viernes, 24 de mayo de 2019

Le Week-End - JEREMY SAMS

"Le Week-End" es una película británica del año 2013 dirigida por Roger Mitchell, realizador de uno de los clásicos de la comedia romántica inglesa como fue "Notting Hill".
En esta ocasión y aunque sin perder un cierto tono de comedia nos presenta la historia de un matrimonio maduro, dos profesores con su vida ya resuelta, pero ahogados por una rutina asfixiante y un trabajo que ya no les estimula, que vuelven a Paris treinta años después para rememorar su viaje de luna de miel.

París, un matrimonio, el amor, todo parece desembocar en otra historia romántica en la ciudad de la luz, pero nada más lejos de la realidad. Mas que una celebración, el viaje se convierte en una última ocasión para revitalizar un matrimonio estancado por el paso de los años, tratando de recordar porqué se enamoraron.

Después de tantos años, ya nada parece igual, y ahora ya no lo ven con los ojos de entonces, y aunque dispuestos a disfrutar de todo lo que ofrece una ciudad tan maravillosa como es París, empiezan a aparecer estallidos, a veces cómicos, a veces tiernos, a veces dolorosos que surgen de las tensiones que arrastra su matrimonio.
Los obstáculos que se van encontrando les hacen darse cuenta que su relación está más deteriorada de lo que imaginan descubriendo el lado oculto de toda relación sentimental.


"Le Week-End" se acerca a una serie de películas como la deliciosa "Dos en la carretera" de Stanley Donen o la trilogía de amaneceres y anocheceres de Linklater, donde se trata como el paso del tiempo va erosionando el amor y las relaciones de pareja.

Estamos por tanto ante una comedia sencilla, elegante y nostálgica sobre el amor maduro, con un magnífico guion y sostenida en gran medida en la pareja protagonista, que irradian una química especial interpretando a dos personajes opuestos pero que irremediablemente se atraen. 
Buenísima la escena final donde rememoran el baile del Madison en un homenaje a la famosa escena de "Bande À Part" la mítica película de Jean-Luc Godard.

En una sociedad actual donde cuando pierdes la juventud parece que lo has perdido todo,  es de agradecer que surjan películas como esta, que demuestran que "siempre nos quedará París".

La banda sonora de "Le Week-End" es obra de Jeremy Sams un compositor inglés, habitual colaborador del director Roger Mitchell. Un músico muy polifacético que es además escritor y director de teatro. 

Con un sonido muy jazzístico la partitura es muy sutil y captura perfectamente la relación de los personajes protagonistas y el ambiente de la ciudad.

Una música muy agradable, sin altibajos y con cierto aire minimalista como se puede comprobar en el tema de los títulos de crédito y como no el tema del Madison.


martes, 12 de marzo de 2019

La Música de John Morris (IV) - EL JUEGO DE LA SOSPECHA (CLUEDO)

Para terminar (por ahora) con la música de John Morris, he elegido una de sus composiciones fuera de la relación cinematográfico-musical con Mel Brooks.


"El Juego de la Sospecha" es un film del año 1985 que adapta a la gran pantalla el célebre juego de misterio "Cluedo".

Dirigida por Jonathan Lynn y coescrita con el famoso director y guionista John Landis, esta película es una de esas producciones curiosas, ya que a partir de una idea original de Landis, se rodaron tres posible finales que se mostraban aleatoriamente durante su proyección en las salas de cine. Una idea atrevida y original que pretendía trasladar el espíritu del juego de mesa.

La historia nos traslada a una mansión victoriana donde se reúnen varios personajes pintorescos para cenar ante la misteriosa invitación de un desconocido anfitrión. Todos ellos ocultan algún secreto  por el que han sido chantajeados durante años. En un momento dado se produce un apagón y la casa queda a oscuras. Al restablecerse la luz el chantajista aparece asesinado en el salón. A partir de ese momento deberán averiguar quien es el asesino, teniendo en cuenta que todos ellos tenían buenas razones para cometer el crimen.


La película es una original y simpática comedia de misterio que homenajea claramente las novelas de intriga de Agatha Christie.

