miércoles, 18 de mayo de 2016

La Música en el Cine de Edwige Fenech (I) - EL "GIALLO"

Una parte del cine italiano de entretenimiento de lo que se podría considerar serie "B", que se hizo sobre todo en la década de los 70, creo que contiene dos características muy significativas. Por una parte una colección de magníficas bandas sonoras de los grandes maestros italianos de la música para el cine y por otra el haber contado en alguna de esas películas con la impresionante Edwige Fenech.

Aprovechando esta coincidencia, me gustaría hacer un repaso por algunas películas en las que intervino, la que algunos consideramos uno de los grandes mitos eróticos de la historia del cine italiano.

Y es que Edwige Fenech sin ser una gran actriz, ni participar en ninguna película que haya pasado a los anales del cine, tuvo la habilidad de enamorar a un público (ciertamente, solo masculino) que en esa época fue consumidor de un cine sin más pretensiones, en los que coincidía una cara bonita, un cuerpazo espectacular y unas situaciones cómicas o de terror que vistas hoy resultan bastante absurdas y muy burdas, pero que en aquel momento causaban auténtico furor.


Dentro de este cine de serie B, surgen dos subgéneros en los que Edwige Fenech tuvo una participación principal, el "giallo" o cine de intriga criminal erótico y la "comedia erótica". En ambos casos ella encarnó el término erótico en todo su esplendor y su sola presencia ya hace interesante cualquiera de estas películas.

EL "GIALLO"




Dentro del "giallo" (amarillo en italiano y que hace referencia al color de las cubiertas de unas novelas policiacas baratas editadas en los años 30 de las que estas películas tomaron muchas de sus referencias) Edwige Fenech interpretó algunas de las más famosas películas de este género, que al margen de su mayor o menor calidad cinematográfica, si es incuestionable que contienen unas maravillosas bandas sonoras como los tres ejemplos que comento a continuación:



"Lo Strano Vizio della Signora Wardh" (La Perversa Señora Wardh) (1970), fue la primera incursión en el género de Sergio Martino, director que sería uno de los principales representantes del "giallo". El argumento gira entorno a una historia de intriga criminal, salpicada de alto contenido erótico que hoy día parece risible, pero que en aquella época encarnado en una belleza como Edwige Fenech, era lo más. 
La señor Wardh del título, es perseguida por un asesino psicópata por las calles de Venecia, en una trama en la que se ve envueltos como sospechosos, su ex marido, su ex amante y su nuevo amante. En resumen un film entretenido que es un buen ejemplo del género.



La banda sonora es obra de Nora Orlandi, una compositora italiana con una escasa pero muy interesante obra, que hizo en esta película uno de sus mejores trabajos. La bellísima melodía principal que se repite en varios estilos y a diferentes ritmos, es una música creada y dedicada para su protagonista y así el nombre "Edwige" aparece en algunos de los cortes de la banda sonora, como este "Slow with Edwige":





"Il Tuo Vizio E Una Stanzia Chiusa E Solo Io Ne Ho La Chiave" (Vicios Perversos) (1972), es también obra de Sergio Martino, que en esta ocasión adapta "El gato negro" un relato de Edgar Allan Poe, en donde un escritor alcohólico en crisis creativa y su mujer a la que maltrata continuamente, se ven envueltos en una serie de asesinatos de mujeres cercanas a él. En esta ocasión la historia resulta algo menos efectiva pero contiene todos los clichés del género y como no, Edwige Fenech aparece bellísima mostrando su mejor faceta erótica.


En esta ocasión la banda sonora es del maestro Bruno Nicolai, que nos deja una obra genial, que resulta una delicia con ese sonido de música barroca tan característico suyo:





"Perché Quelle Strane Gocce Di Sangue Sul Corpo de Jennifer?" (Las Lágrimas de Jennifer) (1972) es obra de Giuliano Carnimeo que firmaba sus películas habitualmente con el seudónimo de Anthony Ascott, un director especializado en "spaghetti western", que en esta ocasión resuelve notablemente un giallo que vuelve a contar con la interpretación de lujo de la actriz. En ella Jennifer, una modelo de turbio pasado, comienza a ser acosada por un misterioso asesino, tras ocurrir varios asesinatos en un edificio de apartamentos donde vive.
Un competente thriller, que no aburre y que ofrece una abundante carga de violencia y sexo para satisfacer a los más ardientes fans de este género.

