de salvar una situación que podía considerarse escandalosa para una producción de este tipo.

Duras refleja en esta historia la apasionada relación de deseo, amor y odio que surge entre estos dos personajes y que en el caso de ella es de alguna manera un foco de escape de la relación tormentosa con su rara familia y la pobreza en la que viven. Los dos amantes vivirán una apasionada y tormentosa relación a escondidas, dejándose llevar por una fuerte atracción sexual más que amorosa, una experiencia que dejará una marca imborrable en ella. Un despertar a la madurez que llegó demasiado pronto y que como queda plasmado perfectamente en una de las primeras frases del libro: "Muy pronto en mi vida fue demasiado tarde.... A los 18 años envejecí".



La película cuenta con una vistosa recreación del Vietnan colonial y una estupenda fotografía, además de con un buen número de escenas eróticas, bastante bien resueltas, ajustadas y suavizadas, y en donde el relato intimista de Duras se reduce a la "voz en off" de Jeanne Moureau.
Jane March en su debut cinematográfico, cumple en su papel de "lolita" metida en una relación envenenada e imposible y Tony Leung en su primer proyecto internacional está muy correcto como el adulto con un frágil corazón que sufre amando a esa niña-mujer.


Pero sobre todo en lo que destaca esta película es en la maravillosa música compuesta por Gabriel Yared. Con esta banda sonora el nombre de Yared empezó a sonar en el mercado internacional, y nos dejó un tema principal de los más bellos escritos por el compositor, una música de una exquisita sensibilidad de los que se quedan grabados en la memoria y que marcan tanto a una película como a su compositor.
La banda sonora mezcla música de ambientación exótica con sonidos orientales y música de época (foxtrot, tango, habanera...) que aparece en muchas escenas de baile de salón. El tema principal que se repite en múltiples variaciones utiliza fundamentalmente tres instrumentos, el sintetizador, el clarinete  y el piano, instrumentos que definen perfectamente el exotismo, la inocencia y el erotismo que destila esta historia, que su autora confesó que fue real.




LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE - Roque Baños

Para completar esta recopilación de música para "lolitas", quiero comentar la historia de una "lolita" nacional y la música de uno de los mejores compositores españoles de música para el cine, Roque Baños.

Basada en el libro del mismo título de Lorenzo Silva, "La Flaqueza del Bolchevique" es llevada a la pantalla por Manuel Martín Cuenca en el año 2003 . Una película sencilla que recrea de nuevo el mito de "lolita", la relación entre un hombre adulto y una adolescente, aunque en este caso la historia deja a un lado el aspecto pasional para centrarse más en un amor profundo.
Pablo es un tipo normal de treinta y tantos con un trabajo normal que se encuentra amargado, cansado y harto de todo. Un accidente de tráfico con una pija insufrible y el enfrentamiento y el lío con la policía y el seguro, le hará empezar a putearla para salir un poco del tedio en el que se encuentra. Pero un día conocerá a María, la hermana adolescente de la pija y su existencia volverá a tener sentido y su vida cambiará para siempre.

Si la interpretación de Luis Tosar como Pablo es fantástica, como suele ser habitual en este actor, la gran revelación de la película es María Valverde la protagonista, que se convierte en la "lolita" de Nabokov hablando español y viviendo en el centro de Madrid. Su interpretación le valió el Goya a la mejor actriz revelación del año y el descubrimiento de un rostro fascinante para el cine.

La banda sonora de Roque Baños es fantástica, una música de aire melancólico y otoñal en la que se utilizan solo cuatro instrumentos, destacando el chelo y el piano. Roque Baños compone una de esas obras que se ajusta perfectamente a la dulzura y naturalidad de esta historia de amor. 

sábado, 29 de marzo de 2014

Música para "lolitas" (II) - Taxi Driver (BERNARD HERRMANN) / American Beauty (THOMAS NEWMAN)

Aunque en dos papeles secundarios, las dos "lolitas" de los filmes que quiero comentar hoy, son parte del eje principal de las historias que se cuentan en estas dos grandísimas películas.