Aun partiendo de unas buena premisas el resultado es desigual, la cinta no tuvo mucho éxito de taquilla y las críticas no fueron muy positivas, pero con el tiempo se ha convertido en una película de culto que destaca por un buen elenco, buenos gags y un ritmo frenético. Hasta tal punto que en los últimos años han sido recurrentes las noticias que hablan de un posible remake.


Entre sus puntos destacables no cabe duda que está la banda sonora compuesta por John Morris. Fiel al espíritu de la historia, Morris nos deja una música de intriga tan trepidante como la propia película, con un maravilloso tema principal. 
Una obra que no debería pasar desapercibida ya que esconde como casi toda la obra de John Morris una música excepcional. 
Y como muestra estos dos temas:



  

sábado, 2 de marzo de 2019

La Música de John Morris (III) - SPACEBALLS, LA LOCA HISTORIA DE LAS GALAXIAS

A pesar de su escasa producción cinematográfica, casi siempre ligada al cine de Mel Brooks, John Morris aportó su maestría musical a una gran variedad de géneros cinematográficos. En el caso de Mel Brooks, aunque siempre en tono de comedia, su cine abarcó los géneros clásicos. El cine de terror en "El Jovencito Frankestein", el cine histórico en "La Loca Historia del Mundo", el western en "Sillas de Montar Calientes" o la ciencia-ficción en "Spaceballs, La Loca Historia de la Galaxias", y en todas estas ocasiones el compositor creo el universo sonoro adecuado con indudable solvencia.

"Spaceballs, La Loca Historia de las Galaxias" dirigida y coprotagonizada por Mel Brooks, es una disparatada parodia de la saga "Star Wars" rodada en 1986 aprovechando el tirón de la franquicia de George Lucas. A pesar de ser una insulsa comedia basada en las mil y una payasadas sobre los personajes originales de Star Wars y otros guiños a otras películas como Star Trek, Alien o el Planeta de los Simios, la cinta tuvo un gran éxito popular en su momento y cierto es que no pretende engañar a nadie. Lo que demuestra que a veces el humos absurdo también es un arte.

Aunque si hubiera que salvar algo de esta película, sin duda sería la banda sonora de John Morris que en este caso no usa la parodia sino que busca realizar un homenaje a la música que otros colegas realizaron para el cine galáctico, manteniendo una coherencia temática con un sonido plenamente sinfónico y vibrante. En términos generales una partitura con cierta clase orquestal y perfectamente integrada en el film.

De este modo Morris compone un estupendo tema principal en la forma de una grandilocuente marcha con cierto parecido a la famosa sintonía de John Williams. Del tema lo único que sobraría, desde mi punto de vista, son los efectos sonoros del láser, incluidos seguramente para remarcar el aire de socarronería y comicidad de la película.


Uno de los momentos donde el autor consigue brillar todavía más es con el hermoso "Love Theme", una melodía con la elegancia del sonido del Hollywood clásico que aporta un cariz más distinguido a esta interesante banda sonora.





miércoles, 23 de enero de 2019

La Música de John Morris (II) - THE TWELVE CHAIRS (EL MISTERIO DE LAS DOCE SILLAS)

John Morris trabajó con Mel Brooks en prácticamente todas sus películas, aportando una excelente música al disparatado universo cinematográfico del director. De esa manera las alocadas comedias de Brooks brillan en su apartado musical de una manera especial.


En 1970 Brooks dirige "The Twelve Chairs" (El Misterio de las Doce Sillas), una de las muchas adaptaciones al cine que ha tenido la novela "Las Doce Sillas" de los escritores rusos Ilf y Petrov. La historia ambientada tras la revolución rusa cuenta la desesperada búsqueda de unas sillas que contienen un valioso tesoro escondido por una anciana aristócrata tras la revolución bolchevique. Varios personajes que conocerán este secreto se enfrentarán en una loca carrera por encontrar las doce sillas repartidas por toda Rusia.


Detrás del extravagante humor sin sutilezas tan típico de Brooks la película quiere ser una sátira contra el comunismo, disfrazando debajo de las risas una crítica social a la codicia humana.

No es ni mucho menos una de las mejoras obras de Brooks, pero puede resultar entretenida para los amantes de las comedias grotescas con un punto de ironía, que algunos consideran una fuente de inspiración a otras obras más inspiradas como "La última noche de Boris Grushenco" de Woody Allen.


