Las Series de TV y Su Música (V) - The Knick (CLIFF MARTINEZ)

En el mundo de las series de TV, la medicina se ha convertido en un genero televisivo propio. A principio de los 90, el talento de Michael Chrichton en el guión y el de Steven Spielberg en la producción nos dejaron durante más de una década una de las series más populares que ha dado el medio televisivo, ER (Urgencias), que sería la base de muchas de las actuales series sobre este género como "Anatomía de Grey" o "House" por citar dos de las de mayor éxito.

El trabajo de los profesionales de la medicina para hacer frente a un sinfín de casos y enfermedades raras, la tensión de las salas de urgencias donde a cada momento se presentan situaciones críticas y de gran tensión, y la vida personal y relaciones de los médicos entre ellos y con los pacientes, todo ello a un ritmo frenético, conforman el cocktel perfecto de este tipo de melodramas televisivos.

Dentro de este panorama, es muy destacable una de las series más originales e impactantes del panorama televisivo actual, "The Knick".

Ambientada en un hospital de Nueva York a principios del año 1900, su protagonista el prestigioso cirujano John Tackery, con una secreta adicción a la cocaína, lidera un equipo de médicos cuyas técnicas y maneras de afrontar los avances científicos de su profesión, a veces chocará con la ética y la moral de la época.

La serie se mueve en esa delgada línea entre la medicina y la carnicería, con toda la crudeza que los profesionales de la época tuvieron que enfrentarse a un cuerpo abierto en una mesa de operaciones, contando con los escasos medios y material de los que disponían. Una época en la que todavía no habían sido descubiertos los antibióticos y donde la medicina, con profesionales voluntariosos e innovadores, tenía las más altas tasas de mortalidad.

Y así se demuestra en la escena con la que se abre el primer capítulo de la primera temporada, con el equipo médico haciendo frente a una cesárea en una de esos momentos no aptos para estómagos sensibles, donde la sangre y las manos ensangrentadas del cirujano se convierten en los verdaderos protagonistas. 

La serie ha supuesto la incursión en el medio televisivo del afamado director Steven Soderberg, involucrado completamente en la dirección, la fotografía y el montaje, y cuya experiencia cinematográfica y saber hacer aportan ese extra que toda buena serie necesita.

En cuanto al reparto también es destacable el papel protagonista resuelto magistralmente por Clive Owen, dando vida a un personaje que a pesar de ser un adicto a las drogas, arrogante y racista, resulta brillante y cautivador. Uno de esos personajes llamados a convertirse en uno de los grandes antihéroes de la televisión.

Una serie inusual, impecablemente ambientada en el Nueva York de principios del siglo XX, que resulta fascinante y que revisa ese lado oscuro de una época importante pero a menudo tan ignorada de la historia de la medicina.

Igualmente innovadora y sorprendente resulta la banda sonora compuesta para la serie por Cliff Martínez, exbaterista del grupo Red Hot Chili Pepers y colaborador habitual del cine de Soderberg, que aporta de manera bastante arriesgada una música de sonidos electrónicos que a priori puede parecer impropia para la época en la que está ambientada la acción. Una apuesta personal de Soderberg que propuso crear una ambientación de época perfecta para todo, excepto para la música, pidiendo a Cliff Martínez una música moderna y electrónica. El resultado es perfecto, ya que el compositor capta perfectamente la tensión y el dramatismo presente en todo momento, y en la que el pulso de la música electrónica emula un sonido tan básico en un quirófano como es el latir de un corazón.  

Y aunque efectivamente es una música que funciona mejor con las imágenes, el tema principal "Son Of Placenta Previa" resulta impactante e hipnotizante y es el tema musical perfecto y característico que toda gran serie debe tener.

El siguiente tema es "If Anyman Thirst", uno de los más representativos de la reciente banda sonora compuesta para la segunda temporada de la serie:

A pesar de ser una composición enteramente de música electrónica, en el pasado Film Music Festival de Cracovia 2015, se tuvo la ocasión de escuchar en uno de los conciertos ofrecidos, una versión orquestal de la música de la serie, que resulta al menos bastante interesante. Una agradable curiosidad:

La Mejor Oferta - ENNIO MORRICONE

"La Mejor Oferta" quizás sea la película más sorprendente hasta la fecha de Giuseppe Tornatore. Una obra inteligente y ambiciosa que se aparta un poco de ese cine tan arraigado a lo italiano, apostando en esta ocasión por una ambientación más internacional.