TAXI DRIVER - Bernard Herrmann

"Taxi Driver" se puede considerar como una de las grandes películas de culto de la historia del cine. Una película hecha en estado de gracia, donde confluyen una gran historia plasmada en un brillante guión obra de Paul Schrader, inmejorablemente dirigida por un Martin Scorsese que ya apuntaba maneras, con un reparto de lujo y una música maravillosa. Una de esas películas que se puede considerar "completa", que obtuvo la Palma de Oro en Cannes y cuatro nominaciones a los Oscar, y que de alguna manera marco el origen del thriller moderno. Una obra imprescindible.

En esta ocasión el papel de "lolita" interpretado por una jovencísima Jodie Foster, en el papel de Iris, una prostituta de trece años, que forjará una estrecha relación con Travis (Robert De Niro), un excombatiente de Vietnan mentalmente inestable que pretende protegerla y sacarla de ese sórdido mundo en el que vive, será uno de los motivos que hará encender la mecha de la desatada locura y la espiral de violencia en la que se verá envuelto este personaje. Dos seres totalmente complementarios, uno que necesita a alguien a quien salvar y el otro necesitado de alguien que le salve.

Bernard Herrmann compuso para esta película su última banda sonora y una de sus grandes obras. Taxi Driver supuso la mejor manera de despedirse, dando un giro importante en su manera de hacer música, apartándose de su estilo sinfónico habitual y utilizando el sonido de jazz para ambientar el escenario urbano en el que transcurre esta historia. Una música que refleja perfectamente la dualidad del personaje, por una parte un tema jazzístico suave con el saxo, que contrasta en otros momentos con un sonido más duro y áspero, todo acorde a los momentos emocionales y psicológicos por los que pasa este insomne y solitario "taxista nocturno"



AMERICAN BEAUTY - Thomas Newman

En 1999, "American Beauty" opera prima de Sam Mendes, se convirtió en una de las grandes sorpresas del año. Una película ante la que se rindieron tanto la crítica como el público y que consiguió acaparar un buen número de premios internacionales, incluyendo 5 Oscar, 6 BAFTA y 3 Globos de Oro.

Aunque pueda parecer una crítica mordaz, corrosiva y demoledora sobre la clase media americana, la historia va mucho más allá y todos esos trapos sucios que airea son perfectamente extensibles a cualquier otra sociedad, más allá de las fronteras norteamericanas.

En esta ocasión la "lolita" es una joven y descarada estudiante que aparece en la vida de Lester (Kevin Spacey), un  cuarentón en crisis cansado de la vida que lleva, con una mujer que no le entiende (Annette Bening) y una hija adolescente (Thora Birch) apática con la que casi no habla. Ante esta amarga situación, Lester recobra la ilusión cuando conoce a Angela (Mena Suvari), la mejor amiga y compañera de colegio de su hija, a la que intentará impresionar a toda costa. Esta obsesión, que indigna cada vez más a su hija, se verá correspondida por esta aprendiz de "lolita" que se siente atraída por el morbo que le produce el trato encantador de Lester. 
La imagen de la fantasía de Lester con esa lluvia de pétalos de rosa cayendo sobre el cuerpo desnudo de Angela, se ha convertido ya en una de los más famosos iconos cinematográficos asociado a esta película.

Una obra maestra del cine y una de esas películas que hace reflexionar sobre la manera de afrontar la vida.

La banda sonora de Thomas Newman, es una obra de carácter minimalista que a pesar de su simplicidad encaja y subraya perfectamente los estados de ánimo y las emociones de los personajes. Newman utiliza con gran maestría junto al piano, su instrumento favorito, otros instrumentos poco habituales como principales, como el xilófono consiguiendo momentos de gran sutileza y una elegante belleza.

Como es habitual en este tipo de producciones, junto a la banda sonora original, se utilizan un buen número de canciones, entre las que me gustaría destacar la versión que hace Elliott Smith del tema "Because" de los Beatles, que está perfectamente en la onda de la música original de Newman para la película.

domingo, 16 de marzo de 2014

Música para "Lolitas" (I) - Lolita (NELSON RIDDLE) / Lolita (ENNIO MORRICONE) / Jeune & Jolie (PHILIPPE ROMBI)

El estreno estos días de "Jeune & Jolie" la última película de François Ozon, uno de los últimos enfant terrible del cine francés, me da pie para revisar algunos ejemplos de bandas sonoras para películas protagonizadas por lo que en términos comunes se denominan "lolitas".

