domingo, 19 de febrero de 2017

Bandas Sonoras Para Un Solo Instrumento (I) / Fiesta de Despedida (It's My Party) - BASIL POLEDOURIS

La música cinematográfica ha tenido desde la invención del cine sonoro una gran variedad de combinaciones instrumentales de todos los estilos musicales. Pero hay que recordar que desde la aparición del cine en su etapa muda las proyecciones se solían acompañar de música. Música que normalmente interpretaba un pianista y que sonaba en directo durante la proyección, convirtiéndose ya desde los comienzos en un elemento fundamental del cine.

En el cine actual, lo normal es encontrarse con una elaboración musical bastante sofisticada, con arreglos musicales muy trabajados. Cada escena requiere una instrumentación que puede ir desde melodías sencillas con muy pocos instrumentos hasta grandes orquestaciones sinfónicas, pero es ya poco habitual encontrarse con bandas sonoras donde solamente un instrumento sea el protagonista de la música completa de una película. Instrumento solista que como en los orígenes del cine, suele ser el piano.

En el caso de las bandas sonoras que quiero comentar, nos encontramos con esta situación, el simple acompañamiento de un piano es suficiente para crear la atmósfera sonora de la película y desde mi punto de vista con unas excelentes bandas sonoras.

"Fiesta de Despedida" (It's My Party) es una producción norteamericana del año 1996, dirigida por Randal Kleiser, una de las películas que en los años 90 trataron directamente y desde un punto de vista original, el drama sobre el VIH.
Nick (Eric Roberts) tras romper su relación con su pareja después de ser diagnosticado de sida y tras recibir la noticia de un empeoramiento con trágicas consecuencias, en vez de derrumbarse y decidido a no degenerar delante de sus seres queridos, afronta la situación con dignidad y decide acabar su con vida tal como la vivió, pletórico de alegría y vitalidad, preparando una fiesta de despedida con su familia y amigos, de dos días de duración.

Basada en hechos reales, la ex pareja del propio director, acabó con su vida de la misma manera en 1992, y muchos de los protagonistas de la película conocieron en la vida real al personaje sobre el que esta basada la película.
El tema es tratado con entereza, aunque no exento del punto de sentimentalismo propio de una historia así en una producción típicamente hollywoodiense, que vista hoy día ha perdido algo de su originalidad y podría asemejarse a una típica película para televisión de sábado por la tarde.

Como era de esperar por el tema de la película, nos encontramos con una banda sonora de carácter intimista y sentimental solo para piano compuesta e interpretada por el maestro Basil Poledouris. Una música desgarradora, sencilla, pero potente, que sabe tocar el corazón. Una de las partituras más personales del autor, simplemente sublime y que es un maravilloso escaparate para conocer a Poledouris como compositor y como interprete. 

Es increíble lo que se puede hacer y expresar solo con un piano, como se puede apreciar en estos dos temas de esta banda sonora:





La banda sonora también contiene una canción "Don't Cut Me Down" de Olivia Newton-John, que además es una de las protagonistas de la película. Una canción también muy acorde con la atmósfera sentimental de esta historia.

domingo, 29 de enero de 2017

Muppet Treasure Island (Los Teleñecos en la Isla del Tesoro) - HANS ZIMMER

El tremendo éxito televisivo de los "Muppets" (los "teleñecos" en España"), el show de marionetas creado por Jim Henson en el año 1976, dio lugar a un total 120 episodios que llevó a estos maravillosos personajes a conquistar a niños y mayores en todo el mundo.
Con un diseño muy simple, los muñecos de Jim Henson con bocas enormes y ojos esféricos muy grandes consiguieron ser tremendamente expresivos a través de la manipulación y la voz de sus titiriteros. 
Henson consiguió crear un conjunto interesante de personajes desarrollando unas ideas novedosas con un sentido del ritmo y del humor que conectó perfectamente con la audiencia, promoviendo valores positivos en la infancia como la amistad, la magia o el amor.

Además de en los show televisivos, Henson realizó con estos personajes varias películas para televisión y hasta ocho películas para la gran pantalla.