John Morris compone una excelente partitura, utilizando lógicamente la música tradicional rusa. La banda sonora gira alrededor de una canción "Hope for the Best", compuesta por Brooks a las que el compositor añadió unos brillantes arreglos. La música está cargada de los tradicionales sonidos eslavos donde aparecen instrumentos tradicionales rusos como la citara y el organillo.


Una buena mezcla de temas más movidos con melodías más nostáLgicas y por supuesto la maravillosa canción con las voces de un coro típico ruso.


Y estos tres temas son una buena muestra de esta magnífica banda sonora:

La canción del tema principal "Hope for the Best"



El tema melódico "Vorobyaninov's Theme"


Y el tema final instrumental de la canción "Hope for the Best"

viernes, 14 de diciembre de 2018

La Música de John Morris (I) - YOUNG FRANKENSTEIN

A principios de este año 2018, falleció John Morris, un veterano compositor de cine que formó con Mel Brooks una de esas grandes parejas cinematográficas que se dan entre director y compositor. Morris compuso buena parte de las bandas sonoras de las películas de Mel Brooks y como el propio Brooks dijo tras la muerte del compositor que "fue mi brazo derecho emocionalmente. La música te dice que sentir y el sabía lo que quería que sintieras. El lo compuso y lo hizo posible".

Morris es sobre todo conocido por la que es una obra maestra del cine y de la banda sonora "El hombre elefante" la película de David Lynch, producida también por Mel Brooks, de la que ya hablé en una entrada anterior de este blog - El Hombre Elefante. Pero además no se debería pasar por alto algunas magníficas bandas sonoras que han pasado más desapercibidas.


Una de ellas es la obra maestra como director de Mel Brooks, y una de las mejores comedias de la historia del cine, "El Jovencito Frankenstein".

La película es una parodia del cine de terror clásico, adaptando uno de los grandes éxitos de la Universal de los años 30, "Frankenstein" de Mary Shelley. Para reflejar más eficazmente la atmósfera de aquellas viejas películas, Brooks rodó la película en blanco y negro, consiguiendo esa atmósfera tan particular del cine de aquella época.
Protagonizada por Gene Wilder (que también colaboró en el guión) en el papel del Doctor Frankenstein, Teri Garr como Ilda la atractiva auxiliar del doctor y el extraordinario Marty Feldman en el papel de Igor el hilarante y desastroso ayudante del doctor, la película sigue la misma historia del original intercalando buenísimos gags cómicos y convirtiéndola en una delirante parodia del clásico.
Aspectos como, el contenido histrionismo de un magnífico Gene Wilder, una Teri Garr que nunca estuvo tan favorecida, el divertido homenaje a Groucho Marx del personaje de Igor que funciona a la perfección y la magnífica dirección artística, decorados, vestuario y peluquería, hacen de esta película una verdadera joya. 
Todo un ejemplo del buen cine de comedia por el que no pasan los años y todo un referente para cualquiera. Sin duda una película de visión obligada para los amantes del buen cine.

Al igual que la película, la banda sonora de John Morris homenajea al antiguo cine de terror, consiguiendo una partitura con grandes temas como el corte principal "Young Franskenstein", leitmotif del film, una composición lírica y pegadiza de gran calidad o el tema "Transylvanian Lullaby" una pieza exquisita y delicada interpretada con el piano y el violín como protagonistas, que se ha convertido en todo un clásico.






domingo, 18 de noviembre de 2018

Lady Halcón - ANDREW POWELL

"Lady Halcón" es una clara muestra del buen cine de aventuras que se rodó en los años 80. Una buena historia, un buen reparto, un buen realizador y todo ello adornado de una excelente fotografía y una música perfecta. ¡Que más se puede pedir!. En su conjunto una obra que no tiene nada que envidiar a otras grandes producciones de este tipo de cine que se hacían entonces y también de las que se hacen hoy día.

Su director, Richard Donner, era en ese momento un buen profesional curtido en la televisión, que nos regalaría sus años dorados en esa década con películas como "Superman", "Los Goonies" o "Arma letal" y que lo encumbraron junto a Spielberg, Lucas o Zemeckis a lo más alto del podio del cine de aventuras ochentero. Donner consiguió uno de sus mejores títulos con este hermoso cuento lleno de fantasía hecho de una forma muy imaginativa y evocadora.

