martes, 10 de diciembre de 2013

Sabrina - JOHN WILLIAMS (La Música Intimista de John Williams III)

Dirigida en 1995 por Sydney Pollack, "Sabrina" es un remake de la película del mismo título, de Billy Wilder del año 1954. Aunque las comparaciones son odiosas, esta revisión de una película mítica de una época en la que se hicieron algunas de las más grandes joyas de la historia del cine, es al menos una producción con cierto encanto que está avalada por un gran director y un acertado reparto.
Pollack perfectamente consciente de sus limitaciones consigue reproducir fielmente y con buen gusto el clásico, y aunque este tipo de historias no han funcionado nunca mejor que en aquellos años, al menos se deja ver con agrado y en algunos momentos aparecen ciertos destellos del glamour y el romanticismo del original. 

Sabrina (Julia Ormond) es la hija del chofer de una rica familia que desde niña ha estado enamorada de David (Greg Kinnear) el hijo menor de los señores, que se dedica a la buena vida, mientras Linus (Harrison Ford) el hermano mayor dirige los negocios de la familia. Tras unos años en Paris, Sabrina vuelve a la mansión convertida en una bellísima joven y desde el primer momento encandila a David que está decidido a casarse con ella, en contra de la opinión de la familia. Cuando Linus interviene para disuadir a Sabrina, empezarán a conocerse y ella descubrirá que a quien quiere realmente es a Linus.

De todo el reparto y a pesar de la belleza de Julia Ormond, quizás sea su papel el menos creíble, sobre todo si lo comparamos con la gran Audrey Hepburn que en el original bordaba un papel totalmente a su medida. Y si bien Harrison Ford está correcto en su papel, la gran revelación es Greg Kinnear que transmite el encanto, la seducción y el lado cómico que tiene su personaje.  

En resumen, una revisión de una gran comedia romántica sin muchas ambiciones, adaptada al gusto actual, que no gustará a los puristas pero que queda resultona.

En esta ocasión la partitura de John Williams con nominación al Oscar incluida, se ciñe perfectamente al romanticismo de esta historia y nos deja una de sus bellas melodías que introduce con el piano y que desarrolla orquestalmente de manera magistral. Una banda sonora con el mismo encanto y refinamiento que tiene la película y que en algunos momentos evoca la sofisticación y el espíritu del sonido de la época dorada de Hollywood.


Igualmente sofisticada es "Moonlight" la canción original de la banda sonora, interpretada por Sting, con música de Williams y letra de Alan & Marilyn Bergman, que igualmente tuvo una merecida nominación al Oscar.

jueves, 28 de noviembre de 2013

Presunto Inocente - JOHN WILLIAMS (La Música Intimista de John Williams II)

Adaptación de un reconocido best-seller de Scott Turow, "Presunto Inocente" es una película del año 1990 que tuvo un gran éxito comercial, avalada fundamentalmente por una excelente factura, un solvente reparto y un guión de los que enganchan desde el comienzo y que guarda un sorprendente final.

El fiscal Rusty Sabich (Harrison Ford), se convierte en el principal sospechoso de la violación y asesinato de una colega (Greta Scacchi) con la que mantiene una tórrida relación extramatrimonial. A pesar de que él se declara inocente todas las pruebas evidencian su culpabilidad, y así el sistema judicial al que pertenece y al que defiende por encima de todo, va a arruinar su vida profesional y sentimental.

Dirigida por un siempre efectivo Alan J. Pakula con larga experiencia en el thriller político, que alcanzó una merecida fama en los años 70 y 80 con películas como Klute o Todos los Hombres del Presidente, en esta ocasión consigue ir más allá del habitual drama judicial con dosis de thriller sexual y hace convincente sobre todo una historia de pasiones humanas.
El reparto encabezado por un siempre eficiente Harrison Ford en uno de los papeles más oscuros de su filmografía, se completa con un agradable hallazgo como es Greta Scacchi con un misterioso atractivo erótico y por otro lado una muy eficiente Bonnie Bedelia en el papel de la esposa y la participación de dos grandes veteranos como Raul Julia y Brian Dennehy
Una película muy entretenida  de la que podrían tomar nota muchos thriller de los que se hacen hoy día. Sin dudarlo, cien por cien recomendable.


La música del maestro John Williams, colabora perfectamente a crear esa atmósfera de intriga, misterio y tensión que tiene el film y se convierte en uno de sus elementos clave. Con una escasa instrumentación con el piano como motor de la melodía, el tema principal con el que se abre la película ya predispone a ver una historia de crimen, obsesión y traición con solo repetir unas cuantas notas. No se puede pedir más.

miércoles, 20 de noviembre de 2013

El Turista Accidental - JOHN WILLIAMS (La música intimista de John Williams I)

John Williams es sin duda el gran compositor de la música espectacular. Sus grandiosas fanfarrias y marchas ya han quedado asociadas a las más importantes películas fantásticas y de aventuras de la historia del cine, eclipsando a veces algunas bellísimas partituras de música más intimista para películas más sencillas como las que quiero comentar en los próximos post.