La banda sonora es obra también de Bruno Nicolai, en otro de sus geniales trabajos que mezcla la música suave y el sonido del thriller con bellísimas melodías como esta para acompañar las secuencias de una Edwige Fenech maravillosa:





Este último video es un perfecto resumen de lo que la actriz aportó al giallo, donde se aprecia a una increible, sexy y elegante Edwige Fenech en todo su esplendor.

domingo, 24 de abril de 2016

La Teoría del Todo - JÓHANN JÓHANNSSON

De un personaje como Stephen Hawking era indudable que el cine le dedicara en cualquier momento un merecido biopic. Una de las mentes más impresionantes que ha dado la humanidad, por sí solo y por los logros científicos a los que han contribuido sus teorías sobre el universo lo hacen merecedor de una recreación de su vida, pero si además a ello se une, su penosa enfermedad y la dramática historia de amor con su primera esposa, la cosa tiene un especial interés cinematográfico.

Basándose especialmente en esta parte de su vida, "La Teoría del Todo" dirigida por James Marsh, desarrolla el libro de memorias de Jane Hawking, desde que se conocieron en la universidad a mediados de los sesenta hasta su separación.
Una historia marcada por la mirada de Jane, sobre una relación que fue poco a poco transformándose y que a medida que Stephen fue deteriorándose físicamente y su fama académica encumbrándolo a lo más alto, surgieron cosas que pusieron a prueba su relación y alteraron para siempre la vida de ambos.

La "Teoría del Todo" nos mete de lleno en la vida privada de Stephen Hawking, en sus relaciones personales y su enfermedad, más que en la grandeza de ese pensamiento que ha revolucionado la ciencia actual. La película en el fondo lo que quiere es acercarnos más a la persona, no al astrofísico y es aquí donde entra el melodrama con toda su fuerza, consiguiendo una obra intima y conmovedora, rodada con extrema elegancia.

La interpretación de sus dos protagonistas, Eddie Redmayne como Hawking y Felicity Jones como Jane es más que notable, con un gran duelo interpretativo en el que la actriz consigue tomar las riendas de la película en una igualada pugna con la magnífica transformación del actor para conseguir reflejar al deterioro físico del personaje. 
Es en el trabajo de ambos donde reside la verdadera fuerza de esta gran historia de amor.

Con un buen número de nominaciones y galardones en la mayoría de grandes premios y festivales cinematográficos, en los Oscar del año 2015, la película optó a cinco de ellos consiguiéndolo como no para Eddie Redmayne como mejor actor, confirmando como ya viene siendo habitual, el gusto de los miembros de la academia por las interpretaciones de personajes que consiguen superar su discapacidad.
El propio Hawking en un pase privado de la película, elogió con entusiasmo el impactante trabajo de Eddie Redmaine. De hecho el astrofísico no pudo contener las lágrimas y confesó que en algunos momentos se vio a si mismo, asegurando que la película retrata de manera honesta su matrimonio con Jane y su lucha para sacar a delante a sus hijos a pesar de su discapacidad.

En resumen, una estimulante y agridulce historia de amor, tratada con muy buen gusto que intenta ir más allá de un simple biopic al uso.

Entre los muchos logros de la película, la música compuesta por Jóhann Jóhannsson ha conseguido grandes alabanzas entre la crítica y nos presenta una banda sonora completa y de una gran belleza. 
La partitura del compositor islandés, innegablemente deja una muy marcada huella en la película, lo que le ha valido ganar el Globo de Oro a la mejor banda sonora original y competir muy dignamente con su nominación en los Oscar frente al gran Alexandre Desplat que fue el ganador con "El Gran Hotel Budapest" (en el que no es uno de sus mejores trabajos para mi gusto).
Con este trabajo Jóhannsson ha conseguido consolidar su faceta de compositor cinematográfico y se revela como un músico muy a tener en cuenta.
Una música que al igual que la película consigue ser elegante, arrebatadora y tremendamente conmovedora. Y como muestra los siguientes tres temas, el tema de introducción "Cambridge 1963", el tema de amor "The Wedding" y el tema final "Epilogue", fragmentos que no solo embellecen las imágenes de esta película sino que reflejan la esencia de un genio como Stephen Hawking y de la belleza que nos quiere transmitir con su idea del universo.




domingo, 27 de marzo de 2016

Las Series de TV y Su Música (V) - The Knick (CLIFF MARTINEZ)

En el mundo de las series de TV, la medicina se ha convertido en un genero televisivo propio. A principio de los 90, el talento de Michael Chrichton en el guión y el de Steven Spielberg en la producción nos dejaron durante más de una década una de las series más populares que ha dado el medio televisivo, ER (Urgencias), que sería la base de muchas de las actuales series sobre este género como "Anatomía de Grey" o "House" por citar dos de las de mayor éxito.
El trabajo de los profesionales de la medicina para hacer frente a un sinfín de casos y enfermedades raras, la tensión de las salas de urgencias donde a cada momento se presentan situaciones críticas y de gran tensión, y la vida personal y relaciones de los médicos entre ellos y con los pacientes, todo ello a un ritmo frenético, conforman el cocktel perfecto de este tipo de melodramas televisivos.