La película situada en la Edad Media, relata la historia de un amor trágico entre el capitán Etienne Navarre (Rutger Hauer) y la bella Isabeau Anjou (Michelle Pfeifer) que no pueden estar juntos debido a un terrible hechizo realizado por el Obispo de Aquila, como venganza por una traición: ella se convierte en halcón por el día y el será un lobo por la noche. Eternamente unidos y separados a la vez, encontrarán un aliado en un joven ladronzuelo llamado Phillipe (Matthew Broderick) que hará todo lo posible para encontrar una manera de conjurar la maldición del obispo.

Su protagonista, el actor holandés Rutger Hauer añadía una de sus interpretaciones más populares junto a la de "Blade Runner" que le abrieron la puerta del cine norteamericano y la joven Michelle Pfeifer afianzaba una prometedora y fulgurante carrera. 

La sugestiva fotografía fue obra de todo un mito y uno de los grandes de este oficio, Vittorio Storaro que saco buen partido de los exteriores en unas localizaciones fantásticas en Italia.


Lady Halcón, está considerado como uno de los clásicos del género fantástico y fue sin duda una gran revelación entre los amantes del cine de espada y aventuras, que resulta muy agradable de volver a ver en cualquier época.


Otro de los complementos importantes de esta película es también su banda sonora. Cuando Richard Donner se encontraba viajando por Europa buscando exteriores y localizaciones para la película, su ayudante ponía música del grupo The Alan Parson Poject a la que era muy aficionado, y enseguida se dio cuenta que ese tipo de música era el que quería para la producción.

Y así la banda sonora fue compuesta por Andrew Powell el director de orquesta y compositor de la parte orquestal de muchos de los temas de Alan Parson, y en la que intervinieron gran parte de la banda y Parson se dedicó a las tareas de ingeniero de sonido y a la producción. 
Muchos consideran que aunque es una banda sonora sinfónica, quizás ese sonido pop cañero, con demasiado sintetizador no era el adecuado, pero creo que en conjunto resulta peculiar y diferente y siempre me ha resultado muy agradable.

La música cuenta con el inconfundible sonido de Alan Parson, donde destaca el tema principal con una base rítmica poderosa a la que se le van añadiendo diferentes arreglos, dando lugar a una de esas melodías pegadizas inconfundibles. En el resto de la partitura seguimos encontrando pinceladas estilo Parson, aunque la parte orquestal gana peso en muchos de los temas descriptivos y encaja muy bien con las imágenes en cada una de las escenas, reflejando los sentimientos de los personajes o describiendo el ambiente en el que transcurre la historia.


viernes, 14 de septiembre de 2018

Máximo Riesgo - TREVOR JONES

He de reconocer que "Máximo Riesgo" (Cliffhanger, 1993) es una de esas películas que sin ser lo que se consideraría una gran película, tiene ese algo especial que la ha convertido en una de mis películas de acción-aventuras preferidas de entre el cine de este tipo que se rodó en los años 90. Una cinta entretenida, bien realizada, técnicamente perfecta atendiendo a la época en que se rodó y sobre todo con una banda sonora excelente que me cautivó desde el primer momento.

La película hecha a medida para un Sylvester Stallone que en esa época se encontraba en su gran momento, es obra de un gran artesano del cine de acción como es Renny Harlin, director finlandés afincado en Hollywwod, autor de otras buenas películas de este género como "La Jungla 2", "La Isla de la Cabezas Cortadas", "Memoria Letal" o "Deep Blue Sea".


Stallone interpreta a un experimentado alpinista de un equipo de salvamento que tras sufrir la pérdida de una amiga durante un rescate sufre una depresión tan profunda que decide retirarse. Tras su vuelta al lugar del accidente se verá envuelto en el robo millonario de un avión del Departamento del Tesoro de los Estados Unidos que sufrirá un accidente cuando sobrevuela esas montañas. La banda que realizó el robo, le obligará a realizar la misión más peligrosa para recuperar el dinero entre los peligrosos parajes de la montaña y con ello conseguirá la redención que necesita.