"La Mejor Oferta", como es habitual también en el cine de Tornatore es un homenaje al propio cine. Una historia cargada de referencias cinematográficas, que comienza como un drama con tintes románticos que muy hábilmente va girando hacia una apasionante thriller de intriga, en lo que algunos han visto ese toque al estilo Hitchcock o De Palma. 

Tornatore consigue meternos en esta historia donde nadie es quien parece ser, rodada en unos escenarios sin concretar de Italia, que nunca se nombran, pero con unos personajes que hablan inglés en todo momento, llevando al espectador a ese universo imaginario suyo sin despertar la más mínima sospecha.

Virgild Oldman (Geoffrey Rush) es un experto en arte y afamado agente de subastas con gran prestigio en la profesión. Un día recibe la llamada de una misteriosa joven, Claire Ibbetson (Sylvia Hoeks), que desea contratar sus servicios para subastar los bienes de la mansión familiar que ha recibido como herencia a la muerte de sus padres. Claire sufre de agorafobia por lo que nunca sale de la casa ni se relaciona directamente con nadie. La relación profesional entre ambos cambiará totalmente la ordenada vida de Virgild, surgiendo una inusual historia de amor que terminará con un sorprendente desenlace.

Ambos protagonistas comparten una misma forma de relacionarse con el mundo que les rodea, y tras conocerse comprenderán que son dos seres que innegablemente se necesitan. Virgild es un hombre culto, refinado y sofisticado que es un auténtico autista emocional, que ha renunciado a su vida por el arte, que no ha tenido nunca ninguna relación con una mujer pero que siente reverencia por la belleza femenina que plasma en su magnífica colección de retratos femeninos de todas las épocas. Conocer a ese alter ego que es Claire hará que por fin plasme sobre una mujer real sus verdaderos sentimientos. 

La interpretación de Geoffrey Rush es inolvidable, cargada de matices que se muestran en innumerables planos de su rostro, que expresan en todo momento la evolución que sufre el personaje, desde ese hombre adusto y malhumorado que aparece al comienzo de la película, hasta ese hombre enamorado y finalmente destrozado sentimentalmente.

Una película apasionante llena de secuencias memorables y que sobre todo cumple con una de las máximas del cine, que es entretener y emocionar.

Como es habitual Tornatore vuelve a contar con la música de Ennio Morricone, con el que forman uno de esos tandem perfectos entre director y compositor cinematográfico. 

Es increíble como Morricone a sus ochenta y tantos años todavía se atreve a innovar, creando una música discreta pero que cumple a la perfección con la mezcla de drama romántico e intriga que tiene esta película. Una música que escuchada sola puede quedar algo desdibujada, pero que encaja a la perfección con las imágenes de la película, creando esa magia que ya es habitual en el cine que han hecho juntos.

Magnífico el tema principal cargado de ese romanticismo tan característico suyo que resulta conmovedor:

Impresionante también el momento musical que acompaña la escena en la que el protagonista contempla su particular colección de arte. Otro de esos momentos mágicos tanto del cine de Tornatore como del maestro Morricone:

Y por ultimo la escena final, una genialidad para ver y escuchar sin parar:

Anónimo Veneciano - STELVIO CIPRIANI

"Anónimo Veneciano" es una película que reúne esa mezcla perfecta entre cine y música de cine. Una película en la que la música es un personaje más. Un triángulo perfecto formado por una gran historia de amor, la ciudad de Venecia y la inolvidable música del maestro Stelvio Cipriani, tres cosas que personalmente me apasionan.

Una película que se ha convertido en todo un clásico del melodrama romántico de los años 70, una historia de amor inolvidable que a pesar de los años transcurridos no ha perdido su encanto y que siempre vale la pena volver a recordar. 

Anónimo Veneciano rodada en el año 1970, es la ópera prima como director de Enrico María Salerno uno de los mejores actores de teatro italianos de la posguerra que desarrolló su carrera con gran éxito tanto en teatro como en el cine y la televisión, así como un gran actor de doblaje.