Dentro de este panorama, es muy destacable una de las series más originales e impactantes del panorama televisivo actual, "The Knick".

Ambientada en un hospital de Nueva York a principios del año 1900, su protagonista el prestigioso cirujano John Tackery, con una secreta adicción a la cocaína, lidera un equipo de médicos cuyas técnicas y maneras de afrontar los avances científicos de su profesión, a veces chocará con la ética y la moral de la época.
La serie se mueve en esa delgada línea entre la medicina y la carnicería, con toda la crudeza que los profesionales de la época tuvieron que enfrentarse a un cuerpo abierto en una mesa de operaciones, contando con los escasos medios y material de los que disponían. Una época en la que todavía no habían sido descubiertos los antibióticos y donde la medicina, con profesionales voluntariosos e innovadores, tenía las más altas tasas de mortalidad.

Y así se demuestra en la escena con la que se abre el primer capítulo de la primera temporada, con el equipo médico haciendo frente a una cesárea en una de esos momentos no aptos para estómagos sensibles, donde la sangre y las manos ensangrentadas del cirujano se convierten en los verdaderos protagonistas. 



La serie ha supuesto la incursión en el medio televisivo del afamado director Steven Soderberg, involucrado completamente en la dirección, la fotografía y el montaje, y cuya experiencia cinematográfica y saber hacer aportan ese extra que toda buena serie necesita.
En cuanto al reparto también es destacable el papel protagonista resuelto magistralmente por Clive Owen, dando vida a un personaje que a pesar de ser un adicto a las drogas, arrogante y racista, resulta brillante y cautivador. Uno de esos personajes llamados a convertirse en uno de los grandes antihéroes de la televisión.

Una serie inusual, impecablemente ambientada en el Nueva York de principios del siglo XX, que resulta fascinante y que revisa ese lado oscuro de una época importante pero a menudo tan ignorada de la historia de la medicina.

Igualmente innovadora y sorprendente resulta la banda sonora compuesta para la serie por Cliff Martínez, exbaterista del grupo Red Hot Chili Pepers y colaborador habitual del cine de Soderberg, que aporta de manera bastante arriesgada una música de sonidos electrónicos que a priori puede parecer impropia para la época en la que está ambientada la acción. Una apuesta personal de Soderberg que propuso crear una ambientación de época perfecta para todo, excepto para la música, pidiendo a Cliff Martínez una música moderna y electrónica. El resultado es perfecto, ya que el compositor capta perfectamente la tensión y el dramatismo presente en todo momento, y en la que el pulso de la música electrónica emula un sonido tan básico en un quirófano como es el latir de un corazón.  
Y aunque efectivamente es una música que funciona mejor con las imágenes, el tema principal "Son Of Placenta Previa" resulta impactante e hipnotizante y es el tema musical perfecto y característico que toda gran serie debe tener.


El siguiente tema es "If Anyman Thirst", uno de los más representativos de la reciente banda sonora compuesta para la segunda temporada de la serie:


A pesar de ser una composición enteramente de música electrónica, en el pasado Film Music Festival de Cracovia 2015, se tuvo la ocasión de escuchar en uno de los conciertos ofrecidos, una versión orquestal de la música de la serie, que resulta al menos bastante interesante. Una agradable curiosidad:

domingo, 7 de febrero de 2016

La Mejor Oferta - ENNIO MORRICONE

"La Mejor Oferta" quizás sea la película más sorprendente hasta la fecha de Giuseppe Tornatore. Una obra inteligente y ambiciosa que se aparta un poco de ese cine tan arraigado a lo italiano, apostando en esta ocasión por una ambientación más internacional.
"La Mejor Oferta", como es habitual también en el cine de Tornatore es un homenaje al propio cine. Una historia cargada de referencias cinematográficas, que comienza como un drama con tintes románticos que muy hábilmente va girando hacia una apasionante thriller de intriga, en lo que algunos han visto ese toque al estilo Hitchcock o De Palma. 

Tornatore consigue meternos en esta historia donde nadie es quien parece ser, rodada en unos escenarios sin concretar de Italia, que nunca se nombran, pero con unos personajes que hablan inglés en todo momento, llevando al espectador a ese universo imaginario suyo sin despertar la más mínima sospecha.