El Turista Accidental es una excelente películas dirigida por Lawrence Kasdan en el año 1988. La historia se basa en la novela homónima de Anne Tyler, un drama intimista de sentimientos profundos, que Kasdan adapta con gran maestría. Para esta ocasión el director volvió a contar con las estrellas protagonistas de su debut en la dirección "Fuego en el Cuerpo", William Hurt y Kathleen Turner. Salvando las distancias entre ambas historias, la química entre ambos actores vuelve a funcionar aunque la gran revelación fue la tercera interprete de la historia, una Geena Davis que brilla con luz propia y que supuso toda una revelación (con nominación al Oscar incluida).
Macon (William Hurt) es un aburrido escritor de guías de viaje para hombres de negocios que afronta una grave crisis en su matrimonio con Sarah (Kathleen Turner), que no es capaz de superar la muerte de su hijo en un accidente. Cuando ella decide separarse, aparece en la vida de Macon una extravagante joven, Muriel (Geena Davies) adiestradora de perros y madre soltera de un niño con multiples problemas. Muriel es totalmente opuesta a todo lo que rodea a Macon, pero cambiará por completo su vida. Ella que a pesar de sus problemas no ha renunciado a su felicidad, le ayudará a seguir adelante, y aunque la tristeza no desaparecerá, al menos volverá a la vida.

La película estuvo nominada a cuatro Oscar, incluyendo a la mejor película y mejor banda sonora, y aunque no consiguió ninguno, recibió muy buenas críticas y tuvo un notable éxito de público. Una de esas películas que consigue conectar con el espectador y que deja una agradable sensación.


Perfectamente integrada en la película, John Williams crea una partitura de marcado tono romántico que consigue transmitir toda la carga de sensibilidad que tiene esta historia, describiendo con su música la gran complejidad emocional de los personajes.
El tema principal con unas sencillas notas al piano es exquisitamente elegante y de gran belleza, digno de encontrarse entre sus mejores trabajos. Una música que te transporta a un universo de emociones al igual que lo hace esta magnífica película.


sábado, 2 de noviembre de 2013

Cruzando la Calle (Crossing Delancey) - PAUL CHIHARA

Sin llegar a ser una gran película, "Cruzando la calle" (Crossing Delancey) tiene el encanto de las comedias costumbristas tan de moda en el cine americano que se hacía en los años 80. 

Adaptación de la obra teatral de la propia guionista del film, la historia ambientada en la comunidad judía de Nueva York, nos presenta a Isabelle (Amy Irving), una atractiva mujer de 33 años que ama su independencia por encima de todo. Isabelle es inteligente, culta y tiene un buen trabajo en una librería donde se codea con escritores y gente interesante, pero todavía es soltera, algo que su abuela, a la que visita a menudo se ha empeñado en arreglar. Con la idea de que conozca a un buen hombre y siente la cabeza de una vez su abuela con la ayuda de una amiga casamentera deciden buscar al hombre perfecto para su nieta. La solución parece ser Sam (Peter Riegert), propietario de una tienda de pepinillos, alguien que a priori no encaja en el tipo de hombre que podría ser idóneo para Isabelle.

Aunque cinematográficamente no es gran cosa, muy cercana a los típicos productos tipo telefilm que se hacen hoy día, es una historia con cierto encanto con momentos de comedia romántica agradable, sobre todo para quien le guste este tipo de cine y que tuvo un inesperado éxito cuando se estrenó.

La banda sonora es obra del compositor Paul Chihara, un músico americano de ascendencia japonesa con una extensa obra clásica, que además ha trabajado en el mundo de la televisión y el cine. Esta banda sonora es de sus obras más conocidas y nos presenta una partitura muy romántica basada sobre todo en un tema principal al piano que recuerda mucho al estilo de Dave Grusin. 


La banda sonora también contiene una canción principal, "Come Softly To Me" un gran éxito de la música "dudua" de los años 50, que se repite a lo largo del metraje en diferentes versiones, como esta del grupo The Roches:

domingo, 20 de octubre de 2013

Frantic (Frenético) - ENNIO MORRICONE

Durante los años 80 y tras su exilio forzoso en Francia, Roman Polanski rodó varias películas de género con las que empezó una nueva etapa en su filmografía. Tras "Tess" un melodrama romántico y "Pirates" un acercamiento a las clásicas cintas de piratas, en 1988 Polanski rueda "Frantic" una película de intriga y suspense al más puro estilo Hitchock.

Partiendo del concepto del "MacGuffin" que el maestro utilizó tanto en su cine, la historia nos presenta al doctor Richard Walken (Harrison Ford) que se encuentran en Paris junto a su esposa para asistir a una conferencia, aprovechando el viaje para rememorar su luna de miel. Esta situación tan normal se complica misteriosamente con la desaparición de la esposa sin causa alguna. A partir de este momento, y ante la pasividad de la policía y de su propia embajada, el doctor Walken comenzará por su cuenta una búsqueda desesperada en un país que desconoce y cuyo idioma ignora, adentrándose en el submundo parisino siguiendo una pista que le llevará a contactar con una atractiva joven (Emmanuelle Seigner). A partir de ahí la trama se irá complicando hasta convertirse en una auténtica pesadilla, con terroristas árabes y agentes de inteligencia israelíes intentando hacerse con un dispositivo capaz de detonar un arma nuclear.