La historia narra el encuentro en Venecia de Enrico (Tony Musante) un músico de gran talento que toca el oboe en la orquesta del Teatro La Fenice y de Valeria (Florinda Bolkan) su exmujer. Años atrás ambos se conocieron y se enamoraron apasionadamente, se casaron, tuvieron un hijo pero se separaron tres años después. Paseando por una Venecia que arrastra ese eterno hundimiento, ambos recordarán también el hundimiento de su historia de amor.

Con el fondo de esos canales y calles solitarias y frías de una ciudad que poco a poco se muere, aflorarán de nuevo sus sentimientos de una manera descarnada, intentando aferrarse al amor que los unió en el pasado, aunque saben que su relación está abocada al igual que la propia Venecia a una muerte segura, lenta y agónica.

El poder de fascinación de una ciudad como Venecia que invade a todo aquel que la visita, ejerce un papel fundamental  y es el complemento perfecto de esta triste y melancólica historia de amor.

Y como otro pilar fundamental de la película está la bellísima música compuesta por Stelvio Cipriani, uno de los grandes compositores cinematográficos italianos, que creó una melodía que es todo un clásico de la banda sonora que permanecerá ligada por siempre al romanticismo de una ciudad como Venecia.

La banda sonora cuenta también con un fragmento musical de música barroca que forma parte de la propia historia de la película. Enrico está preparando la grabación de un concierto para oboe y orquesta de Alessandro Marcelo, cuyo adagio, una pieza de gran belleza melódica, aparece en una de las principales escenas de la película.

Impacto (Blow Out) - PINO DONAGGIO

Si hay un cine en el que la influencia de Alfred Hitchcock sea más que destacable, ese es sin duda el cine de Brian De Palma. Y aunque las comparaciones "son odiosas" y la genialidad del maestro del suspense es prácticamente inalcanzable, lo cierto es que el resultado final de De Palma en algunas de sus obras es al menos bastante aceptable y siempre ha demostrado un gran dominio del oficio.

Entre las películas que De Palma rodó en la década de los 80, uno de los mejores momentos de su carrera, nos encontramos con un film que aunque podría calificarse como menor reúne mucho de lo que es la esencia de su cine.
Esta película es "Impacto" (Blow Out) rodada en el año 1981, justo un año después de la que ha sido una de sus obras más importante y de más éxito, "Vestida para Matar". De Palma se embarcó en este proyecto con total libertad de movimientos y de una manera muy personal, utilizando un guión propio. Y aunque la película se rodó con un gran presupuesto y tuvo un gran lanzamiento, desafortunadamente acabó siendo un gran fracaso de taquilla.

El punto de partida de esta historia de intriga, es una conspiración para asesinar a un político, que el propio director admitió que tenía cierta similitud con el suceso que envolvió al senador Ted Kennedy.
El protagonista es un ingeniero de sonido de películas de bajo presupuesto, que una noche en la que está grabando efectos sonoros en exteriores, graba lo que parece ser un accidente de un coche en la que viaja una pareja que se precipita a un rio. A pesar de sus esfuerzos solo puede salvar a la mujer. El acompañante un político candidato a la presidencia del gobierno muere y tras revisar las cintas de la grabación empieza a sospechar que haya sido un asesinato. 
Para el papel protagonista De Palma eligió acertadamente a John Travolta en el que algunos consideran que es uno de sus mejores trabajos, y a Nancy Allen, ex esposa del director para el papel protagonista femenino.

"Impacto" acaba convirtiéndose en un puro ejercicio de estilo, plagada de las obsesiones, las influencias y la estética del cine de Hitchcock, y con el paso de los años ha encontrado un mejor lugar entre las cintas de intriga y como una de las mejores películas del director. Una película que sirvió como inspiración a muchos cineastas posteriores, de las que el mismo Tarantino ha dicho que es una de sus tres películas favoritas.

Sin duda una cinta que vale la pena recordar.

Para la banda sonora de la película De Palma contó con uno de sus músicos de confianza, el italiano Pino Donaggio, que también había compuesto la exitosa música de "Vestida para Matar". Donaggio un cantante pop de los años 60 de bastante éxito, evolucionó muy favorablemente hacia el mundo de la banda sonora, donde sorprendentemente se ha desenvuelto con gran habilidad.

Películas como "Impacto" sostienen parte de sus aciertos en la magnífica música de Pino Donaggio, con temas melódicos y música de cuerdas rítmico para las escenas de suspense. Una música que lo acercaba al estilo del gran Bernard Herrmann, que había compuesto las grandes partituras del cine del maestro del suspense. 