Virgild Oldman (Geoffrey Rush) es un experto en arte y afamado agente de subastas con gran prestigio en la profesión. Un día recibe la llamada de una misteriosa joven, Claire Ibbetson (Sylvia Hoeks), que desea contratar sus servicios para subastar los bienes de la mansión familiar que ha recibido como herencia a la muerte de sus padres. Claire sufre de agorafobia por lo que nunca sale de la casa ni se relaciona directamente con nadie. La relación profesional entre ambos cambiará totalmente la ordenada vida de Virgild, surgiendo una inusual historia de amor que terminará con un sorprendente desenlace.
Ambos protagonistas comparten una misma forma de relacionarse con el mundo que les rodea, y tras conocerse comprenderán que son dos seres que innegablemente se necesitan. Virgild es un hombre culto, refinado y sofisticado que es un auténtico autista emocional, que ha renunciado a su vida por el arte, que no ha tenido nunca ninguna relación con una mujer pero que siente reverencia por la belleza femenina que plasma en su magnífica colección de retratos femeninos de todas las épocas. Conocer a ese alter ego que es Claire hará que por fin plasme sobre una mujer real sus verdaderos sentimientos. 

La interpretación de Geoffrey Rush es inolvidable, cargada de matices que se muestran en innumerables planos de su rostro, que expresan en todo momento la evolución que sufre el personaje, desde ese hombre adusto y malhumorado que aparece al comienzo de la película, hasta ese hombre enamorado y finalmente destrozado sentimentalmente.



Una película apasionante llena de secuencias memorables y que sobre todo cumple con una de las máximas del cine, que es entretener y emocionar.

Como es habitual Tornatore vuelve a contar con la música de Ennio Morricone, con el que forman uno de esos tandem perfectos entre director y compositor cinematográfico. 

Es increíble como Morricone a sus ochenta y tantos años todavía se atreve a innovar, creando una música discreta pero que cumple a la perfección con la mezcla de drama romántico e intriga que tiene esta película. Una música que escuchada sola puede quedar algo desdibujada, pero que encaja a la perfección con las imágenes de la película, creando esa magia que ya es habitual en el cine que han hecho juntos.

Magnífico el tema principal cargado de ese romanticismo tan característico suyo que resulta conmovedor:



Impresionante también el momento musical que acompaña la escena en la que el protagonista contempla su particular colección de arte. Otro de esos momentos mágicos tanto del cine de Tornatore como del maestro Morricone:



Y por ultimo la escena final, una genialidad para ver y escuchar sin parar:

sábado, 23 de enero de 2016

Anónimo Veneciano - STELVIO CIPRIANI

"Anónimo Veneciano" es una película que reúne esa mezcla perfecta entre cine y música de cine. Una película en la que la música es un personaje más. Un triángulo perfecto formado por una gran historia de amor, la ciudad de Venecia y la inolvidable música del maestro Stelvio Cipriani, tres cosas que personalmente me apasionan.

Una película que se ha convertido en todo un clásico del melodrama romántico de los años 70, una historia de amor inolvidable que a pesar de los años transcurridos no ha perdido su encanto y que siempre vale la pena volver a recordar. 


Anónimo Veneciano rodada en el año 1970, es la ópera prima como director de Enrico María Salerno uno de los mejores actores de teatro italianos de la posguerra que desarrolló su carrera con gran éxito tanto en teatro como en el cine y la televisión, así como un gran actor de doblaje.

La historia narra el encuentro en Venecia de Enrico (Tony Musante) un músico de gran talento que toca el oboe en la orquesta del Teatro La Fenice y de Valeria (Florinda Bolkan) su exmujer. Años atrás ambos se conocieron y se enamoraron apasionadamente, se casaron, tuvieron un hijo pero se separaron tres años después. Paseando por una Venecia que arrastra ese eterno hundimiento, ambos recordarán también el hundimiento de su historia de amor.


Con el fondo de esos canales y calles solitarias y frías de una ciudad que poco a poco se muere, aflorarán de nuevo sus sentimientos de una manera descarnada, intentando aferrarse al amor que los unió en el pasado, aunque saben que su relación está abocada al igual que la propia Venecia a una muerte segura, lenta y agónica.

El poder de fascinación de una ciudad como Venecia que invade a todo aquel que la visita, ejerce un papel fundamental  y es el complemento perfecto de esta triste y melancólica historia de amor.


Y como otro pilar fundamental de la película está la bellísima música compuesta por Stelvio Cipriani, uno de los grandes compositores cinematográficos italianos, que creó una melodía que es todo un clásico de la banda sonora que permanecerá ligada por siempre al romanticismo de una ciudad como Venecia.