Harrison Ford en un papel que recuerda al Cary Grant de "Con la muerte en los talones", se mete perfectamente en el papel del hombre corriente metido en una situación que le desborda, pero que como los héroes del cine de Hitchock será capaz de enfrentarse a cualquier situación adversa.

Roman Polanski logra un thriller comercial de un alto nivel, muy entretenido y con un buen guión que logra cautivar al espectador desde el primer momento.


Ennio Morricone compone una magnífica partitura donde utiliza en el tema principal el sonido electrónico del bajo eléctrico para marcar la sensación de tensión y suspense. Igualmente el maestro italiano crea otros temas con un tono más melancólico y triste, como podemos apreciar en en los títulos finales con el uso del acordeón en una clara alusión al trasfondo parisino de la historia.

Una música que crea en gran parte la atmósfera del film y que como la misma película, resulta "frenética".




viernes, 4 de octubre de 2013

La Música de Francis Lai (III) - LE PASSAGER DE LA PLUIE / MARIE: A TRUE STORY

Fiel a su estilo, la música de Francis Lai con ese tono tan romántico es capaz de integrarse en películas de géneros tan dispares como el thriller o el drama con tintes políticos, como en el caso de los films que comento hoy.

"Le Passager de la Pluie" (El Pasajero de la Lluvia), es un thriller psicológico francés del año 1970 dirigido por Rene Clement. La historia nos presenta a una atractiva joven que se ve envuelta en un terrible suceso con un misterioso desconocido que la asalta con fatales consecuencias. La situación se resolverá aunque arrastrando un secreto que alguien parece conocer, un oficial del ejercito americano que aparece misteriosamente. 
Marlene Jobert, en el papel protagonista lleva todo el peso de la carga dramática y de suspense de la película, acompañada por Charles Bronson, en uno de sus habituales papeles de duro, como reclamo comercial y cabeza de cartel para el lanzamiento de la cinta a nivel internacional. La película tuvo un notable éxito, consiguiendo el globo de oro a la mejor película extranjera ese año y puede considerarse un curioso thriller con un aire de cine "negro" clásico. 

Francis Lai compone una partitura ligera y romántica, en la que destaca el tema "La Valse du Mariage", un precioso vals con un aire melancólico que es uno de sus grandes temas. Como bien es sabido Lai es también un gran compositor de canciones y para esta ocasión la banda sonora contiene una versión vocal del tema principal en la voz de Severine, una joven cantante francesa de la época.




Marie: A True Story, es una producción norteamericana del año 1985 dirigida por Roger Donaldson, basada en hecho reales. La historia de Marie Ragghianti una mujer que tras superar muchas dificultadas para sacar adelante a su familia (el divorcio de un violento marido y la enfermedad crónica de su hijo pequeño), consigue estudiar y salir adelante convirtiéndose en ayudante del gobernador de Tenneessee. Sin embargo tras descubrir un gravísimo caso de corrupción tendrá  que enfrentarse a un sistema del que forma parte, que le hará la vida imposible. La crítica destacó sobre a su protagonista Sissy Spacek, en un papel con una gran carga dramática.

Igualmente para la ocasión, Lai en una de sus habituales colaboraciones en el cine norteamericano compone una música brillante y muy melancólica con una melodía cargada de una gran sensibilidad, como se puede apreciar en este tema:



sábado, 21 de septiembre de 2013

La Música de Francis Lai (II) - THE GAMES / MADAME CLAUDE II




En su larga trayectoria profesional, con más de 100 bandas sonoras de películas compuestas, Francis Lai ha abarcado casi todos los géneros cinematográficos, aportando su estilo personal y consiguiendo temas tan maravillosos como los dos que voy a comentar hoy.

"The Games", titulada en España "La Prueba del Valor" es una película del año 1970 dirigida por Michael Winner y protagonizada por Michael Crawford, Ryan O´Neal y Charles Aznavour. La película, un drama deportivo ambientada en los Juegos Olímpicos de Roma de 1960 nos presenta la historia de cuatro atletas que participan en la maratón con diferentes historias personales: un inglés con un entrenador muy exigente, un norteamericano que participa pese a sus problemas de salud, un checo que busca la gloria para su país y un australiano aborigen que busca salir de la miseria y reivindicar a su pueblo. 

La música compuesta por Francis Lai para esta historia refleja perfectamente la emoción propia de la competición deportiva y las situaciones de cada uno de los personajes, como en el tema que he elegido, "Vendek Theme", una composición magnífica con ese estilo tan particular suyo. 




La siguiente película es "Madame Claude II", película francesa de género erótico del año 1981 dirigida por François Mimet. La película, secuela de "Madame Claude" (1977, Just Jaeckin) pretendía generar otra saga dentro de este género tan popular en los años 70 y 80 al estilo de "Emmanuelle",  y estaba basada en la historia real de Madame Claude, una poderosa dueña de uno de los burdeles más famosos de la historia por haber acogido a personajes acaudalados y famosos. Un drama erótico al uso sin muchas pretensiones y que no deja de ser una mala película, con la única salvedad de la música de Francis Lai.

Como ya ocurriera con la segunda parte de Emmanuelle, Lai compone una magnífica banda sonora con temas tan extraordinarios como "Amour, Delices et Violoncelle", una evocadora y sensual melodía con el violonchelo como solista, que es una delicia. 



domingo, 15 de septiembre de 2013

La Música de Francis Lai (I) - UN HOMME QUI ME PLAIT / DISPERATAMENTE GIULIA

Francis Lai es uno de mis compositores preferidos. Como comenté en mi primera entrada de este blog, la banda sonora de "Un hombre y una mujer" fue el primer disco de música cinematográfica que compré hace ya muchos años, un viejo vinilo que escuché cientos de veces y que fue uno de los "culpables" de mi afición por la música de cine. 
Autor de un buen número de bandas sonoras muy famosas y tremendamente populares (Love Story, Un hombre y una mujer, Bilitis, Vivir para vivir, Los unos y los otros, etc.) es quizás, unos de los grandes artífices del romanticismo en la música para el cine y domina la melodía como pocos; de una manera sencilla, pero mágica. En las siguientes entradas me gustaría comentar algunas de sus composiciones, que aunque menos conocidas son solo un pequeño ejemplo de la calidad de este gran compositor. 

"Un Homme qui me Plait", es una película francesa del año 1969 dirigida por Claude Lelouch, director con el que Francis Lai ha estado ligado en buena parte de su carrera, desde que colaboraran con tan gran éxito en "Un hombre y una mujer". La película una historia romántica con el cine dentro del cine como telón de fondo, nos presenta la historia de una conocida actriz francesa (Annie Girardot) que a su llegada a Estados Unidos para el rodaje de una película, se enamora del compositor de su misma nacionalidad encargado de hacer la banda sonora (Jean-Paul Belmondo). En ese ambiente del rodaje en un país que les es ajeno en su forma de vida y costumbres, vivirán una apasionada historia de amor e infidelidades.
"Concerto pour la fin d´un amour" es uno de los temas principales de la banda sonora, una melodía romántica con el piano como protagonista, que es una maravilla. 



"Disperatamente Giulia" es una miniserie de televisión italiana del año 1989, dirigida por Enrico Maria Salerno y protagonizada por Tahnee Welch y Fabio Testi. Drama sentimental basado en una novela que había sido un best-seller en Italia, narra la historia de amor de Giulia con un joven que la rechazará para casarse con una rica heredera, y aunque conseguirá reencontrase con su gran amor años más tarde, el destino y la historia familiar de ambos les llevarán a un dramático final.
La música de Francis Lai, basada en un sencillo tema principal acompañado por el suave tarareo de una voz femenina, es tremendamente melancólico y romántico y de una gran belleza. Una música perfecta para acompañar una historia de amor como esta.


Una música muy "azucarada", que a algunos les podrá resultar algo empalagosa, pero al fin y al cabo....... "el amor es así".

jueves, 5 de septiembre de 2013

Dans Le Maison ("En la Casa") - PHILIPPE ROMBI

"Dans La Maison" (En la Casa), es una de esas gratas sorpresas cinematográficas a las que nos tiene acostumbrado el cine francés en los últimos años. Ya sea en el drama, la comedia o el thriller, lo cierto es que un buen número de producciones francesas han logrado enormes éxitos no solo en su país, si no que han logrado conquistar el mercado internacional. Todo ello avalado por un enorme éxito de taquilla y el reconocimiento de los más importantes premios cinematográficos.

Dirigida por François Ozon, "Dans La Maison" es una producción del año 2012 que se mueve entre el drama y la intriga, cuyo guión es una adaptación de la obra "El chico de la última fila" del dramaturgo español Juan Mayorga, uno de los autores teatrales actuales más interesantes. La historia que nos cuenta es un entretenido y hábil juego entre la literatura y la vida. Un profesor de literatura francesa desencantado con sus alumnos, descubre que el chico que se sienta al fondo de la clase muestra en sus trabajos de redacción un agudo y sutil sentido de la observación, lo que le lleva a sentir una extraña fascinación por la historia que relata, la vida de la familia de uno de sus compañeros. El profesor atraido por la calidad de sus escritos e intrigado por la historia que cuenta, en la que es difícil distinguir entre realidad y ficción, animará a su alumno a seguir con su relato, y lo que empieza como un juego ilusionante se convertirá en una obsesión casi enfermiza con trágicas consecuencias. 
Dirigida de forma singular y brillante, consigue intrigar al espectador, con un guión bien hilado y un argumento absorbente, donde se va creando una atmósfera que consigue mantener al público pegado al asiento. Una verdadera oda al voyeurismo en la que queda patente esa irresistible atracción por conocer "la vida de los otros", como queda patente en la última escena de la película en un claro guiño a "La Ventana Indiscreta". 
La historia se sustenta en buena medida en las actuaciones de todo el reparto, que lo hacen realmente bien, y en la que destacan los dos protagonistas, Fabrice Luchini como el intrigado profesor y Ernst Umhauer como su alumno.
La película ha sido la última Concha de Oro del Festival de San Sebastián y se ha convertido en una de las cintas más originales e inteligentes del cine europeo del pasado año.

Para la banda sonora François Ozon vuelve a contar con la colaboración de Philippe Rombi, en lo que parece se va a convertir en uno de esas grandes asociaciones director-compositor tan habitual en el mundo del cine. 
La banda sonora transmite perfectamente ese tono de intriga que tiene la historia, y los temas que Rombi ha creado, aportan un clima sonoro hipnótico y perturbador que refuerza el misterio de la película. Una música que al igual que la película resulta sobria, elegante y refinada con momentos verdaderamente inquietantes.
Estos son los dos temas principales de la banda sonoro, el tema inicial y el tema final, dos melodías de una gran belleza con una orquestación magnífica y con la participación al piano del propio Rombi, que como suele ser habitual en sus bandas sonoras, compone, orquesta dirige e interpreta. Un músico absoluto que me ilusiona y me gusta mas con cada nueva banda sonora.


domingo, 14 de julio de 2013

Summer of 42 - MICHEL LEGRAND ( ..... y felices vacaciones de verano)

Atendiendo a las fechas en las que estamos, no se me ha ocurrido mejor tema para cerrar durante unas semanas por las vacaciones, que uno de los más bellos temas compuestos por Michel Legrand para "Summer of 42", película del año 1971 dirigida por Robert Mulligan. 

Merecidamente la banda sonora ganó el Oscar y se ha convertido en uno de los grandes clásicos de la música romántica. Versionado tanto en su versión instrumental como vocal en infinidad de ocasiones, es de esas melodías mágicas que ha quedado ligada a esa triste pero tan hermosa historia de amor de verano.

Una delicia de película y de música.  FELIZ VERANO.

domingo, 16 de junio de 2013

El Minimalismo en la Música de Cine (III) - El Porqué de las Cosas (CARLES CASES)

Mi tercera elección de música minimalista en el cine, es la banda sonora compuesta por Carles Cases para la película "El porqué de las cosas"

Dirigida por Ventura Pons en el año 1995 y basada en un libro de Quim Monzó, uno de los máximos representantes de la narrativa escrita en catalán, la película adapta los diferentes relatos que componen su obra "El perquè de tot plegat". A través de quince episodios con títulos como amor, fe, duda, celos, ego, pasion, deseo,..., que no dejan de ser quince pasajes de vida, Ventura Pons nos muestra varios ejemplos del comportamiento humano, centrándose sobre todo en las relaciones sentimentales, conformando una película con cierto aire de minimalismo.

La aportación de Carles Cases en la banda sonora es el complemento perfecto al desarrollo de todas esas pequeñas historias, y nos encontramos con una partitura al más puro estilo minimalista en unas composiciones repetitivas para describir cada uno de los temas que se abordan en los diferentes episodios.

Los siguientes son los temas "Voluntat" y "Dubte" que pertenecen a los episodios del mismo título con los que se abre y cierra la película, y cuyo sonido desde las primeras notas no deja lugar a dudas: minimalismo puro.


Nos encontramos pues, ante una magnífica banda sonora de uno de los más interesantes y brillantes compositores del panorama nacional, y del que también os recomiendo la bellísima música de "Amic, amat" otra colaboración con Ventura Pons que ya comenté en un post anterior : 

sábado, 8 de junio de 2013

El Minimalismo en la Música de Cine (II) - The Hours (PHILIP GLASS)

Mi siguiente comentario sobre música minimalista en el cine, es la banda sonora compuesta por Philip Glass para "Las horas" (The Hours) película del año 2002 dirigida por Stephen Daldry.

"Las horas" es una adaptación de la novela homónima del dramaturgo Michael Cunningham, ganadora del premio Pulitzer en 1999.
Partiendo de un relato literario tan importante y teniendo en cuenta que no es una historia fácil, el traslado del papel a la pantalla se resuelve de una manera muy correcta y muy sólida.
Toda la historia transcurre en un solo día, abordando tres relatos de tres mujeres diferentes, en diferentes épocas y generaciones, aparentemente desconectados entre si que poco a poco interactúan dando sentido a todo lo que ocurre en sus vidas. La conexión entre ellas es la novela de Virginia Wolf, Mrs Dalloway, siendo el personaje de la propia Virginia Wolf (Nicole Kidman) la protagonista de la primera de las historias en la etapa en la que escribió esa novela. La segunda historia aborda la vida de una infeliz esposa  (Julianne Moore) que lee el libro en 1951; y por último la historia actual de una editora homosexual neoyorquina (Meryl Streep) que como una Mrs Dalloway moderna cuida a un amigo escritor enfermo de sida al que está preparando una fiesta por un premio literario que le han otorgado.
Tres mujeres que comparten sus anhelos y sus miedos y cuyo destino está unido de alguna manera incierta.

Un magnífico reparto muy bien dirigido, una coherencia narrativa imponente, una sólida realización técnica y una banda sonora excelente componen una gran película, que consiguió un importante éxito avalado por un buen número de nominaciones y premios internacionales. Entre sus nueve nominaciones a los Oscar (incluyendo la banda sonora), Nicole Kidman lo consiguió en el apartado a mejor actriz, con una interpretación portentosa como Virginia Wolf y con una caracterización sorprendente que la hacía prácticamente irreconocible, en la que seguramente sea su mejor interpretación hasta la fecha.

Philip Glass es otro de los más importantes compositores de música minimalista, a pesar de que el mismo siempre ha rehusado encuadrarse en este movimiento musical. Pero es evidente que su música, y el así lo ha reconocido se basa en estructuras repetitivas, una de las características principales del minimalismo. 
Para "Las horas", Glass compone una música que enlaza perfectamente entre las diferentes historias, que va avanzando a través del tiempo y el espacio mientras las historias se mezclan. En esta ocasión el minimalismo se basa en unas suaves melodías que identifican perfectamente las sensaciones y los estados de ánimo presentes en cada una de las historias.

El siguiente tema es el que abre la banda sonora "The Poet Acts", donde se presenta la melodía principal con el violonchelo como solista. 


El segundo tema es "The hours", el tema que a modo e epilogo cierra el album. En esta ocasión el piano es el protagonista, en un ejemplo de pura delicadeza y minimalismo.


Una música bellísima hecha a medida para esta gran película.

domingo, 2 de junio de 2013

El Minimalismo en la Música de Cine (I) - El Cocinero, El Ladrón, Su Mujer y Su Amante (MICHAEL NYMAN)

El minimalismo como movimiento cultural y artístico surgido en los años 60 y aplicado por primera vez en el mundo de la pintura y el diseño, tuvo rápidamente también su desarrollo en el mundo de la música. Muchos de los compositores que empiezan a formar parte de este movimiento, como Michael Nyman, Philips Glass, Wim Mertens o Yann Tiersen han realizado buena parte de su trabajo para el cine y de ahí han surgido magníficas bandas sonoras que han contribuido a marcar de una manera especial a las películas de las que forman parte.

"El cocinero, el ladrón , su mujer y su amante"  del año 1989 dirigida por Peter Greenaway, es una de las películas más destacadas de la filmografía de este controvertido cineasta, una de las figuras del "cine de autor" que se ha movido siempre en propuestas visuales que rozan el exceso. En este caso Greenaway firma una inclasificable historia en torno a la comida, el amor y el erotismo, no apta para paladares sensibles, que como suele ser habitual en su filmografía levanta tanto odios como pasiones. Lo que si que hay que destacar es todo lo referente a la estética del film, un cuidadoso tratamiento de la luz y una magnífica escenografía, con planos en los que todos los detalles están cuidadosamente colocados como si la propia escena fuera un cuadro.

La música para la banda sonora de esta película compuesta por Michael Nyman es el más claro ejemplo de música minimalista. Nyman ha desarrollado una estrecha colaboración con Peter Greenaway desde sus inicios, y su música forma parte de manera indiscutible de  esas extravagantes imágenes que componen sus películas. El tema principal de esta película es fantástico, una musica que como la propia película, roza el exceso y que a pesar de su extensa duración te engancha desde el primer compás. Una música que cumple a rajatabla las características que se aplican a este movimiento musical: repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un periodo largo de tiempo y manteniendo un pulso constante. Minimalismo cien por cien, en 12 minutos de puro disfrute musical.

martes, 28 de mayo de 2013

Las Amistades Peligrosas - GEORGE FENTON

De entre las distintas adaptaciones pare el cine y la televisión que se han hecho de la famosa novela escrita por Pierre Chloderlos de Laclos publicada en 1782, Les Liaisons Dangereuses, la versión rodada en 1988 por Stephen Frears, merece estar, sin duda, en esas listas que habitualmente se hacen de las mejores películas de la historia del cine. 
Tomando como base la adaptación teatral que con gran éxito había realizado el escritor, guionista y también director de cine inglés, Christopher Hampton, Las Amistades Peligrosas es una de esas películas redondas y una obra maestra absoluta. 
Lujo, seducción, erotismo y venganzas al más alto nivel se dan cita en este espléndido drama de época ambientado a finales del siglo XVIII.
La Marquesa de Merteuil (Glenn Close) y el Vizconde de Valmont (John Malkovich), que en tiempos habían sido amantes, se mueven como pez en el agua en un ambiente de lujo, ocio y perversión tan propio de la alta aristocracia en los años previos a la Revolución Francesa. Dos seres perversos, amorales y depravados capaces de cualquier cosa para conseguir sus propósitos.
Con el objeto de vengarse de su último amante, la marquesa de Merteuil convence a su viejo amigo Valmont para que seduzca a la joven prometida de este y así no pueda casarse con honra. En este juego de traiciones y venganzas se verá también involucrada de manera dramática Madame de Tourvel (Michelle Pfeiffer), una piadosa y virtuosa mujer casada a la que Valmont está intentando conquistar y de la que verdaderamente se enamorará. La trama de venganza, celos y maquinaciones llevará a los personajes a un dramático final en el que cada uno pagará por sus pecados y encontrará su merecido castigo. En el caso de la marquesa de la manera más cruel posible para ella, el desprecio de su ambiente social en una secuencia final de la película, antológica.
GlennClose y John Malkovich están enormes en sus papeles, y nos brindan unas actuaciones memorables, junto a una comedida Michelle Pfeiffer que irradiaba toda la belleza, dulzura y fragilidad de su personaje, a la que verdaderamente se le sentía sufrir mientras Valmont le replicaba ..."no puedo evitarlo", tras romper su relación después de haberla seducido.
Injustamente tratada en los Oscar de ese año, de sus siete nominaciones incluyendo película, mejor actor y mejor actriz (que hubieran sido merecidísimos)  solo recibió tres premios menores, dirección artística, vestuario y guión adaptado, que verdaderamente supieron a poco.
En definitiva, una excelente película, recomendable cien por cien, que me encanta.

Aun tratándose de una producción norteamericana, de entre la parte del equipo de origen ingles, nos encontramos con George Fenton en la composición de la banda sonora. 
Junto a un buen número de temas clásicos de música barroca, Fenton crea una obra magistral adaptada al estilo musical de la época en la que transcurre la historia, con el uso de la orquesta y la instrumentación típica del barroco, como el clavecin y el órgano. 
Los dos siguientes temas son el "Tema principal" con el que se abre la película con unos compases iniciales espectaculares, que dan paso a un suave adagio sobre las imágenes que nos muestra a la marquesa de Merteuil y al vizconde de Valmont mientras se arreglan ayudados por su corte de sirvientes. Y el segundo tema el dedicado a "Madame de Tourvel", una música que describe perfectamente la delicadeza del personaje.

 

Y como supongo que ya no voy a chafar el final a nadie y además.... "no puedo evitarlo", esta es la excepcional escena final.

domingo, 19 de mayo de 2013

Iron Man 3 - BRIAN TYLER

El filón que ha encontrado el cine con los heroes de Marvel está consiguiendo en los últimos años llenar las salas, por una parte de aquellos que por una edad leyeron ávidamente los comic en su época y que imaginaron siempre como quedarían en la pantalla grande y por otra la de una buena parte de los jóvenes de nuestros días que han descubierto la fascinación que ejercen estos personajes con el uso de la magia digital, los efectos especiales y el 3D.
Entre todos los personajes Marvel que han visto sus hazañas trasladadas al celuloide, Iron Man ha conseguido enganchar al gran público de una manera especial. La buena acogida de las dos primeras películas se ha visto confirmada con el éxito del estreno de la tercera parte consiguiendo batir los records de recaudación en los primeros días de exhibición en todo el mundo. 
Sin entrar a valorar la calidad cinematográfica de películas como esta, lo que si que hay que reconocer es que son un puro entretenimiento que para empezar no está mal. Las nuevas aventuras del industrial playboy, egocéntrico y socarrón Tony Stark, nos muestran a un personaje más humanizado que parece empieza a controlar mejor su condición de héroe, sin dejar de verse envuelto en una vorágine de peleas con el villano de turno, explosiones y efectos especiales llevados al límite.
A destacar como en las dos entregas anteriores  la interpretación de Robert Downey Jr. en un papel hecho a su medida, que marcó su recuperación para el cine y que junto al nuevo Sherlock Holmes creo que nos va a ofrecer una buena colección de películas en el futuro.


Una de las grandes sorpresas de esta película ha sido sin duda la banda sonora de Brian Tyler. Sin menospreciar la música compuesta para las dos películas anteriores por Ramin Djawadi (Iron Man) y John Debeney (Iron Man 2), Tyler un reputado músico especializado en cintas de acción ha creado una banda sonora tan potente  y espectacular como requiere una película como esta, pero también creo que ha creado el leitmotiv musical del personaje. Como está ocurriendo con la mayoría de sagas de los heroes de Marvel, en su mayoría carecen de un motivo musical que los distinga debido en muchos casos al cambio en el compositor de la banda sonora asignado en las diferentes secuelas, detalle que aportaría más entidad a cada uno de los personajes.

Tras el visionado de Iron Man 3, encontramos un tema principal brillante, con una carga sinfónica contundente, reforzada con un acompañamiento de un coro que aporta el tono épico perfecto. En principio una tema musical clásico, tan apropiado como los utilizados en las dos películas anteriores, que quedaría eclipsado y atrapado por la espectacularidad de las imágenes como en los dos casos anteriores, si no fuera por el acertado uso que el compositor hace de este tema en los títulos finales de la película.

Con este tema final titulado "Can You Dig It", Tyler define al personaje con una versión trepidante y ligera muy estilo pop del tema principal, una música pegadiza que tras varias escuchas por lo menos en mi caso, ya ha quedado asociado a Tony Stark y su alter-ego, Iron Man.


domingo, 12 de mayo de 2013

Música para lobos y vampiros (III) - La Saga "Crepúsculo" (CARTER BURWELL / ALEXANDRE DESPLAT / HOWARD SHORE)

El cine de vampiros y hombres lobo tiene con la saga "Crepúsculo" uno de los mayores éxitos comerciales  del cine de los últimos años. Éxito comercial que paradójicamente no se corresponde con la calidad cinematográfica que debiera si hacemos caso de la crítica especializada, que incluso la ha clasificado entre las peores películas de la historia. Partiendo de una afamada saga literaria de la escritora norteamericana Stephenie Meyer, formada por cuatro novelas de la que se han vendido más de 100 millones de copias en todo el mundo, el traslado al cine estaba cantado. 
Totalmente enfocada a un público juvenil la unión de los vampiros y los hombres lobo conviviendo en la época actual y con todos los tópicos asociados a ambos tipos de personajes, solo faltaba una bella historia de amor y unos buenos efectos especiales. 
La historia bastante simple nos presenta a "Bella" la joven y delicada mortal que quedará prendada de "Edward" ese compañero de instituto algo pálido, escuálido y de extraña familia, y un tercero en discordia "Jacob", otro amigo de la infancia más moreno y cachas con una también extraña familia de origen indígena. Entre ambos además del típico enfrentamiento por el amor de la chica, surgirá el eterno conflicto ancestral entre sus familias, los vampiros y los hombres lobo.
Esta historia ha emocionado a un público adolescente consiguiendo encandilarlo de manera que leyeran avidamente las cuatro novelas y que acudieran en masa a los cines a ver en imágenes una historia de amor llevada de alguna manera "más allá de la muerte". La historia se alarga demasiado una vez que Bella y Edward se enamoran, por la indecisión de ella en ir más allá y los reparos de el porque Bella pase de ser una simple mortal a ser un muerto en vida (la esencia del personaje del vampiro), todo ello salpicado de espectaculares batallas entre familias de vampiros y entre vampiros y sus enemigos los lobos.
La saga de películas tambien ha supuesto el lanzamiento al estrellato de sus tres protagonistas, Kristen Stewart (Bella), Robert Pattinson (Edward) y Taylor Lautner (Jacob) que por lo que parece y quieran o no van a cargar con el estereotipo de estos personajes en el resto de sus carreras.
Para bien o para mal la saga al completo ha sabido enganchar a ese público joven que es capaz todavía de llenar las salas de cine  y ha recuperado unos personajes y un género que aunque ha dado mejores momentos al cine, estaba algo oxidado.

Aunque como ya es consabido y sobre todo en películas para adolescentes, parte de la música la han formado canciones de moda de grupos independientes. Pero de lo que si no cabe duda es la acertada elección de los compositores encargados de hacer las bandas sonoras de cada uno de los films que componen esta saga. Y es que el trio formado por Carter Burwell, Alexandre Desplat y Howard Shore no es nada desdeñable y por lo menos con sus trabajos han aportado cierto grado de calidad que faltaba al conjunto. También es un caso curioso que no haya habido una continuidad en la elección de un único compositor para toda la saga, aunque como de un ciclo se tratara empezó y ha terminado con el mismo autor "Carter Burwell". 



 

En general y sin entrar a tratar cada score en particular, voy a poner un tema principal de cada una de las películas, piezas delicadas y melódicas que en todos los casos hacen referencia a esa parte romántica que discurre a lo largo de cada uno de los capítulos de la saga. Temas que en cada caso son un buen ejemplo de la música de cada uno de los tres compositores elegidos. 


"Crepúsculo" - Carter Burwell ........................... Bella´s Lullaby


"Luna Nueva" - Alexandre Desplat ........................... Full Moon




"Eclipse" - Howard Shore ........................... Jacob´s Theme



"Amanecer" - Carter Burwell ........................... Bella Reborn

domingo, 28 de abril de 2013

Música para lobos y vampiros (II) - Drácula (JOHN WILLIAMS)

Drácula, ha sido siempre el personaje de referencia en toda la filmografía dedicada a los vampiros. La novela de Bram Stoker, y su protagonista el conde Drácula, han sido desde los orígenes del cine una fuente inagotable para las película del género de terror. De entre las adaptaciones al cine que se han hecho, pocas han sabido plasmar mejor esta gran historia, y la siguiente es una de ellas.


"Drácula" dirigida por John Badham en 1979, supuso el resurgimiento del personaje del vampiro creado por Stoker, en un momento en el que el genero de terror estaba viviendo una segunda época dorada. Años antes la productora británica Hammer había exprimido al personaje al máximo con alguna buena película, pero con un buen número de secuelas de escaso interés, que acabaron por "enterrar" momentaneamente al personaje. Badham por entonces un joven realizador proveniente de la televisión, que había rodado solo tres películas para la gran pantalla, tras el éxito alcanzado con "Fiebre del sábado noche", consiguió convencer a los directivos de Universal para que le financiaran su próximo proyecto, una nueva adaptación de Drácula, movido sobre todo por la impresión que le había causado meses antes la adaptación de la obra en Broadway y la interpretación de Frank Langella, al que convenció para que fuese el protagonista de la película. 
Aunque se introdujeron algunos cambios en las relaciones de los personajes, la historia es creíble y se centra fundamentalmente en la historia de "amor", aunque manteniendo al mismo tiempo los ingredientes de la novela de Stoker.

La película contó con un gran presupuesto y un gran despliegue técnico con una puesta en escena tanto en interiores como en exteriores, impecable. Además contó con un excelente reparto en el que Langella supuso un gran descubrimiento en una de sus mejores interpretaciones, en la que su sola presencia fue capaz de eclipsar al resto del reparto, que incluía al gran Laurence Olivier como el doctor Van Helsing. 
Sin traicionar la esencia de la obra y en un claro homenaje al clásico de Bela Lugosi de los años 30, este "Drácula" es una extraordinaria película de terror y una de las más atrevidas, fascinate y original versión que se ha hecho sobre este personaje.


La película contiene una impresionante y bellísima banda sonora compuesta por John Williams, una obra injustamente olvidada y eclipsada quizás por otras grandes obras de su autor de la misma época como "Star Wars", "Tiburón" o "Encuentros en la tercera fase", pero de una innegable calidad. La música que compuso Williams es un referente del personaje de Drácula, una creación sinfónica con un imponente tema principal con una música turbadora pero con un halo melancólico y romántico como corresponde a un personaje atormentado y oscuro que se debate entre el amor y su terrible sed de sangre.