Y como muestra el tema final de "Impacto", una bellísima melodía de carácter romántico y sensual y el tema "Sally and Jack" la misma melodía al piano que resultan verdaderamente maravillosos:

La Caja de Música - PHILIPPE SARDE

"La Caja de Música" es una película norteamericana del año 1989 dirigida por Costa-Gavras el director de cine franco-griego reconocido como uno de los grandes exponentes del cine social y de compromiso político. Si bien este tipo de cine a veces puede resultar poco atractivo para el gran público, Costa-Gavras lo ha sabido encajar perfectamente con el thriller y el drama sentimental consiguiendo algunas interesantes películas como "Desaparecido", "Z", "Estado de Sitio", "Amén" o "La Caja de Música".

El guión es obra de Joe Eszterhas, que tres años más tarde daría el salto a la fama con el guión de "Instinto Básico" convirtiéndose en el guionista mejor pagado de Hollywood hasta el momento. 
La historia está basada lejanamente en el caso real del criminal de guerra nazi apodado "Iván el Terrible" al que se responsabilizó de haber participado en la muerte de más de 25.000 judíos en el campo de extermino nazi de Sobibor en Polonia.

El argumento del film nos presenta a Anne (Jessica Lange) una prestigiosa abogada criminalista de Chicago hija de Mike Lazlo (Armin Mueller-Stahl) un inmigrante húngaro afincado en Estados Unidos al finalizar la II Guerra Mundial y que forma parte de un grupo de exiliados contrarios al régimen comunista de su país. Inesperadamente Lazlo es acusado de haber colaborado con los nazis mientras fue miembro de la gendarmería húngara en la guerra y de cometer crímenes contra la humanidad. El gobierno húngaro solicita su extradición y su hija convencida de su inocencia decidirá defenderle personalmente.

La película va más allá del drama judicial para adentrase de lleno en el drama familiar y en el terreno de las emociones y el desengaño, reflejado en la terrible paradoja de la protagonista, criada por un padre cariñoso y protector al que adora y que guarda un secreto del pasado como genocida criminal.

"La Caja de Música" obtuvo el Oso de Oro en Berlín en 1990 y Jessica Lange que está inmensa en uno de esos papeles que es todo un regalo para cualquier buena actriz, obtuvo una nominación al Oscar por su interpretación.

En definitiva una buena película, un drama que conmueve y entretiene a partes iguales, que considero cien por cien recomendable.

Por cierto la caja de música que da título a la película, aunque pueda parecer que no guarda relación con la trama, tiene un papel fundamental. 

La música es obra de Phillipe Sarde, colaborador habitual del cine de Costa-Gavras, que nos deja una excelente partitura perfectamente ambientada con la historia y la nacionalidad de los personajes protagonistas, en la que aparecen melodías con aires del folclore húngaro interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Hungría.

El tema principal "Ann's Theme" nos presenta una música brillante y conmovedora de corte melancólico con una voz femenina que crea el contrapunto ideal, dejándonos uno de esos temas perfectos para disfrutar oyendo una y otra vez.

Música para Biopic Musicales (III) - Selena (DAVE GRUSIN)

"Selena" es la película biográfica musical sobre la vida y carrera de la cantante estadounidense de ascendencia mexicana Selena Quintanilla Pérez, una de las más importantes interpretes de música "tex-mex". Como ha ocurrido con muchos grandes estrellas de la música, la trágica muerte de Selena cuando estaba en lo más alto de su carrera y contando con solo 23 años, contribuyó a hacer más grande su leyenda.

A los nueve años su padre, Abraham Quintanilla un hombre muy tradicional, que sería un personaje fundamental en su carrera musical, vio en ella su gran talento y poco a poco y de manera muy modesta pasó en pocos años de cantar en fiestas, bodas y ferias a llenar estadios y vender millones de disco, convirtiéndose en un verdadero fenómeno de masas tanto en Estados Unidos como en México y todo un exponente de la música latina.