La banda sonora cuenta también con un fragmento musical de música barroca que forma parte de la propia historia de la película. Enrico está preparando la grabación de un concierto para oboe y orquesta de Alessandro Marcelo, cuyo adagio, una pieza de gran belleza melódica, aparece en una de las principales escenas de la película.


lunes, 7 de diciembre de 2015

Impacto (Blow Out) - PINO DONAGGIO

Si hay un cine en el que la influencia de Alfred Hitchcock sea más que destacable, ese es sin duda el cine de Brian De Palma. Y aunque las comparaciones "son odiosas" y la genialidad del maestro del suspense es prácticamente inalcanzable, lo cierto es que el resultado final de De Palma en algunas de sus obras es al menos bastante aceptable y siempre ha demostrado un gran dominio del oficio.

Entre las películas que De Palma rodó en la década de los 80, uno de los mejores momentos de su carrera, nos encontramos con un film que aunque podría calificarse como menor reúne mucho de lo que es la esencia de su cine.
Esta película es "Impacto" (Blow Out) rodada en el año 1981, justo un año después de la que ha sido una de sus obras más importante y de más éxito, "Vestida para Matar". De Palma se embarcó en este proyecto con total libertad de movimientos y de una manera muy personal, utilizando un guión propio. Y aunque la película se rodó con un gran presupuesto y tuvo un gran lanzamiento, desafortunadamente acabó siendo un gran fracaso de taquilla.

El punto de partida de esta historia de intriga, es una conspiración para asesinar a un político, que el propio director admitió que tenía cierta similitud con el suceso que envolvió al senador Ted Kennedy.
El protagonista es un ingeniero de sonido de películas de bajo presupuesto, que una noche en la que está grabando efectos sonoros en exteriores, graba lo que parece ser un accidente de un coche en la que viaja una pareja que se precipita a un rio. A pesar de sus esfuerzos solo puede salvar a la mujer. El acompañante un político candidato a la presidencia del gobierno muere y tras revisar las cintas de la grabación empieza a sospechar que haya sido un asesinato. 
Para el papel protagonista De Palma eligió acertadamente a John Travolta en el que algunos consideran que es uno de sus mejores trabajos, y a Nancy Allen, ex esposa del director para el papel protagonista femenino.

"Impacto" acaba convirtiéndose en un puro ejercicio de estilo, plagada de las obsesiones, las influencias y la estética del cine de Hitchcock, y con el paso de los años ha encontrado un mejor lugar entre las cintas de intriga y como una de las mejores películas del director. Una película que sirvió como inspiración a muchos cineastas posteriores, de las que el mismo Tarantino ha dicho que es una de sus tres películas favoritas.

Sin duda una cinta que vale la pena recordar.

Para la banda sonora de la película De Palma contó con uno de sus músicos de confianza, el italiano Pino Donaggio, que también había compuesto la exitosa música de "Vestida para Matar". Donaggio un cantante pop de los años 60 de bastante éxito, evolucionó muy favorablemente hacia el mundo de la banda sonora, donde sorprendentemente se ha desenvuelto con gran habilidad.

Películas como "Impacto" sostienen parte de sus aciertos en la magnífica música de Pino Donaggio, con temas melódicos y música de cuerdas rítmico para las escenas de suspense. Una música que lo acercaba al estilo del gran Bernard Herrmann, que había compuesto las grandes partituras del cine del maestro del suspense. 

Y como muestra el tema final de "Impacto", una bellísima melodía de carácter romántico y sensual y el tema "Sally and Jack" la misma melodía al piano que resultan verdaderamente maravillosos:



viernes, 13 de noviembre de 2015

La Caja de Música - PHILIPPE SARDE

"La Caja de Música" es una película norteamericana del año 1989 dirigida por Costa-Gavras el director de cine franco-griego reconocido como uno de los grandes exponentes del cine social y de compromiso político. Si bien este tipo de cine a veces puede resultar poco atractivo para el gran público, Costa-Gavras lo ha sabido encajar perfectamente con el thriller y el drama sentimental consiguiendo algunas interesantes películas como "Desaparecido", "Z", "Estado de Sitio", "Amén" o "La Caja de Música".

El guión es obra de Joe Eszterhas, que tres años más tarde daría el salto a la fama con el guión de "Instinto Básico" convirtiéndose en el guionista mejor pagado de Hollywood hasta el momento. 
La historia está basada lejanamente en el caso real del criminal de guerra nazi apodado "Iván el Terrible" al que se responsabilizó de haber participado en la muerte de más de 25.000 judíos en el campo de extermino nazi de Sobibor en Polonia.