LOLITA - Nelson Riddle

El término como tal aparece por primera vez en la novela de 1955, "Lolita" de Vladimir Nabokov asociado a la joven Dolores Haze, apodada "Lolita", como ese objeto del deseo que el protagonista Humbert Humbert tiene en su hijastra de 12 años, hija de su esposa Charlotte. Una atracción irrefrenable incrementada por el "inocente" juego de seducción que Lolita ejerce sobre Humbert.
La novela enseguida encontró adaptación cinematográfica en las manos de unos de los directores más atrevidos y controvertidos de la historia del cine, Stanley Kubrick. En 1962 Kubrick rueda una excelente adaptación de la novela de Nabokov, que contó con guión del propio escritor. El inmenso talento del director a la hora de afrontar una delicada historia como esta, consiguió acallar las críticas y la polémica surgida tras el estreno del film y nos ha dejado una de las mejores películas sobre la perversa obsesión de la naturaleza humana. 
Las magníficas interpretaciones de sus dos protagonistas principales, James Mason en el papel de Humbert y de Sue Lyon como Lolita contribuyeron en buena medida al éxito de la película. La propia Sue Lyon descubierta por Kubrick con tan solo 15 años, fue la gran revelación de la película y se convirtió en todo un icono del cine, la "lolita"

La banda sonora es obra de Nelson Riddle un prestigioso director de orquesta, conocido sobre todo como autor de los arreglos jazzísticos para big-band de cantantes de los años 50 y 60, como Fran Sinatra, Dean Martin, Nat King Cole o Judy Garland.
La música para la película, con temas orquestales totalmente incidentales destaca sobre todo por el tema asociado a la protagonista "Lolita Ya Ya", un pegadizo ritmo con acompañamiento vocal que refleja la frivolidad de esa jovencita que encarna a la perfección la dualidad inocencia-perversión, tan bien descrita en la obra de Nabokov. 



LOLITA - Ennio Morricone

En 1997, Adrian Lyne director que, también se ha caracterizado por tratar temas polémicos en su cine, rodó una nueva versión de "Lolita". Su adaptación, muy alejada de la maestría de Kubrick resulta totalmente oportunista y defrauda totalmente con ese intento de atraer al espectador con falsa provocaciones. Y es que Lyne se enfrentó a nada menos que a una gran novela que ya contaba con una grandísima adaptación al cine prácticamente inmejorable.
Lo único destacable de esta producción es la maravillosa banda sonora de Ennio Morricone, una música llena de lirismo y sensualidad, que funciona perfectamente junto a las imágenes de tensión erótica que Lyne rueda a cámara lenta. Pero Morricone también aporta con su gran maestría el grado de romanticismo musical para una historia de amor, desamor, decepción, soledad y miedo que es la Lolita de Nabokov.


JEUNE & JOLIE - Philippe Rombi


El último estreno de François Ozon, el tambien polémico realizador francés nos trae de nuevo una actualización de la "lolita" en el cine. En esta ocasión la historia nos muestra a una joven de 17 años de una acomodada familia y de buena posición que en su descubrimiento de la sexualidad se convierte en estudiante de día y en prostituta de lujo de noche. Más que explotar la parte morbosa de esta historia centrada en el sexo, Ozon nos presenta el cambio que se produce en una joven adolescente que descubre el poder asociado al sexo cuando se es "joven y bonita".
Ozon vuelve a contar con la colaboración de Philippe Rombi, un músico que se ha convertido en la gran revelación de la música cinematográfica europea. Y aunque la banda sonora de Rombi para la película es escasa, el tema principal es una melodía bellísima del estilo a la música de Morricone para Lolita. 
Rombi también refleja en su música el amor, las dudas y la desilusión de una "lolita" actual en busca de su propia identidad.

jueves, 27 de febrero de 2014

Dos En La Carretera - HENRY MANCINI

"Dos en la Carretera" es una de esas películas que tanto a nivel cinematográfico, como a nivel musical tiene lo que se puede definir en mayúsculas como "ENCANTO".