En 1995, Selena fue asesinada por Yolanda Saldívar la presidenta de su club de fans y encargada de la administración de sus boutiques. La confianza depositada en esta mujer que se jactaba de ser la mayor admiradora y persona de confianza de la cantante y su familia, se vio frustrada por una gestión desastrosa tanto del club de fans como de las tiendas, descubriéndose que Saldívar había malversado una gran cantidad de dinero. En la mañana del 31 de marzo Selena se reunió con Yolanda Saldivar y tras una dura discusión, Saldivar sacó un revolver e hirió de muerte a Selena. La cantante fue trasladada al hospital y sometida a una intervención quirúrgica, pero los médicos no pudieron hacer nada por salvar su vida. Para incrementar la leyenda alrededor de este desgraciado final, se llegó a publicar que la decisión del padre de Selena de no permitir una transfusión de sangre por sus arraigadas creencias religiosas, fue la causa de la muerte, pero esto no se llegó a comprobar nunca. Su funeral fue multitudinario y su muerte fue un duro golpe a la comunidad hispana en Estados Unidos. 

Selena está considerada una de las artistas latinas más influyentes y de mayores ventas de los años 90 y la innegable "reina del tex-mex y la cumbia".

Solo dos años después de su muerte, un tiempo muy corto para la realización de este tipo de películas y producida por su propio padre, se rodó "Selena" dirigida por Gregory Nava e interpretada por la por entonces novel actriz y cantante Jennifer López, y por Edward James Olmos en el papel de su padre.

La elección de Jennifer López para el papel de Selena fue muy criticada al principio, pero el parecido físico y la buena interpretación de la actriz cambiaron las opiniones contrarias e incluso se vio recompensada con una nominación a la mejor actriz en los Globos de Oro.

La película en su conjunto resulta bastante entretenida y supone un interesante biopic de la figura de esta joven estrella de la música.

Como es natural la banda sonora se compone de un buen número de sus mejores canciones sobre todo de las interpretaciones de sus grandes conciertos. Aunque en un primer momento se pensó en que Jennifer López por su condición de cantante interpretara ella misma las canciones, se creyó que al ser tan reciente su muerte, los fans no lo hubieran admitido, por lo que todas las interpretaciones de las canciones son las originales en la voz de Selena.

Afortunadamente en el apartado musical, además de las canciones de Selena, del gusto de un público multitudinario pero muy particular de este tipo de música, la producción de la película eligió a Dave Grusin un compositor muy ligado a la música y a los músicos latinos.

Grusin compone una maravillosa y bastante desconocida banda sonora cuyo tema principal es una de sus preciosas melodías cargada de sentimiento y romanticismo. 

Grusin también realiza un sentido homenaje a la música de Selena con una versión solo al piano de uno de los mayores éxitos de la cantante, "Como la Flor", que es una delicia:

El siguiente video es la interpretación de la canción "Como la Flor" en una de las emocionantes secuencias de la película, en las que aparecen más de 35.000 extras que acudieron de manera masiva y gratuitamente al requerimiento de los productores para el rodaje de esa escena. 

Música Para Biopic Musicales (II) - Ray (CRAIG ARMSTRONG)

La vida de Ray Charles, uno de los más grandes músicos norteamericanos del siglo XX, reunía con creces todos los requisitos para ser llevada al cine. Un músico genial, con un origen humilde, ciego y con una vida turbulenta por su adicción a las drogas y sus relaciones amorosas (dos matrimonios y doce hijos de diez relaciones diferentes), es un jugoso argumento que el director Taylord Hackford aprovecha muy eficazmente para filmar "Ray", una buena película músico-biográfica sobre Ray Charles.

Taylord Hackford, un director con cierta experiencia en el cine musical ("Noches de Sol" y "The Idolmaker"), incluyendo dos magníficas películas documentales sobre otros grandes músicos como Chuck Berry y Michael Jackson, consigue contar de manera efectiva y bastante emocionante la vida de Ray Charles tanto desde el punto de vista musical como personal.

La película se centra en el periodo más explosivo de su carrera, desde que siendo niño sufre dos grandes traumas como fueron la muerte de su hermano y la perdida de la visión a los cinco años. A partir de ese momento y de manera muy autodidacta empieza a tocar el piano y a empaparse de la música de jazz y blues que hacían los músicos negros de su época. Su evolución se vera reforzada cuando se traslada desde Florida hasta la floreciente escena jazzistica en Seattle. Ahí empieza su arrolladora carrera musical con su descubrimiento por una de las grandes compañías discográficas, Atlantic Records, y la vorágine y éxito musical de los siguientes años. Pero por otra parte cobra fuerza su agitada vida personal a partir de sus problemas con la heroina y la relación con Della una buena esposa que le quiere, pero también con un buen número de mujeres que pasaran por su vida.