El argumento del film nos presenta a Anne (Jessica Lange) una prestigiosa abogada criminalista de Chicago hija de Mike Lazlo (Armin Mueller-Stahl) un inmigrante húngaro afincado en Estados Unidos al finalizar la II Guerra Mundial y que forma parte de un grupo de exiliados contrarios al régimen comunista de su país. Inesperadamente Lazlo es acusado de haber colaborado con los nazis mientras fue miembro de la gendarmería húngara en la guerra y de cometer crímenes contra la humanidad. El gobierno húngaro solicita su extradición y su hija convencida de su inocencia decidirá defenderle personalmente.

La película va más allá del drama judicial para adentrase de lleno en el drama familiar y en el terreno de las emociones y el desengaño, reflejado en la terrible paradoja de la protagonista, criada por un padre cariñoso y protector al que adora y que guarda un secreto del pasado como genocida criminal.

"La Caja de Música" obtuvo el Oso de Oro en Berlín en 1990 y Jessica Lange que está inmensa en uno de esos papeles que es todo un regalo para cualquier buena actriz, obtuvo una nominación al Oscar por su interpretación.

En definitiva una buena película, un drama que conmueve y entretiene a partes iguales, que considero cien por cien recomendable.

Por cierto la caja de música que da título a la película, aunque pueda parecer que no guarda relación con la trama, tiene un papel fundamental. 


La música es obra de Phillipe Sarde, colaborador habitual del cine de Costa-Gavras, que nos deja una excelente partitura perfectamente ambientada con la historia y la nacionalidad de los personajes protagonistas, en la que aparecen melodías con aires del folclore húngaro interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Hungría.

El tema principal "Ann's Theme" nos presenta una música brillante y conmovedora de corte melancólico con una voz femenina que crea el contrapunto ideal, dejándonos uno de esos temas perfectos para disfrutar oyendo una y otra vez.


jueves, 5 de noviembre de 2015

Música para Biopic Musicales (III) - Selena (DAVE GRUSIN)

"Selena" es la película biográfica musical sobre la vida y carrera de la cantante estadounidense de ascendencia mexicana Selena Quintanilla Pérez, una de las más importantes interpretes de música "tex-mex". Como ha ocurrido con muchos grandes estrellas de la música, la trágica muerte de Selena cuando estaba en lo más alto de su carrera y contando con solo 23 años, contribuyó a hacer más grande su leyenda.

A los nueve años su padre, Abraham Quintanilla un hombre muy tradicional, que sería un personaje fundamental en su carrera musical, vio en ella su gran talento y poco a poco y de manera muy modesta pasó en pocos años de cantar en fiestas, bodas y ferias a llenar estadios y vender millones de disco, convirtiéndose en un verdadero fenómeno de masas tanto en Estados Unidos como en México y todo un exponente de la música latina.

En 1995, Selena fue asesinada por Yolanda Saldívar la presidenta de su club de fans y encargada de la administración de sus boutiques. La confianza depositada en esta mujer que se jactaba de ser la mayor admiradora y persona de confianza de la cantante y su familia, se vio frustrada por una gestión desastrosa tanto del club de fans como de las tiendas, descubriéndose que Saldívar había malversado una gran cantidad de dinero. En la mañana del 31 de marzo Selena se reunió con Yolanda Saldivar y tras una dura discusión, Saldivar sacó un revolver e hirió de muerte a Selena. La cantante fue trasladada al hospital y sometida a una intervención quirúrgica, pero los médicos no pudieron hacer nada por salvar su vida. Para incrementar la leyenda alrededor de este desgraciado final, se llegó a publicar que la decisión del padre de Selena de no permitir una transfusión de sangre por sus arraigadas creencias religiosas, fue la causa de la muerte, pero esto no se llegó a comprobar nunca. Su funeral fue multitudinario y su muerte fue un duro golpe a la comunidad hispana en Estados Unidos. 
Selena está considerada una de las artistas latinas más influyentes y de mayores ventas de los años 90 y la innegable "reina del tex-mex y la cumbia".

Solo dos años después de su muerte, un tiempo muy corto para la realización de este tipo de películas y producida por su propio padre, se rodó "Selena" dirigida por Gregory Nava e interpretada por la por entonces novel actriz y cantante Jennifer López, y por Edward James Olmos en el papel de su padre.
La elección de Jennifer López para el papel de Selena fue muy criticada al principio, pero el parecido físico y la buena interpretación de la actriz cambiaron las opiniones contrarias e incluso se vio recompensada con una nominación a la mejor actriz en los Globos de Oro.

La película en su conjunto resulta bastante entretenida y supone un interesante biopic de la figura de esta joven estrella de la música.

Como es natural la banda sonora se compone de un buen número de sus mejores canciones sobre todo de las interpretaciones de sus grandes conciertos. Aunque en un primer momento se pensó en que Jennifer López por su condición de cantante interpretara ella misma las canciones, se creyó que al ser tan reciente su muerte, los fans no lo hubieran admitido, por lo que todas las interpretaciones de las canciones son las originales en la voz de Selena.


Afortunadamente en el apartado musical, además de las canciones de Selena, del gusto de un público multitudinario pero muy particular de este tipo de música, la producción de la película eligió a Dave Grusin un compositor muy ligado a la música y a los músicos latinos.

Grusin compone una maravillosa y bastante desconocida banda sonora cuyo tema principal es una de sus preciosas melodías cargada de sentimiento y romanticismo. 


Grusin también realiza un sentido homenaje a la música de Selena con una versión solo al piano de uno de los mayores éxitos de la cantante, "Como la Flor", que es una delicia:




El siguiente video es la interpretación de la canción "Como la Flor" en una de las emocionantes secuencias de la película, en las que aparecen más de 35.000 extras que acudieron de manera masiva y gratuitamente al requerimiento de los productores para el rodaje de esa escena. 

lunes, 19 de octubre de 2015

Música Para Biopic Musicales (II) - Ray (CRAIG ARMSTRONG)

La vida de Ray Charles, uno de los más grandes músicos norteamericanos del siglo XX, reunía con creces todos los requisitos para ser llevada al cine. Un músico genial, con un origen humilde, ciego y con una vida turbulenta por su adicción a las drogas y sus relaciones amorosas (dos matrimonios y doce hijos de diez relaciones diferentes), es un jugoso argumento que el director Taylord Hackford aprovecha muy eficazmente para filmar "Ray", una buena película músico-biográfica sobre Ray Charles.

Taylord Hackford, un director con cierta experiencia en el cine musical ("Noches de Sol" y "The Idolmaker"), incluyendo dos magníficas películas documentales sobre otros grandes músicos como Chuck Berry y Michael Jackson, consigue contar de manera efectiva y bastante emocionante la vida de Ray Charles tanto desde el punto de vista musical como personal.

La película se centra en el periodo más explosivo de su carrera, desde que siendo niño sufre dos grandes traumas como fueron la muerte de su hermano y la perdida de la visión a los cinco años. A partir de ese momento y de manera muy autodidacta empieza a tocar el piano y a empaparse de la música de jazz y blues que hacían los músicos negros de su época. Su evolución se vera reforzada cuando se traslada desde Florida hasta la floreciente escena jazzistica en Seattle. Ahí empieza su arrolladora carrera musical con su descubrimiento por una de las grandes compañías discográficas, Atlantic Records, y la vorágine y éxito musical de los siguientes años. Pero por otra parte cobra fuerza su agitada vida personal a partir de sus problemas con la heroina y la relación con Della una buena esposa que le quiere, pero también con un buen número de mujeres que pasaran por su vida.
La historia de Ray, un niño ciego y pobre criado en una época en la que el racismo y la segregación eran el día a día de los afroamericanos, que es capaz de romper la barreras sociales y cambiar los esquemas de la música, es la típica historia del sueño americano en uno de esos tantos casos que ha dado la historia de ese país.

Fenomenal la interpretación de un Jamie Foxx en estado de gracia que se mete de manera magistral en la piel de este genio de la música y que se vio recompensada con el Oscar al mejor actor. 

En el apartado musical la película hace un repaso a los grandes temas que Ray Charles grabó durante esa época y que forman parte de las mejores canciones de la historia de la música americana. Y es que Ray supo aunar los grandes géneros de la música de su época, desde el jazz, el blues, el soul, el gospel, el rhythm & blues,  el country y el rock & roll, con una visión propia y que se ha convertido en una referencia fundamental para una gran cantidad de músicos hasta nuestros días.

La banda sonora es obra de Craig Armstrong por la que obtuvo el Grammy a la mejor banda sonora de 2005. El afamado músico escocés crea un score que aunque en principio pudiera parecer inadecuado, casa a la perfección con el film y es un ejemplo genial de "música creada para un músico". Tomando como no, el piano como protagonista principal en un claro homenaje al instrumento que fue la vida de Ray Charles, nos encontramos con una partitura muy melódica con toques muy chillout, que subraya sobre todo esos momentos dramáticos y sentimentales de la historia de un personaje tan complejo como este. 

El corte "Della's Theme" es el mejor ejemplo de la música de esta banda sonora donde se evocan los sentimientos más profundos de este personaje y donde más se puede apreciar el estilo musical del compositor.



Y como ejemplo de las canciones de Ray Charles y muestra de la magnífica interpretación de Jamie Foxx, algunos clips de la película con algunas canciones míticas del "genio".




viernes, 9 de octubre de 2015

Suite Francesa - RAEL JONES

Tras más de 60 años, en el año 2004 se publicaba "Suite Francesa" una novela inédita de Irène Némirovsky, escritora judia de origen ucraniano, afincada en París, que tras la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial fue capturada y trasladada al campo de prisioneros de Auschwitz, donde murió en agosto de 1942 a los 39 años. Antes de su detención, Némirovsky había empezado una serie de cinco novelas (de las solo terminó dos) sobre la vida en Francia tras la ocupación nazi.
Estas novelas permanecieron desaparecidas, hasta que sus hijas, que lograron sobrevivir, las encontraron en una vieja maleta, después de tantos años. La publicación de la novela causó una auténtica conmoción en el mundo editorial francés y europeo, ya que retrataba de primera mano una situación y una época fundamental en la historia de Francia.


Su traslado a la gran pantalla era algo que estaba cantado, y aunque son abundantes y variadas las películas sobre la Segunda Guerra Mundial, esta nueva incursión en el tema nos muestra un fiel e implacable reflejo de la sociedad francesa durante la ocupación, que resulta bastante interesante. 


Es bastante sorprendente comprobar en esta historia como por una parte, junto al odio natural que despierta la brutal ocupación nazi del país de la "liberté, égalité y fratrernité", surjan también historias de amor clandestino y muestras públicas de colaboracionismo, mostrándose de esa manera la variedad de reacciones humanas ante situaciones excepcionales.




La acción de la película transcurre en un pequeño pueblo cerca de París tras la claudicación del gobierno francés ante la ocupación alemana. Lucile (Michelle Williams) es una joven cuyo marido marchó al frente al poco de casarse y permanece desaparecido como prisionero de guerra y vive junto a su controladora suegra (Kristin Scott Thomas) una acomodada terrateniente con un agrio carácter. Su vida transcurre un poco al margen de la guerra hasta que el pueblo es tomado por un regimiento de soldados alemanes que se establecen en las casas de los vecinos del pueblo. El nuevo inquilino de la casa es Bruno (Mathias Schoenaerts) un elegante y refinado oficial alemán que va cambiar por completo la anodina vida de Lucile.

Con la música como nexo de unión de ambos protagonistas, Bruno en la vida civil es compositor y Lucile ha estudiado música y toca el piano, surge irremediablemente una historia de amor entre dos personas que se encuentran en un momento desgraciado y trágico, donde su amor quedará oscurecido por la cruel realidad. Todo ello con el fondo del resto de personajes del pueblo entre los que afloran las mezquindades y los enfrentamientos en todas las clases sociales.


La interpretación de los protagonistas es muy correcta, aunque la pasión amorosa resulta muy contenida, algo lógico teniendo en cuenta la situación en la que se encuentran y tratándose de dos seres tan sensibles. Igualmente destacado es el papel de Kristin Scott Thomas, como una mujer igual de dura con su nuera, sus vecinos y los soldados alemanes, pero que irá cambiando al darse cuenta de que todo se derrumba a su alrededor.


Una película estéticamente bien resuelta con una bonita historia de amor, que demuestra que la guerra puede sacar lo mejor y lo peor del ser humano.



La banda sonora es obra de Rael Jones un joven compositor y multi instrumentista británico que después de colaborar anteriormente en algunos trabajos importantes junto a otros compositores, como en la banda sonora de "Los Miserables", "Quantum of Solace" o la serie de la BBC "Sherlock", nos deja en este su primer trabajo para un largometraje, un trabajo exquisito y de gran calidad.


Una partitura donde se mezcla dramatismo y romanticismo, aunque destacan sobre todo los temas melódicos como el tema principal de amor de una gran belleza. 



La música orquestal está reforzada por un breve tema de piano que forma parte de la historia como la música que Bruno compone y que regala a Lucile con el título de "Suite Francesa". Este tema de apenas un minuto de duración es obra del compositor Alexander Desplat, que como ya he comentado en alguna ocasión está presente últimamente en toda buena producción europea. Un precioso tema que queda íntimamente ligado a una historia de amor imposible.

Los siguientes clip son el corte en su versión original y tal como aparece en la película.