Y es que volviendo a ver hoy día una película como esta tras casi medio siglo desde su estreno, todavía rebosa una clase, un encanto y una elegancia que renueva a cualquiera la pasión por el cine.
Dirigida por Stanley Donen, "Dos en la Carretera" forma parte de una serie de comedias románticas que rodó en la década de los 60, tras su exitoso paso por el cine musical en el que había cosechado un gran éxito con verdaderos clásicos como "Cantando bajo la lluvia", "Un día en Nueva York" o "Siete novias para siete hermanos". El talento que Donen había demostrado en la puesta en escena de los maravillosos números musicales de esas grandes películas, lo trasladó hacia unas historias con unos guiones magníficos y una espléndida dirección de actores.

Rodada como una mezcla de comedia romántica y road movie, "Dos en la Carretera" narra la historia de una pareja tras doce años de relación, centrada en los viajes que por diferentes motivos Mark (Albert Finney) y Joanna (Audrey Hepburn) realizan por el mismo sitio, el sur de Francia. Allí se conocieron, volverán para una tardía luna de miel dos años después, en el tercer viaje conocerán a alguien que les hará ascender socialmente, volverán ya con una hija en un cuarto viaje como una pareja más acomodada con una relación en la que surgen las desavenencias y las infidelidades y en su ultimo viaje como un matrimonio que afronta con resignación su vida en común pero que no pueden vivir el uno sin el otro.

La interpretación de ambos protagonistas es magnífica, sobre todo la encantadora Audrey Hepburn que refleja de manera impecable la evolución de su personaje desde una ilusionada y alegre joven, hasta la amargada y desatendida mujer en que se convierte.
El original guión con un planteamiento narrativo basado en constantes flash-back que se superponen, es otra de las grandes bazas de esta película que le valió una nominación al Oscar; aunque su mayor reconocimiento internacional lo tuvo con la Concha e Oro del Festival de San Sebastián.

Una historia que es un completo análisis sobre las relaciones de pareja, que resulta tan cruda como divertida y que invita sobre todo a reflexionar. 
Una película inolvidable que se puede considerar todo un clásico del cine.

Y si hablamos de encanto y elegancia, la banda sonora que Henry Mancini compuso para esta película cumple a la perfección con esta calificación. Una música melódica que según parece siempre fue la banda sonora preferida de Mancini, y que refleja perfectamente tanto la comedia como el drama y lo dulce y lo amargo de la relación de los protagonistas. Con su habitual maestría, Mancini consigue dulcificar con su música los momentos más dolorosos y nos deja una de sus mejores trabajos.

Una música exquisita igualmente inolvidable.


Esta maravillosa melodía se ha convertido en un standard con infinidad de versiones, de entre las que me gustan especialmente la que Dave Grusin también compositor cinematográfico hizo de este tema en su faceta de pianista de jazz en un álbum dedicado a la música de Mancini  y la versión también jazzística del guitarrista Pat Metheny.


domingo, 9 de febrero de 2014

El Tiempo Entre Costuras - CESAR BENITO

Tras el enorme éxito de la novela publicada en el 2009 y con más de tres millones de ejemplares vendidos hasta hoy, trasladar a la pantalla "El Tiempo Entre Costuras" (María Dueñas) era algo que estaba cantado.
La densidad de historias y situaciones que aparecen en la novela, la hacían perfecta para una adaptación televisiva, que ha llevado a cabo Antena 3 en una miniserie de once capítulos. Al igual que el libro la serie ha tenido un gran éxito, convirtiéndose en uno de los mejores estrenos de una serie de televisión de los últimos años con más de cinco millones de espectadores. Todo un fenómeno social que ha puesto de moda tanto la costura, como los lugares en los que transcurre la historia, sobre todo las ciudades del protectorado español en el Marruecos de los años 30 y Sira Quiroga, ha pasado ya a convertirse en una de esas grandes heroínas de la literatura y de la pequeña pantalla.


Sira, una joven costurera de origen humilde se verá envuelta sobre todo por amor, en una serie de aventuras y desventuras con el trasfondo de la guerra civil española y los años posteriores. Tras varios avatares del destino pasará a convertirse en una sofisticada modista de alta costura que por sus contactos con las esposas de altos mandatarios alemanes y del régimen franquista actuará como espía para los aliados, teniendo un destacado papel en la resolución de algunos acontecimientos históricos que tuvieron lugar en España en aquellos años previos a la Segunda Guerra Mundial.    