La historia de Ray, un niño ciego y pobre criado en una época en la que el racismo y la segregación eran el día a día de los afroamericanos, que es capaz de romper la barreras sociales y cambiar los esquemas de la música, es la típica historia del sueño americano en uno de esos tantos casos que ha dado la historia de ese país.

Fenomenal la interpretación de un Jamie Foxx en estado de gracia que se mete de manera magistral en la piel de este genio de la música y que se vio recompensada con el Oscar al mejor actor. 

En el apartado musical la película hace un repaso a los grandes temas que Ray Charles grabó durante esa época y que forman parte de las mejores canciones de la historia de la música americana. Y es que Ray supo aunar los grandes géneros de la música de su época, desde el jazz, el blues, el soul, el gospel, el rhythm & blues,  el country y el rock & roll, con una visión propia y que se ha convertido en una referencia fundamental para una gran cantidad de músicos hasta nuestros días.

La banda sonora es obra de Craig Armstrong por la que obtuvo el Grammy a la mejor banda sonora de 2005. El afamado músico escocés crea un score que aunque en principio pudiera parecer inadecuado, casa a la perfección con el film y es un ejemplo genial de "música creada para un músico". Tomando como no, el piano como protagonista principal en un claro homenaje al instrumento que fue la vida de Ray Charles, nos encontramos con una partitura muy melódica con toques muy chillout, que subraya sobre todo esos momentos dramáticos y sentimentales de la historia de un personaje tan complejo como este. 

El corte "Della's Theme" es el mejor ejemplo de la música de esta banda sonora donde se evocan los sentimientos más profundos de este personaje y donde más se puede apreciar el estilo musical del compositor.

Y como ejemplo de las canciones de Ray Charles y muestra de la magnífica interpretación de Jamie Foxx, algunos clips de la película con algunas canciones míticas del "genio".

Suite Francesa - RAEL JONES

Tras más de 60 años, en el año 2004 se publicaba "Suite Francesa" una novela inédita de Irène Némirovsky, escritora judia de origen ucraniano, afincada en París, que tras la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial fue capturada y trasladada al campo de prisioneros de Auschwitz, donde murió en agosto de 1942 a los 39 años. Antes de su detención, Némirovsky había empezado una serie de cinco novelas (de las solo terminó dos) sobre la vida en Francia tras la ocupación nazi.

Estas novelas permanecieron desaparecidas, hasta que sus hijas, que lograron sobrevivir, las encontraron en una vieja maleta, después de tantos años. La publicación de la novela causó una auténtica conmoción en el mundo editorial francés y europeo, ya que retrataba de primera mano una situación y una época fundamental en la historia de Francia.

Su traslado a la gran pantalla era algo que estaba cantado, y aunque son abundantes y variadas las películas sobre la Segunda Guerra Mundial, esta nueva incursión en el tema nos muestra un fiel e implacable reflejo de la sociedad francesa durante la ocupación, que resulta bastante interesante. 

Es bastante sorprendente comprobar en esta historia como por una parte, junto al odio natural que despierta la brutal ocupación nazi del país de la "liberté, égalité y fratrernité", surjan también historias de amor clandestino y muestras públicas de colaboracionismo, mostrándose de esa manera la variedad de reacciones humanas ante situaciones excepcionales.

La acción de la película transcurre en un pequeño pueblo cerca de París tras la claudicación del gobierno francés ante la ocupación alemana. Lucile (Michelle Williams) es una joven cuyo marido marchó al frente al poco de casarse y permanece desaparecido como prisionero de guerra y vive junto a su controladora suegra (Kristin Scott Thomas) una acomodada terrateniente con un agrio carácter. Su vida transcurre un poco al margen de la guerra hasta que el pueblo es tomado por un regimiento de soldados alemanes que se establecen en las casas de los vecinos del pueblo. El nuevo inquilino de la casa es Bruno (Mathias Schoenaerts) un elegante y refinado oficial alemán que va cambiar por completo la anodina vida de Lucile.

Con la música como nexo de unión de ambos protagonistas, Bruno en la vida civil es compositor y Lucile ha estudiado música y toca el piano, surge irremediablemente una historia de amor entre dos personas que se encuentran en un momento desgraciado y trágico, donde su amor quedará oscurecido por la cruel realidad. Todo ello con el fondo del resto de personajes del pueblo entre los que afloran las mezquindades y los enfrentamientos en todas las clases sociales.

La interpretación de los protagonistas es muy correcta, aunque la pasión amorosa resulta muy contenida, algo lógico teniendo en cuenta la situación en la que se encuentran y tratándose de dos seres tan sensibles. Igualmente destacado es el papel de Kristin Scott Thomas, como una mujer igual de dura con su nuera, sus vecinos y los soldados alemanes, pero que irá cambiando al darse cuenta de que todo se derrumba a su alrededor.

Una película estéticamente bien resuelta con una bonita historia de amor, que demuestra que la guerra puede sacar lo mejor y lo peor del ser humano.

La banda sonora es obra de Rael Jones un joven compositor y multi instrumentista británico que después de colaborar anteriormente en algunos trabajos importantes junto a otros compositores, como en la banda sonora de "Los Miserables", "Quantum of Solace" o la serie de la BBC "Sherlock", nos deja en este su primer trabajo para un largometraje, un trabajo exquisito y de gran calidad.

Una partitura donde se mezcla dramatismo y romanticismo, aunque destacan sobre todo los temas melódicos como el tema principal de amor de una gran belleza. 

La música orquestal está reforzada por un breve tema de piano que forma parte de la historia como la música que Bruno compone y que regala a Lucile con el título de "Suite Francesa". Este tema de apenas un minuto de duración es obra del compositor Alexander Desplat, que como ya he comentado en alguna ocasión está presente últimamente en toda buena producción europea. Un precioso tema que queda íntimamente ligado a una historia de amor imposible.

Los siguientes clip son el corte en su versión original y tal como aparece en la película.

Música Para Biopic Musicales (I) - Cloclo (ALEXANDRE DESPLAT)

Las películas biográficas sobre grandes músicos son un género con entidad propia dentro del cine musical. La "vida y obra" de las grandes estrellas que ha dado la música en toda su historia, ha sido siempre una fuente de inspiración para el cine desde su comienzos.

En este tipo de películas por una parte se hace un repaso a las carreras musicales de los artistas, aunque también y casi por regla general se centran en la "agitada vida" que en la mayoría de los casos han tenido algunos genios de la música, donde sus relaciones amorosas y sobre todo sus excesos con el alcohol y las drogas, forman casi siempre parte fundamental de sus vidas.

Músicos tan dispares y de épocas tan diferentes como Mozart, Charlie Parker, Jim Morrison, Johnny Cash, Ray Charles, Edith Piaf o el mismo Camarón son algunos de los ejemplos de esos personajes cuyas vidas han sido llevadas a la pantalla con mayor o menor éxito y que han servido para mitificarlos aun un poco más.

Lo normal es que las bandas sonoras de los "biopic" musicales se basen en la obra de sus protagonistas, pero mi intención en esta ocasión es recordar y resaltar la buena música que algunos compositores cinematográficos han hecho para algunas de estas películas.

Empiezo hoy con "Cloclo" una película francesa del año 2012 basada en la vida de Claude François uno de los más importantes cantantes e iconos de la música pop francesa de los años 60 y 70. En una época en la que triunfaba en todo el mundo el rock and roll estadounidense, Claude François conocido artísticamente como Cloclo revolucionó la escena musical francesa con una estética muy americana, introduciendo nuevos ritmos musicales con mucho baile y efectos visuales, muy alejado de los cantantes franceses de su época. Todo un ídolo de masas que conquistó al público femenino de la época con ese aire de galán seductor, que se caracterizó por su gran espíritu de superación, pero que escondía un carácter difícil, arrogante y autoritario y cuya vida amorosa estuvo marcada por su complicada relación con France Hall, una popular cantante y actriz de esa época.

Esta relación dio lugar a una de las más grandes canciones de la historia de la música, "Comme d'habitude", que Cloclo compuso después de que France Hall le abandonara. Aunque con ese título no es muy reconocible, la canción fue traducida al inglés por Paul Anka con el título de "My Way" que grabó el gran Frank Sinatra y que se convirtió en uno de sus mayores éxitos, siendo una de las canciones más versionadas de la historia de la música.

Pero cuando su carrera se encontraba en los más alto un desgraciado accidente fatal y bastante tonto, electrocutado en su bañera, acabó con su vida a los 39 años y como suele ocurrir en estos casos, murió el cantante y nació el mito.

Una puesta en escena perfecta que nos traslada a la Francia de los años 70, una magnífica fotografía y una destacada interpretación de su protagonista, Jérémie Renier, convierten esta película es un fiel reflejo de la atormentada vida de Claude François que va más allá del mero "biopic" y muestra como este artista vivió su vida "a su manera" con todas sus consecuencias.

En la banda sonora de esta película junto al destacado repertorio de Claude François, se encuentra una maravillosa partitura de Alexandre Desplat, el músico francés que es casi un imprescindible en toda última producción tanto francesa como internacional que se precie. 

Aunque en la edición discográfica solo aparecen unos escasos 15 minutos de la música de Desplat, puedo asegurar que es uno de sus mejores trabajos, que no debería quedar desplazado ni olvidado por su brevedad dentro de su obra.

Con el característico sonido del autor utilizando una bellísima melodía con el piano como protagonista, su música es totalmente descriptiva de esa parte romántica y dramática que tuvo la vida de una gran estrella de la música como fue Claude François.

Y para no olvidar la música del protagonista de esta película, no esta de más recordar uno de los grandes clásicos de la música internacional que en la versión de su autor tiene un encanto especial.

En Tercera Persona - DARIO MARIANELLI

Contrariamente a la mayoría de la crítica, he de reconocer que me ha sorprendido muy gratamente "En Tercera Persona", la última película del Paul Haggis.

Haggis el afamado guionista y director canadiense que en 2004 debutó con la oscarizada "Crash", con la que esta nueva cinta guarda bastante relación, nos vuelve a meter en un relato de historias cruzadas formando un puzzle interesante y bastante bien estructurado.

"En Tercera Persona" narra tres historias que discurren en paralelo en tres ciudades tan emblemáticas como París, Roma y Nueva York. Michael (Liam Neeson) es un escritor ganador del premio Pulitzer que tras separarse de su mujer (Kim Basinger) se refugia en un hotel parisino para acabar su último libro, donde se encuentra con su joven amante (Olivia Wilde) una aspirante a escritora tan enamorada como obsesionada con él. En el escenario romano, nos encontramos con un turbio hombre de negocios (Adrien Brody) que se verá involucrado en una historia de extorsión con una bella gitana (Moran Atias) que conoce en un bar. Y en Nueva York, Julia (Mila Kunis) tras una complicada separación, lucha por la custodia de su hijo con su exmarido (James Franco), un reconocido pintor.

Las tres historias que en un principio no parecen tener nada en común se van desarrollando hasta mostrar ese nexo que las une y que concluye con un final que aunque pueda parecer previsible, resulta tan interesante como sorprendente.

En las tres historias, los personajes arrastran duras experiencias de su pasado con las que tienen que sobrevivir, y solo podrán expiar el dolor que sienten a través del amor.

Una de las bazas del film es el atractivo reparto, lo suficientemente bueno para dar consistencia a los personajes y que son los que verdaderamente sostienen la película, empezando por un Liam Neeson que resulta brillante en la piel de ese escritor atormentado, tan alejado de los papeles de hombre de acción de sus últimas películas, y terminando por el breve papel de una recuperada Kim Basinger, en un papel tan duro como contenido.

El resto del reparto están correctos, sobresaliendo la magnífica actuación de Olivia Wilde en un papel esquizofrénico como el mismo personaje, donde pasa en segundos de la mayor alegría a la tristeza más absoluta y cuya historia guarda una de las situaciones más impactantes de la película.

Una historia que a mí personalmente me ha encantado y que guarda uno de los finales más redondos de los últimos años. 

Para redondear la puesta en escena, esta película cuenta con una magnífica banda sonora del compositor Dario Marianelli, que se mueve como pez en el agua en este tipo de dramas románticos.

La música de Marianelli contribuye a crear la atmósfera perfecta en los momentos más tristes y poéticos de cada una de estas historias.

Una música que en algunos momentos es de una melancolía arrebatadora, resuelta con gran maestría y capaz de transmitir al espectador las emociones de los protagonistas.