Rodada en los Alpes italianos convertidos para la ocasión en las Montañas Rocosas, la película no deja lugar a dudas sobre su título en español, una historia de "máximo riesgo". Una película donde brillan además de la pétrea pero siempre efectiva interpretación de su protagonista principal, unas panorámicas vertiginosas de la montaña, unas espectaculares escenas de acción que se van sucediendo sin descanso y un malo malísimo en la piel de un John Lithgow que encarna a la perfección a ese psicopata sin sentimientos con un punto cómico.

Una película cargada de épica, acción, aventuras, tensión y humor, que mantiene al espectador en su butaca casi sin pestañear hasta su conclusión final y para los amantes de la música hasta el final de los títulos de crédito, escuchando una banda sonora tan espectacular como la propia película.

Obra de Trevor Jones, la música para esta película es una de sus grandes composiciones y una obra que forma parte de la que quizás sea la etapa más interesante de su carrera. Una partitura que describe la grandeza y espectacularidad de los paisajes donde transcurre la acción. 

El tema principal es un tema épico y heroico que describe al personaje y que ilustra las bellísimas tomas aéreas de las montañas, que resulta tremendamente efectivo. 


El resto del score lo componen una gran variedad de magníficos temas de acción trepidantes, que desembocan en un gran tema final espectacular ("End Credits") y que es el colofón perfecto a la película y a esta gran banda sonora.




Un trabajo que rebosa talento y profesionalidad en cada nota y que es tan solo una pequeña-gran muestra de la obra de este gran compositor que es Trevor Jones.

domingo, 29 de abril de 2018

Música Romántica para Películas Muy Románticas (III) - Antes de Ti (CRAIG ARMSTRONG)

Aunque "Antes de Tí" no deja de ser una de esas previsibles historia de amor, también es cierto que tiene la virtud de contar con un par de aspectos interesantes.
Por un lado tenemos la muy aceptable interpretación de la protagonista, Emilia Clarke la famosa khalessi de Juego de Tronos en un registro tan diferente como sorprendente, y por otro tenemos el trabajo del siempre interesante Craig Armstrong en la banda sonora.

La historia nos presenta a Louisa (Emilia Clarke) una entusiasta, ingenua y alegre joven de pueblo que busca urgentemente un trabajo para poder ayudar a su familia. Su jovialidad se verá puesta a prueba cuando encuentra trabajo en el castillo local, contratada para cuidar a Will (Sam Clafin) un joven y rico banquero que ha quedado parapléjico en un accidente de tráfico. La cómoda y maravillosa vida de Will se ha visto truncada, perdiendo a su novia, su trabajo, su felicidad y sobre todo sus ganas de vivir. Y como no, el optimismo y la dulzura de Louisa cambiará por completo la forma en la que Will afrontará esta difícil situación.


Con una muy buena ambientación, rodada en Reino Unido en unos paisajes y lugares con encanto que le dan un toque especial a la historia, nos encontramos con un drama romántico lacrimógeno sin más pretensiones que no engaña a nadie y que satisfará a los amantes del género.

En fin una película que como ya quisieran muchas, simplemente cumple y entretiene y al menos no es tan empalagosa como otras.

En el apartado musical y como es también costumbre, la película cuenta con una banda sonora de canciones muy acordes a la historia, con algún megaéxito como el "Photograph" de Ed Sheeran. 

Pero como decía anteriormente la otra gran sorpresa de esta cinta es la banda sonora musical de Craig Armstrong, un autor que es habitual en un buen número de comedias romántica británicas contemporáneas. Muy fiel a su estilo nos encontramos con una música romántica con un tema principal, que se convierte en el tema de amor de Louisa y Will, con un comienzo suave con el piano marcando la melodía, que poco a poco y en ascenso va tomando cuerpo con la orquesta, muy al estilo de otro de sus grandes éxitos, la música de "Love Actually". Igualmente a lo que pasa con la película, los fanáticos de la música romántica encontrarán un trabajo de Craig Armstrong, serio, sincero y de primera calidad.