En el año 1996 y con la colaboración en la producción de los estudios Disney, los "muppets" fueron llevados al cine en una adaptación del clásico de Robert Louis Stevenson, "La Isla del Tesoro", titulada "Muppet Treasure Island" y dirigida por Brian Henson, el hijo de Jim Henson que se había hecho cargo de la serie a la muerte de su padre en 1990. Como era habitual en sus adaptaciones cinematográficas los papeles principales corrían a cargo de personajes reales, destacando en esta ocasión Tim Curry en el papel del pirata Long John Silver y los "muppets" que se hacían con los personajes secundarios aunque conseguían con su encanto llevarse casi siempre el protagonismo.


La película es una maravilla desde todos los puntos de vista, una adaptación infantil del clásico con un ritmo muy conseguido que respeta el espíritu de aventura original, que logra que ni nos demos cuenta de lo inverosimil que es ver a una rana capitaneando un barco, o un pirata de pata de palo con un crustáceo como mascota en vez de un loro. 

En resumen, una historia bien adaptada, con unos muñecos encantadores, buenos chistes, buenísimas canciones, un gran villano y sobre todo tremendamente divertida.

Para completar las cualidades de esta película, destaca de una manera muy sobresaliente su grandísima banda sonora.
Con una perfecta mezcla entre la música de Hans Zimmer y las canciones de Barry Mann y Cynthia Weil, la banda sonora para esta película se encuentra entre los grandes trabajos hechos para el cine de piratas.

Nos encontramos en esta banda sonora con el que seguramente sería el gran precedente y el germen de la música que años más tarde Zimmer usaría para la exitosa saga de "Piratas del Caribe"Zimmer aplicó contundentes y rítmicas melodías en las que empleó coros con un aire deliberadamente grandilocuente, adaptándose a la épica del relato.

Los siguientes son el tema musical principal con el que abre la película "Treasure Island" y la primera canción "Shiver My Timbers" que aparece a continuación todavía sobre los títulos de crédito con la participación de diversas y extrañas criaturas haciendo los coros. Una maravilla.



miércoles, 18 de enero de 2017

The Edge - JERRY GOLDSMITH

The Edge, titulada en España como "El Desafío" es una película del año 1997, dirigida por el neozelandés Lee Tamahori. Con un guión del afamado David Mamet, la historia es una mezcla de drama con tintes de thriller ambientado en un espacio natural salvaje, donde la lucha por la supervivencia es el eje principal de la historia.

El multimillonario e intelectual Charles Morse (Anthony Hopkins) viaja a Alaska junto a su joven esposa Mickey (Elle Mcpherson) una cotizada modelo y un famoso fotógrafo de moda Robert Green (Alec Baldwin), para realizar una sesión fotográfica. Cuando Charles y Robert se trasladan en avión, sufren un accidente y deben hacer un aterrizaje forzoso quedando perdidos en mitad de un boscoso, frío y hostil paraje.
Enfrentados por el amor de Mickey, ambos se enfrentarán también, no solo a los peligros de la naturaleza, sino también a su propia naturaleza humana, surgiendo las inseguridades, los celos y las traiciones. Y todo ello se complicará con la aparición de un peligro letal, un gigantesco oso devorador de hombres que les sigue sin descanso.

Con un punto de suspense, tensión y lucha por la supervivencia en plena naturaleza salvaje, grabada en unos escenarios naturales impresionantes, y unas excelentes interpretaciones de los dos protagonistas, la película se va desarrollando de una manera efectiva dejando algunos grandes momentos y una tensión narrativa bastante interesante. Una historia en la que queda claro que el verdadero horror no está en la naturaleza salvaje sino en el propio ser humano.
La vida en un ambiente salvaje demuestra que para cualquier hombre, la voluntad por la supervivencia está por encima de la clase social, la riqueza, la edad y los conocimientos que se tengan
Una película bien resuelta con un acabado de calidad y con un desenlace final bastante bueno.


La banda sonora de esta película cuenta con uno de los grandes trabajos del gran Jerry Goldsmith.
Una composición espectacular, que cuenta con uno de sus grandiosos temas musicales que refleja perfectamente el lado salvaje de la naturaleza. Un tema central épico, evocador y aventurero que se acopla con esas imágenes de los planos aéreos, mostrando la exhuberancia de las montañas nevadas.
Un trabajo que consigue ir más allá, lleno de inspiración, como solo sabe hacer uno de los más grandes compositores de la música para el cine, el maestro Jerry Goldsmith.


Al final de los títulos de crédito de la película, y un poco alejado del grandioso tema principal, aparece un tema musical titulado "The Edge" con una versión jazzística al piano que es una verdadera delicia, un regalo que cierra maravillosamente esta gran banda sonora.


domingo, 11 de diciembre de 2016

La Música de VLADIMIR COSMA (III) - La Gloria de mi Padre / El Castillo de mi Madre

Siempre dispuesto a explorar todos los estilos musicales en su extensa aportación a la música cinematográfica, el genio de Vladimir Cosma aparece por igual en cada una de sus partituras. Con una extensa formación musical clásica donde destaca en su juventud ganando premios en violín y composición, lo cierto es que sus comienzos profesionales en el mundo de la música los hace con la música de jazz y tocando el piano en espectáculos de "music-hall".
Así, aunque muchas de sus partituras cinematográficas integran este tipo de música, lo cierto es que sus maravillosas composiciones sinfónicas son de una calidad excepcional.

Un pequeño ejemplo de ello serían estas dos obras, que se ha convertido en piezas fundamentales en su repertorio de conciertos.

"La Gloria de mi Padre" y "El Castillo de mi Madre", son dos películas de Yves Robert del año 1990, rodadas consecutivamente y basadas en las novelas del mismo título escritas por Marcel Pagnol, que son un clásico de la literatura francesa.
Con una deliciosa narración autobiográfica sobre la infancia del autor durante un verano a principios del siglo XX, estas obras provocaron el entusiasmo de un gran sector del público y por tanto su traslado a la gran pantalla era incuestionable.

En "La Gloria de mi Padre" la historia nos presenta a Marcel un muchacho que va a pasar el verano junto a su familia en la Provenza francesa donde descubrirá junto a un muchacho de la región, los secretos que guardan las colinas provenzales, en el que será para él un verano inolvidable.
En la "Gloria de mi Madre" como continuación de la anterior, Marcel regresa al siguiente verano a la casa de la Provenza, reencontrándose con sus amigos y descubriendo un viejo castillo donde vive una niña rica con su madre.

Con un tono bucólico en el que destacan el descubrimiento de la naturaleza, los paisajes, las escenas familiares y las fiestas populares, nos encontramos con una historia de una honda calidad humana. Un paseo entrañable, nostálgico y lleno de humor de la infancia, un tiempo pasado que marcará para siempre a su protagonista.

La música de Vladimir Cosma para ambas películas tiene también ese sentimiento bucólico y nostálgico y se convierte en el acompañamiento musical perfecto para estas dos películas. En el tema principal de "La Gloria de mi Padre" la partitura comienza con un sonido que asemeja el ruido de los grillos en los días calurosos del verano cuyos compases acompañan a toda la bella melodía principal dandole esa ambientación campestre de una manera magistral.

Para "El Castillo de mi Madre", Cosma compone un bellísimo vals que tanto en su versión orquestal como es su versión al piano, se ha convertido en una de las obras más aclamadas del autor.
Dos obras magníficas que merecieron su nominación a los premios Cesar del cine francés y que son claves en la obra de este gran compositor.



domingo, 20 de noviembre de 2016

La Música de VLADIMIR COSMA (II) - La Boum / La Boum 2

En los años 80, el cine de temática adolescente tuvo un gran éxito entre ese mismo público, también adolescente, que fundamentalmente era el que llenaba las salas de cine de todos los países. 

En Francia uno de los mayores éxitos de este tipo de cine fue el estreno en el año 1980 de "La Boum" una comedia romántica juvenil dirigida por Claude Pinoteau, que supuso el debut en el cine de Sophie Marceau, y su descubrimiento como actriz infantil.
"La Boum" titulada en España "La Fiesta" cuenta el proceso de adaptación de Vic, una adolescente de 13 años, a su nueva realidad, que incluye la mudanza con su familia a París, la llegada a un nuevo instituto donde no conoce a nadie y la difícil relación que viven sus padres al borde de una ruptura matrimonial. Vic traba amistad con Penélope una compañera de clase y ambas anhelan encontrar el amor verdadero entre los chicos del instituto. Pero sus padres no la dejan ir a una gran fiesta donde acudirá Mathieu el chico que le gusta, aunque con la ayuda de su abuela al final podrá cumplir su sueño.
Como se puede ver, la historia es esa situación clásica que en todas partes y en todas las épocas han vivido los adolescentes en ese momento de sus vidas.

El éxito comercial, de "La Boum" motivó la producción dos años más tarde de una segunda parte "La Boum 2", titulada en España "Quince años recién cumplidos". Con una temática similar, Vic vuelve al instituto donde se vuelve a enamorar de otro compañero de clase. Esta vez sus padres ya han resuelto sus diferencias y su abuela también se ha vuelto a enamorar y está pensando en volver a casarse. La película volvió a conseguir un gran éxito y Sophie Marceau continuó su ascenso al estrellato consiguiendo el premio Cesar de la Academia del Cine Francés, a la actriz joven más prometedora.

En la banda sonora de ambas películas nos encontramos con una música muy acorde a la temática juvenil de la trama, donde tanto en los temas instrumentales como en las canciones que aparecen, abunda sobre todo el uso de música discotequera. 

Sin ser dos obras que en su conjunto nos dejen unas bandas sonoras de gran calidad, lo cierto es que Vladimir Cosma compone un tema principal para cada una de ellas, que tanto en sus versiones vocales como en las versiones instrumentales, son dos de sus melodías más maravillosas, y que contribuyeron en buena medida también al éxito de estas películas.

El tema principal de "La Boum" es la canción "Reality" interpretada por Richard Sanderson un discreto cantante de la época que con este tema consiguió el mayor éxito de su carrera. La canción es una suave balada con sonido de sintetizadores, que rápidamente se convirtió en un enorme éxito alcanzando los primeros puestos de las listas de todo el mundo. Con más de ocho millones de copias, esta canción es  uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos.

Para "La Boum 2", Cosma compone otra canción de éxito, "Your Eyes" interpretada en esta ocasión por el grupo juvenil británico de música pop, Cook Da Books, con la que obtuvieron también uno de sus mayores éxitos. Richard Sanderson aprovechando el éxito de su interpretación en "La Boum" también grabó una versión de esta canción que aparece en algunas ediciones de la banda sonora de "La Boum 2".



La calidad de estos dos bellísimos temas de Vladimir Cosma alcanza su mayor expresión en las versiones instrumentales que aparecen en sus bandas sonoras y que el propio compositor incluye habitualmente en sus conciertos en directo.


lunes, 31 de octubre de 2016

La Música de VLADIMIR COSMA (I) - Le Bal Des Casse-pieds / L´Aile Ou La Cuisse

Vladimir Cosma es uno de los grandes compositores de bandas sonoras de la cinematografía francesa, y subrayo lo de francesa porque Cosma es sin duda uno de los autores que más y mejor se identifica con el cine francés.

Con una prolífica filmografía que abarca más de 50 años de profesión, Vladimir Cosma es un músico de los grandes, un todo terreno que ha puesto su genialidad en cientos de películas, abarcando todos los géneros posibles tanto en grandes producciones como en películas más sencillas, muchas de ellas bastante desconocidas sobre todo fuera del mercado francés.

Afortunadamente su música ha trascendido más allá y los aficionados podemos disfrutar cada vez más y mejor de sus composiciones.
Algunas de ellas son las que me gustaría compartir, una música que va más allá de las propias películas a las que pertenece y que cuando se escucha sola o en sala de concierto no se puede más que caer rendido ante la maestría y la genialidad de un compositor extraordinario.

Poco puedo decir de las dos películas cuya música pongo hoy, dos comedias de reputados realizadores franceses, protagonizadas por algunos de los grandes interpretes franceses de este género, pero que destacan sobre todo por la la música compuesta por Vladimir Cosma.

Le Bal des Casse-pieds es un film dirigido por Yves Robert en el año 1992, protagonizada por Jean Rochefort y Miou-Miou. 
Desconozco si ha llegado a estrenarse en España pero su música es maravillosa. La bada sonora cuenta con un tema bellísimo con una espectacular base sinfónica en la que el autor introduce varios instrumentos solistas como la flauta, el violín y la guitarra para destacar la melodía principal. 
Un tema rítmico y divertido que desde los primero compases se mete en el cuerpo y con el que es imposible no mover los pies (el título parece irle al pelo a la música).




L'Aile Ou la Cuisse, es una película del año 1976 dirigida por Claude Zidi e interpretada por uno de los cómicos más grandes del cine francés, Louis de Funes. En España se estrenó con el título de "Muslo o pechuga" y en aquellos años era ese típico cine de carcajada para adolescentes que vista hoy día puede resultar algo decepcionante, algo muy normal que ha pasado con muchas películas en todas las épocas.
El tema principal empieza con un sonido muy de música clásica barroca, pasando inmediatamente a coger una base rítmica muy movida donde en este caso también toman el rimo de la melodía como solistas un coro de voces y una trompeta. Una música de comedia con una calidad indiscutible.





En el año 2013, Vladimir Cosma ofreció un concierto en uno de los templos del cine en Francia, el Grand Rex de París, el cine más grande de Europa, un edificio de los años 30 de estilo "art deco", que alberga una sala impresionante para proyecciones y conciertos y que forma parte del inventario de monumentos de la ciudad.

Entre los temas del programa se encontraban la música de "Le bal des casse-pieds" y de "L'aile ou la cuisse".


Una de las características de la música de Vladimir Cosma es la generosidad que tiene para dar ocasión de lucimiento a los instrumentos solistas y a sus buenos interpretes.

En esta ocasión y para estos dos temas, Cosma dirigiendo a la Grand Orchestre Philharmonique, se acompaña de Marius Preda con el címbalo (un instrumento de cuerda de origen gitano muy utilizado en Hungría el país de nacimiento del compositor), Dimitri Smirnov al violín, Emil Bizga a la trompeta y Greg Zlap con la harmónica.
Es impresionante el duelo interpretativo de estos geniales instrumentistas con la complicidad del propio compositor dirigiendo la orquesta, que nos dejan para el deleite de los oídos y también de la vista, unos de esos momentos sublimes que pocas veces se pueden vivir en un escenario tan majestuoso como este. 
Como decía antes, esta música se mete en el cuerpo, como se puede apreciar tanto en los músicos de la orquesta, los instrumentistas solistas y el propio compositor, y con ese ritmo no se puede parar. 
Una auténtica pasada.




miércoles, 12 de octubre de 2016

Juego de Tronos (Temporada 6) - RAMIN DJWADI

Hace unos meses comentaba en una de las entradas del blog, Las Series de TV y su Música (III) - Juego de Tronos, el impacto y la fuerza que había tenido la música compuesta por Ramin Djawadi para las cinco temporadas que había tenido este fenómeno televisivo hasta ese momento.

Partiendo de una melodía principal que aparece en la cabecera de cada capítulo, que se ha convertido en todo un éxito y que ha alcanzado un alto grado de popularidad, lo cierto es que el conjunto de las bandas sonoras que han aparecido para cada temporada han ido mejorando y confirmando el buen hacer de un joven compositor muy a tener en cuenta, un aventajado alumno de la factoría de jóvenes músicos amparados por el gran Hans Zimmer.

El estreno de la sexta temporada de la serie que a nivel televisivo está alcanzado unas cotas de calidad y seguimiento por parte de un público totalmente entregado como nunca ha ocurrido el el mundo de las series de televisión, se ha visto complementado en el apartado musical con una banda sonora excelente, la mejor sin duda de todas las temporadas. Pero es que sin desmerecer para nada la música de las anteriores temporadas, nos encontramos con una obra magnífica, genial en su conjunto y que va más allá de su buenísima y pegadiza melodía principal.

Ramin Djawadi ha compuesto para los grandes y espectaculares momentos que ha tenido la serie en sus diferentes capítulos, una serie de nuevas melodías que han conseguido dar mayor grandeza a las imágenes, consiguiendo lo que es el principal valor de una buena banda sonora: impactar de una manera que queden grabadas las escenas y la música que las acompaña.

Escenas como la siguiente, es el mejor ejemplo de ello:


Poco más se puede decir de la serie, a la que parece esperan todavía un par de temporadas, para deleite de su legión de seguidores, pero hay una cosa que está clara, Ramin Djawadi se ha puesto a sí mismo un listón muy alto, aunque sus seguidores que también somos muchos, nos intriga y nos apasiona pensar en las notas musicales que estarán rondando por su cabeza.

Títulos como los de los siguientes cortes de la banda sonora, "Blood of my blood", "Winter Has Come" o "The Winds of Winter", son tremendamente representativos y significativos para los que somos más que seguidores de esta gran serie y de su música, y suenan así:


martes, 20 de septiembre de 2016

La Música en el Cine de Edwige Fenech (II) - LA COMEDIA EROTICA

En las sesiones dobles de los cines en los años 70, las películas italianas de géneros como el spaguetti-western, el péplum, el giallo, y la comedia, copaban las carteleras de una manera muy significativa. Ante un público ávido de un cine de entretenimiento sin muchas pretensiones, este tipo de cine supo hacerse su hueco y el fenómeno como tal forma parte sin duda de la historia del cine moderno.

Dentro de la comedia y como un subgénero destacado está la "comedia erótica", un tipo de cine que surge en un momento en el que entre los cambios sociales que se produjeron en esa década, la denominada "revolución sexual" acabó con la censura que por causas morales se imponía en el cine desde su invención. Si bien es cierto que el cine también desde sus principios generó en todas sus épocas películas "eróticas", éstas siempre habían permanecido en la marginalidad y es a partir de los años 70 y sobre todo en la cinematografía italiana en esa fusión con la comedia, cuando el erotismo se integra en el cine comercial adquiriendo una gran popularidad. 
Y es así como en muchas ocasiones de una manera muy burda, la desnudez femenina de unas espectaculares actrices, mezclada con gag de humor de no siempre muy buen gusto, triunfó de una manera sorprendente entre el público de la época.

Entre ese grupo de espectaculares actrices brilló como ninguna Edwige Fenech.

Sin duda Edwige Fenech es una de las "maggioratas"  del cine italiano de los años 70, una de esas actrices que se impusieron en las pantallas de cine por su exhuberancia física, quizás con menos calidad interpretativa que las consideradas las más grandes como Gina Lollobrígida, Sofía Loren o Silvana Mangano, pero que cumplieron a la perfección en el genero de la "comedia erótica italiana".

Centrándonos en la música cinematográfica de este genero, también hay que destacar que los grandes maestros italianos de la banda sonora, compusieron bellísimas melodías para acompañar las escenas en las que estas impresionantes actrices mostraban esa desbordante sensualidad que las caracterizaba, consiguiendo en muchos de los casos aportar una dosis de calidad a estas películas, al menos en la parte musical.

LA COMEDIA EROTICA

"Il Ladrone" (1980), titulada en España "El buen ladrón", es una película dirigida por Paquale Festa Campanile y protagonizada por Enrico Montesano. Ambientada en Galilea en la época de Jesús de Nazaret, Caleb es un mago y ladrón de poca monta envuelto en miserables fechorías entre prostitutas, comerciantes, fariseos y romanos. En sus andanzas coincide con Jesús, al que sigue e intenta descubrir, que trucos hace para transformar el agua en vino y multiplicar los panes y los peces, pensando que ha encontrado a un competidor más hábil que él. Cuando al final decide abandonar su vida de vagabundo y se une a Deborah, una prostituta bendecida por Jesús, para formar un hogar, es detenido por un antiguo delito y condenado a ser crucificado junto a Cristo.

La banda sonora es del maestro Ennio Morricone, un trabajo magnífico donde junto a un tema central con tono de comedia, aparecen algunos temas melódicos de una gran belleza.




"Grazie... Nonna" (1975), traducida como "Gracias... abuelita", dirigido por Marino Girolami es uno de estos clásicos de la comedia italiana. Cuando un telegrama llega a casa de los Persichetti avisando de la llegada de la segunda esposa del abuelo fallecido, su hijo y sus dos nietos acuden al aeropuerto esperando encontrar a la abuelita, quedando atónitos al verla llegar. No es para menos cuando quien aparece es una despampanante y encantadora Edwige Fenech. 

Con música de Enrico Simonetti, nos encontramos con uno de esos temas alegres y movidos muy de los años 70, con una divertida base rítmica y un buen arreglo orquestal.





"Quel Gran Pezzo Dell'Ubalda Tutta Nuda E Tutta Calda" (1972), traducida en español como "La pícara y ardiente Ubalda", es otro clásico del género y más concretamente de lo que se denominó "decamerótico", término utilizado para agrupar una serie de películas italianas con fondo erótico ambientadas en la época medieval con referencias al clásico de la literatura "El Decamerón". 
Dirigida por Mariano Laurenti, el título lo dice todo y nos podemos hacer una idea quien es Ubalda.

Obviando la calidad y argumento de la película, nos encontramos con otra buenísima banda sonora de otro de los grandes de la música cinematográfica italiana, Bruno Nicolai. Una música magnífica que solo por su existencia vale la pena el haber rodado películas como esta, como se puede apreciar en este tema que cuenta con la participación del coro "I Cantori Moderni di Alessandro Alessandroni" omnipresente en muchas de las mejores bandas sonoras italianas de la época.





Estos son solo tres ejemplos de las películas de este género que Edwige Fenech ha dejado para el disfrute de una actriz bellísima con un cuerpo espectacular, que triunfó en una época en la que el cine era así.

miércoles, 18 de mayo de 2016

La Música en el Cine de Edwige Fenech (I) - EL "GIALLO"

Una parte del cine italiano de entretenimiento de lo que se podría considerar serie "B", que se hizo sobre todo en la década de los 70, creo que contiene dos características muy significativas. Por una parte una colección de magníficas bandas sonoras de los grandes maestros italianos de la música para el cine y por otra el haber contado en alguna de esas películas con la impresionante Edwige Fenech.

Aprovechando esta coincidencia, me gustaría hacer un repaso por algunas películas en las que intervino, la que algunos consideramos uno de los grandes mitos eróticos de la historia del cine italiano.

Y es que Edwige Fenech sin ser una gran actriz, ni participar en ninguna película que haya pasado a los anales del cine, tuvo la habilidad de enamorar a un público (ciertamente, solo masculino) que en esa época fue consumidor de un cine sin más pretensiones, en los que coincidía una cara bonita, un cuerpazo espectacular y unas situaciones cómicas o de terror que vistas hoy resultan bastante absurdas y muy burdas, pero que en aquel momento causaban auténtico furor.


Dentro de este cine de serie B, surgen dos subgéneros en los que Edwige Fenech tuvo una participación principal, el "giallo" o cine de intriga criminal erótico y la "comedia erótica". En ambos casos ella encarnó el término erótico en todo su esplendor y su sola presencia ya hace interesante cualquiera de estas películas.

EL "GIALLO"




Dentro del "giallo" (amarillo en italiano y que hace referencia al color de las cubiertas de unas novelas policiacas baratas editadas en los años 30 de las que estas películas tomaron muchas de sus referencias) Edwige Fenech interpretó algunas de las más famosas películas de este género, que al margen de su mayor o menor calidad cinematográfica, si es incuestionable que contienen unas maravillosas bandas sonoras como los tres ejemplos que comento a continuación:



"Lo Strano Vizio della Signora Wardh" (La Perversa Señora Wardh) (1970), fue la primera incursión en el género de Sergio Martino, director que sería uno de los principales representantes del "giallo". El argumento gira entorno a una historia de intriga criminal, salpicada de alto contenido erótico que hoy día parece risible, pero que en aquella época encarnado en una belleza como Edwige Fenech, era lo más. 
La señor Wardh del título, es perseguida por un asesino psicópata por las calles de Venecia, en una trama en la que se ve envueltos como sospechosos, su ex marido, su ex amante y su nuevo amante. En resumen un film entretenido que es un buen ejemplo del género.



La banda sonora es obra de Nora Orlandi, una compositora italiana con una escasa pero muy interesante obra, que hizo en esta película uno de sus mejores trabajos. La bellísima melodía principal que se repite en varios estilos y a diferentes ritmos, es una música creada y dedicada para su protagonista y así el nombre "Edwige" aparece en algunos de los cortes de la banda sonora, como este "Slow with Edwige":





"Il Tuo Vizio E Una Stanzia Chiusa E Solo Io Ne Ho La Chiave" (Vicios Perversos) (1972), es también obra de Sergio Martino, que en esta ocasión adapta "El gato negro" un relato de Edgar Allan Poe, en donde un escritor alcohólico en crisis creativa y su mujer a la que maltrata continuamente, se ven envueltos en una serie de asesinatos de mujeres cercanas a él. En esta ocasión la historia resulta algo menos efectiva pero contiene todos los clichés del género y como no, Edwige Fenech aparece bellísima mostrando su mejor faceta erótica.


En esta ocasión la banda sonora es del maestro Bruno Nicolai, que nos deja una obra genial, que resulta una delicia con ese sonido de música barroca tan característico suyo:





"Perché Quelle Strane Gocce Di Sangue Sul Corpo de Jennifer?" (Las Lágrimas de Jennifer) (1972) es obra de Giuliano Carnimeo que firmaba sus películas habitualmente con el seudónimo de Anthony Ascott, un director especializado en "spaghetti western", que en esta ocasión resuelve notablemente un giallo que vuelve a contar con la interpretación de lujo de la actriz. En ella Jennifer, una modelo de turbio pasado, comienza a ser acosada por un misterioso asesino, tras ocurrir varios asesinatos en un edificio de apartamentos donde vive.
Un competente thriller, que no aburre y que ofrece una abundante carga de violencia y sexo para satisfacer a los más ardientes fans de este género.

La banda sonora es obra también de Bruno Nicolai, en otro de sus geniales trabajos que mezcla la música suave y el sonido del thriller con bellísimas melodías como esta para acompañar las secuencias de una Edwige Fenech maravillosa:





Este último video es un perfecto resumen de lo que la actriz aportó al giallo, donde se aprecia a una increible, sexy y elegante Edwige Fenech en todo su esplendor.

domingo, 24 de abril de 2016

La Teoría del Todo - JÓHANN JÓHANNSSON

De un personaje como Stephen Hawking era indudable que el cine le dedicara en cualquier momento un merecido biopic. Una de las mentes más impresionantes que ha dado la humanidad, por sí solo y por los logros científicos a los que han contribuido sus teorías sobre el universo lo hacen merecedor de una recreación de su vida, pero si además a ello se une, su penosa enfermedad y la dramática historia de amor con su primera esposa, la cosa tiene un especial interés cinematográfico.

Basándose especialmente en esta parte de su vida, "La Teoría del Todo" dirigida por James Marsh, desarrolla el libro de memorias de Jane Hawking, desde que se conocieron en la universidad a mediados de los sesenta hasta su separación.
Una historia marcada por la mirada de Jane, sobre una relación que fue poco a poco transformándose y que a medida que Stephen fue deteriorándose físicamente y su fama académica encumbrándolo a lo más alto, surgieron cosas que pusieron a prueba su relación y alteraron para siempre la vida de ambos.

La "Teoría del Todo" nos mete de lleno en la vida privada de Stephen Hawking, en sus relaciones personales y su enfermedad, más que en la grandeza de ese pensamiento que ha revolucionado la ciencia actual. La película en el fondo lo que quiere es acercarnos más a la persona, no al astrofísico y es aquí donde entra el melodrama con toda su fuerza, consiguiendo una obra intima y conmovedora, rodada con extrema elegancia.

La interpretación de sus dos protagonistas, Eddie Redmayne como Hawking y Felicity Jones como Jane es más que notable, con un gran duelo interpretativo en el que la actriz consigue tomar las riendas de la película en una igualada pugna con la magnífica transformación del actor para conseguir reflejar al deterioro físico del personaje. 
Es en el trabajo de ambos donde reside la verdadera fuerza de esta gran historia de amor.

Con un buen número de nominaciones y galardones en la mayoría de grandes premios y festivales cinematográficos, en los Oscar del año 2015, la película optó a cinco de ellos consiguiéndolo como no para Eddie Redmayne como mejor actor, confirmando como ya viene siendo habitual, el gusto de los miembros de la academia por las interpretaciones de personajes que consiguen superar su discapacidad.
El propio Hawking en un pase privado de la película, elogió con entusiasmo el impactante trabajo de Eddie Redmaine. De hecho el astrofísico no pudo contener las lágrimas y confesó que en algunos momentos se vio a si mismo, asegurando que la película retrata de manera honesta su matrimonio con Jane y su lucha para sacar a delante a sus hijos a pesar de su discapacidad.

En resumen, una estimulante y agridulce historia de amor, tratada con muy buen gusto que intenta ir más allá de un simple biopic al uso.

Entre los muchos logros de la película, la música compuesta por Jóhann Jóhannsson ha conseguido grandes alabanzas entre la crítica y nos presenta una banda sonora completa y de una gran belleza. 
La partitura del compositor islandés, innegablemente deja una muy marcada huella en la película, lo que le ha valido ganar el Globo de Oro a la mejor banda sonora original y competir muy dignamente con su nominación en los Oscar frente al gran Alexandre Desplat que fue el ganador con "El Gran Hotel Budapest" (en el que no es uno de sus mejores trabajos para mi gusto).
Con este trabajo Jóhannsson ha conseguido consolidar su faceta de compositor cinematográfico y se revela como un músico muy a tener en cuenta.
Una música que al igual que la película consigue ser elegante, arrebatadora y tremendamente conmovedora. Y como muestra los siguientes tres temas, el tema de introducción "Cambridge 1963", el tema de amor "The Wedding" y el tema final "Epilogue", fragmentos que no solo embellecen las imágenes de esta película sino que reflejan la esencia de un genio como Stephen Hawking y de la belleza que nos quiere transmitir con su idea del universo.