La adaptación televisiva con un gran despliegue de medios, rodada en escenarios naturales y con una ambientación más que correcta sobresale sobre todo por la interpretación de su protagonista, Adriana Ugarte una joven actriz con una prometedora carrera que ya ha quedado ligada a un personaje tan apasionante como es la Sara Quiroga de este "El Tiempo Entre Costuras".

Otra de las grandes sorpresas de la serie es la magnífica banda sonora, obra de Cesar Benito, un joven compositor con un brillante curriculum, que ha forjado su carrera en la música para series de TV de gran éxito en los últimos años. 
Cesar Benito ha creado una música elegante y sofisticada, de una gran belleza, donde se combinan temas de corte romántico y melodías con cierto aire de música árabe para dar ambientación al Marruecos en el que transcurre parte de la acción.
El tema principal (Tema de Sira) dedicado a la protagonista es una composición muy minimalista al piano que se convierte en la columna vertebral temática de esta banda sonora y que es solo una pequeña muestra de una grandísima banda sonora.
Y como muestra estos tres cortes, el tema principal "Tema de Sira", "Madrid 1922" el otro gran tema de la banda sonora que nos ambienta en la época que comienza la historia y que se repite con variaciones en otros cortes como en el tema "L´Atelier", una bellísima versión al piano de esa melodía.

Una música exquisita que demuestra el gran nivel de la música actual para el cine español.



lunes, 27 de enero de 2014

Fuga Sin Fin (The Last Run) - JERRY GOLDSMITH

Fuga Sin Fin (1971), es una de esas películas menores de entre la gran cantidad de thrillers de acción que se rodaron en la década de los 70, que sobresale por dos cosas, la magnífica interpretación de su protagonista, un George C. Scott en uno de los mejores momentos de su carrera y la magnífica banda sonora de Jerry Goldsmith, también en uno de sus mejores periodos creativos.

La película es un thriller algo fallido pero que en términos generales resulta bastante entretenido. Un proyecto personal del propio George C. Scott, que llegó a las manos de Richar Fleischer, después del poco entendimiento de Scott con John Huston el director previsto en un primer momento.

Tras varios años retirado, Harry Garmes (George C. Scott), un ganster americano afincado en Portugal, recibe un último encargo, trasladar a un delincuente fugado de prisión Paul Ricard (Tony Musante) y a su novia Claudine (Thris Van Devere) desde España a Francia. En su camino deberán sortear varios imprevistos que no entraban en los planes de ninguno de ellos, la persecución de una peligrosa banda criminal intentando pasar desapercibidos ante los ojos de los cuerpos policiales españoles y franceses y el enfrentamiento de dos fuertes personalidades, la de Harry un hombre que mantiene un clásico código de honor y Paul un tipo detestable, prepotente e inmaduro con una total falta de sentimientos. 
A bordo de su BMW plateado, Harry y su pareja acompañante realizan una particular road movie por tierras españolas (escenarios reales de Málga y Nerja donde transcurre toda la acción), con un buen número de persecuciones automovilísticas muy bien rodadas.
   
Una película que en su planteamiento  podríamos considerar antecesora de títulos actuales como los de la saga "Transporter" o la excelente "Drive", donde la personalidad del protagonista está íntimamente ligada al rugido del motor de los vehículos que utilizan como parte de su forma de vida.

Jerry Goldsmith crea por una parte una partitura trepidante y rítmica y por otra también melancólica y lírica. El tema principal con el uso del punteo del clavicordio y la guitarra muy al estilo de la música de los años 70 usada en muchas películas de la mafia, es puro sonido Goldsmith y un claro ejemplo de esas melodías simples y repetitivas que se enganchan en la cabeza y que quedan ligadas a un personaje y a una película. Una de las grandezas de la música para el cine. 



Como también es habitual en aquellos años, la banda sonora contiene una canción con la música del tema principal interpretada por Steve Lawrence, un croner de la época, que contribuyó a popularizar la magnífica melodía de Goldsmith.