Una banda sonora sentimental y dramática que además de su bello tema principal contiene un buen número de temas ambientales en la misma linea y que aunque pueda parecer algo melosa contiene momentos muy elegantes como estos:

  

lunes, 19 de marzo de 2018

Música Romántica Para Películas Muy Románticas (II) - El Diario de Noa (The Notebook) (AARON ZIGMAN)

"El Diario de Noa" (The Notebook) es otro de esos dramas románticos por excelencia. Basada en la novela homónima de Nicholas Sparks, la lacrimógena historia de Allie y Noah rompió los corazones de millones de espectadores en todo el mundo cuando se estrenó en el año 2004. 

Dirigida por Nick Cassavetes y protagonizada por Rachel McAdams y Ryan Gosling, la historia se remonta al verano de 1940 en un pueblecito de Carolina del Sur. Allie es una chica de una familia rica que pasa el verano en el pueblo. Durante el carnaval Allie conoce a Noah, un joven del pueblo que trabaja en la fábrica de madera y aunque al principio Allie no se interesará por el, Noah insistirá y ambos se enamorarán de una manera loca. A pesar de vivir en dos ambientes sociales muy diferentes, juntos pasarán un verano inolvidable antes de que se separen primero por la oposición de los padres de Allie y después por la guerra.

El conjunto fue absolutamente perfecto para románticos irredentos, tanto en la ficción como en la realidad ya que el amor de los protagonistas además salió de los platós y se transformó en un sonado noviazgo durante algunos años.



Dentro de lo cursi que pueden parecer estas historias, "El Diario de Noa" es una película absorbente, elaborada con sentimiento con una correcta interpretación y una ambientación excelente.
Al fin y al cabo una historia de amor que como la vida misma reúne dulzura, dolor, emoción, lirismo y amargura.

La banda sonora de la película es obra de Aaron Zigman, en su segundo trabajo para el cine. Un trabajo más que destacable que rebosa sensibilidad y belleza desde el primer momento en las notas al piano del tema principal. Una música evocadora que Zigman intercala con música de los años cuarenta.
Un trabajo sencillo en el que la melodía es la esencia de esta conmovedora banda sonora, que funciona perfectamente tanto en la película como escuchada de manera aislada.

Lo dicho música muy romántica para una película muy romántica.



domingo, 18 de febrero de 2018

Música Romántica Para Películas Muy Románticas (I) - One Day (RACHEL PORTMAN)

En general cualquier película de los géneros más dispares, sea fantástica, western, comedia o drama suele tener casi siempre un momento romántico y sus bandas sonoras siempre contienen aunque solo sea unos pocos minutos para un tema musical melódico de carácter romántico. Frente a otros momentos musicales que pueden tener menor o mayor aceptación, la música romántica siempre es muy agradable y suele llegar muy bien al espectador, siendo infinidad los temas que han alcanzado el éxito y que se han convertido en tremendamente populares.
Es sorprendente como a veces una pocas notas interpretadas suavemente, son capaces de tocarle la fibra a cualquiera y si además suenan sobre imágenes sensibles o románticas el coctel es perfecto y fácilmente se consigue encoger el corazón y emocionar a veces hasta la lágrima.

Los siguientes son algunos casos en los que películas con una temática muy romántica han dado lugar a bandas sonoras muy muy románticas, unos trabajos muy interesantes que como suele pasar en el cine actual en algunos casos han pasado desapercibidos bajo las canciones que aparecen también en su banda sonora.

One Day (Siempre el mismo día) es una película del año 2011 protagonizada por Anne Hathaway y Jim Sturguess que narra la relación que surge entre una pareja desde el día de su graduación universitaria, un 15 de julio. Ella una chica idealista de clase trabajadora y el un joven rico que quiere comerse el mundo. A lo largo de 20 años, cada 15 de julio se mostrará su vida cotidiana. Se adorarán, se detestarán, se separarán y se volverán a reunir hasta que descubrirán que lo siempre desearon lo tenían más cerca de lo que pensaban.


La banda sonora de Rachel Portman, una de las escasas y más interesantes compositoras de música cinematográfica, cumple a la perfección. 

Una música romántica y tremendamente cautivadora, llena de sentimiento y emotividad como se puede comprobar en su tema principal "We Had Today", en su versión orquestal y su versión al piano: