El Manantial de las Colinas (Jean de Florette / Manon des Sources) - JEAN-CLAUDE PETIT

"El Manantial de las colinas" (Jean de Florette) es una de las grandes producciones francesas de los años 80. Dirigida por Claude Berri, la película es la primera de las dos producciones que el director francés realizó sobre la saga literaria de su compatriota, el dramaturgo y también cineasta Marcel Pagnol, formada por las novelas "Jean de Florette" y "Manon des Sources".

Ambientada en el mundo rural de la Francia profunda a principios del siglo XX, nos cuenta la historia de Jean de Florette (Gerard Depardieu) quien tras recibir una tierras en una herencia, abandona la ciudad con su mujer y su pequeña hija Manon y deciden comenzar una nueva vida como campesinos. Jean un hombre ingenuo y bondadoso pretende vivir en paz y libertad en ese nuevo lugar, por lo que pondrá todo su empeño y esfuerzo para conseguir hacer sus sueños realidad. Pero además de tener que enfrentarse a una terrible sequía, también tendrán que hacer frente a las malas artes de un despiadado terrateniente vecino apodado "La Papet" (Yves Montand) y su sobrino Ugolin (Daniel Auteil), que desean hacerse con sus tierras y que para conseguirlo ocultarán intencionadamente la existencia de un manantial propiedad de Florette y con el que podría salvar sus tierras. Todo ello llevará a los protagonistas irremediablemente a una situación con trágicas consecuencias.

La dirección es uno de los grandes aciertos de esta película. Berri describe perfectamente y con gran veracidad ese ambiente rural con sus costumbres y tradiciones, logrando además una perfecta armonía entre los actores y el entorno, demostrada  sobre todo en el duelo interpretativo entre Gerard Depardieu e Yves Montand, "todo un espectáculo". 

En el fondo la historia es una gran fábula donde se abordan muchas de las cuestiones básicas de la vida, la bondad y la maldad del ser humano, los sueños, el esfuerzo, la codicia, la verdad, la mentira, la traición, la familia, la venganza y tantas otras, en un guión tan simple y a la vez tan complejo.

La banda sonora es obra de Jean-Claude Petit, una obra que destaca por su recreación del idílico lugar donde transcurren los acontecimientos y que se ajusta perfectamente tanto a los momentos felices como tristes de esta historia. En el tema principal el autor utiliza un fragmento de un aria de "La Fuerza del destino" de Giuseppe Verdi interpretado por la armónica del gran Toots Thielman. Esta melodía aparece también en determinados momentos de la película cuando la toca el propio protagonista. 

Uno de esos temas que ya desde el comienzo de los títulos de crédito impresionan desde la primera nota. 

El Vaticano y la Música de Cine (III) - La Música de los Papas - ENNIO MORRICONE

Para terminar de completar los comentarios que he venido haciendo sobre la música de cine y el Vaticano y aprovechando el reciente nombramiento del nuevo Papa Francisco, voy a comentar la música de dos películas dedicadas a dos de los Papas más carismáticos de los últimos años: Juan XXIII y Juan Pablo II.

En los dos casos se trata de miniseries de TV italianas de tipo biográfico centradas en los acontecimientos más importantes de sus vidas, desarrollando la faceta más humana de unos hombres que llegaron a ostentar el más alto rango en la Iglesia Católica; y ambas cuentan con la extraordinaria participación en la composición de la banda sonora, de Ennio Morricone.

"Il Papa Buono" es una producción del año 2003 basada en la vida de Juan XXIII al que se le conoce con el cariñoso apelativo de "El Papa bueno". Su papado de tan solo cuatro años se desarrolló en un periodo de profundos cambios y en una época de grandes acontecimientos de tensión internacional y de cambios importantes en la Iglesia, siendo el Papa que abrió el Concilio Vaticano II que cambiaría profundamente al catolicismo. Dirigida por Ricky Tognazzi y protagonizada por Bob Hoskins, la historia nos presenta la niñez y juventud de Antonio Giuseppe Roncali y su lado más humano frente a las dos guerras mundiales y sobre todo de la barbarie nazi. La historia de un hombre que dejó un legado de humildad y sencillez como pocos en la historia.

Ennio Morricone es un autor que ha desarrollado un buen número de obras que podríamos considerar "sacras" en muchos tipos de películas. El siguiente tema es el tema principal de la serie, una música profundamente emotiva en la que Morricone utiliza la trompeta solista (instrumento que siempre ha estado en el corazón de Ennio Morricone ya que con él comenzó en el mundo de la música en su niñez) y un coro de hasta 70 voces, consiguiendo una melodía religiosa muy morriconiana y de un gran lirismo. El director Ricky Tognazzi creo que dio la mejor definición a esta banda sonora: "Quando la música e´emoziones del cuore".

La segunda producción es "Karol, Un Uomo Diventato Papa" del año 2005 y dirigida por Giacomo Battiato. En esta ocasión está basada en la vida de Karol Wojtyla el cardenal que ocupó la silla de Pedro en el año 1978 como Juan Pablo II, el "Papa viajero" como cariñosamente también apodaron sus fieles en todo el planeta.  Un hombre que jugó un importante papel en el siglo XX no solo para el mundo católico, sino que se ganó el respeto y la admiración del resto del mundo. La serie abarca desde su juventud en su Polonia natal bajo la ocupación nazi, hasta el mismo momento de ser nombrado Papa. 

En esta caso nos encontramos también con una partitura de Ennio Morricone, en la que nos presenta una música sin grandes artificios, muy variada y descriptiva de las diferentes situaciones vividas en la historia que se nos presenta y donde sobresalen melodías muy intimistas y  nostálgicas como en el tema "Karol and love", donde el uso de la viola y el piano dan lugar a uno de esos temas tan propios y característicos del autor.

Como siempre Morricone consigue en ambos casos una perfecta fusión entre melodía y espiritualidad. Acercándose a esta música desde un punto de vista religioso o no, lo cierto es que hay que reconocer que es una música hecha para el alma, y Morricone es para esto todo un "maestro".

Enlaces relacionados:
El Vaticano y la Música de Cine (I): Las Sandalias del Pescador
El Vaticano y la Música de Cine (II): Angeles y Demonios

Los Cowboys - JOHN WILLIAMS

Cuando parecía que John Wayne se las había visto con todas las facetas del "western", el género cinematográfico norteamericano por excelencia y del que fue su máxima estrella, aun tuvo ocasión en los últimos años de su vida de rodar este otro western tan original, que contribuyó a redondear una carrera como pocas ha habido en la historia del cine. 

"Los Cowboys" es una producción del año 1972 dirigida por Mark Rydell, centrada en la figura de John Wayne como pilar esencial de una historia en la que como si de un testamento sobre el género se tratara, un viejo vaquero transmitía su legado personal a unos jóvenes muchachos que se enfrentarán de una manera prematura a la dura vida del Oeste. Tan fuerte es la presencia e influencia del actor que la película ha tenido también el sobretítulo de "John Wayne & The Cowboys".
En plena época de la fiebre del oro, un ranchero se queda sin empleados para transportar su ganado y solo podrá echar mano de un grupo de niños del pueblo, entre los once y quince años, que pondrán más voluntad que experiencia en conseguir el propósito de cabalgar y dirigir más de mil reses a través de un largo y duro recorrido.

De alguna manera esta historia supuso una especie de epilogo del western clásico y aportaba una nueva manera de ver el cine de vaqueros y nadie como John Wayne para pasar el legado a una nueva generación encarnada en los muchachos a los que debe conducir, y enseñar algo más que a cabalgar y a usar el lazo. Porque durante el camino no solo se tendrán que enfrentar a un duro trabajo, sino que irán surgiendo todos los peligros típicos que han rodeado siempre a las caravanas en el oeste, encarnado en esta ocasión en esos ladrones tan despiadados que verán en ese grupo de niños una presa fácil para conseguir arrebatarles el ganado. Los muchachos pasarán por una serie de duras experiencias que les harán perder esa inocencia con las que iniciaron esa aventura siendo simples aprendices de vaquero. 
El film bastante bien resuelto, tuvo un cierto éxito de taquilla en el momento de su estreno y aun hoy en día se deja ver con mucho agrado a pesar de la polémica que puede generar con la mentalidad actual el ver a chicos tan jóvenes usando armas de fuego y mostrando la cara más dura de la venganza.

¿Que hubiera sido esta historia en manos de algunos de los grandes maestros del western como Howard Hawks o John Ford?


Donde si que no cabe ninguna duda es en la calidad de la maravillosa partitura de John Williams para esta película. Una banda sonora especial dentro de un género en el que Williams hizo sus pinitos en los inicios de su carrera y en la que conseguiría una obra redonda, en uno de sus periodos de mayor creatividad. La música sigue la tradición de las obras sinfónicas del western de los grandes compositores norteamericanos, como Aaron Copland o Elmer Bernstein con ese toque por una parte espectacular y por otra intimista tan característico de John Williams. La fanfarria del tema principal con una melodía vibrante y espectacular ya ha quedado asociada indiscutiblemente al cine del Oeste.

La Música en el cine de ROMY SCHNEIDER (III) - LO IMPORTANTE ES AMAR (Georges Delerue)

"Lo importante es amar" (L´important c´est d´aimer) un film del año 1975 del realizador polaco Andrzej Zulawski es una de las producciones más extrañas y complejas de la filmografía de Romy Schneider. Una película en la que la actriz consiguió transmitir ese dolor y sufrimiento interior pero con un halo de irresistible belleza, que acompañó siempre su vida tanto personal como profesional. La película que podríamos encuadrar en el cine de "arte y ensayo" tan típico de los años 70, es una pieza básica en la programación de las filmotecas y ha tenido siempre un gran éxito entre el público que busca ese algo más que lo que ofrece el cine comercial.

La historia nos presenta la relación cruzada entre tres personajes envueltos en un ambiente sórdido y duro. Un fotógrafo (Fabio Testi) que trabaja para un mafioso consiguiendo fotografías comprometedoras para hacer chantaje a sus víctimas, conoce a una actriz (Romy Schneider) que pasando un mal momento se ve obligada a participar en películas de bajo presupuesto, y a la que intentará seducir desde el primer momento. Ella, atormentada y frágil se debatirá entre esta relación apasionada y su marido (Jacques Dutront), un hombre extraño que parece vivir fuera de la realidad, pero del que está enamorada. Esa relación a tres bandas arrastrará a sus protagonistas a un mundo de locura, amor desgarrado, obsesiones y sobre todo dolor, ese dolor que se siente en lo más hondo, en las tripas y en el alma.

Y es en esta amalgama de sentimientos donde Romy Schneider brilla de una manera especial, transmitiendo ese dolor y sufrimiento como pocas veces se ha visto en el cine. Y es en esta ocasión cuando el cine de Zulawski, con una trayectoria bastante irregular,  brilla sobre todo gracias a la imponente presencia de esta actriz maravillosa.

Una película difícil pero a la vez conmovedora que no deja para nada indiferente. 

Y nadie como Georges Delerue para poner música a esta historia de sentimientos tan profundos. El tema que pongo a continuación es una bellísima melodía, un maravilloso adagio muy breve pero de una sensibilidad exquisita y desgarradora. Una obra del compositor francés que aunque poco conocida, no puede pasar desapercibida para cualquier amante de la buena música cinematográfica.

Para terminar con este homenaje a Romy Schneider, quisiera añadir un video que he encontrado con imágenes de la actriz, que me parece fantástico. Algunos de los planos de la mirada de Romy Schneider son verdaderamente impresionantes. Y es que, fue uno de los rostros más tristes y fascinantes de la historia del cine.

Como un crítico dijo en una ocasión refiriéndose a Romy Schneider:  "nunca el dolor fue tan bello".

Enlaces relacionados:

La Música en el cine de Romy Schneider (II)

La Música en el cine de Romy Schneider (I)

El Vaticano y la Música de Cine (II) - ANGELES Y DEMONIOS (Hans Zimmer)

Otra película más reciente que también ha tratado con especial detalle las situaciones que rodean ese momento tan importante en la historia del Vaticano, como es la elección de un nuevo Papa, ha sido "Angeles y Demonios". En esta ocasión la trama de ficción trata en clave de intriga y thriller una conjura para desestabilizar a la iglesia, aprovechando uno de tantos misterios que la iglesia ha ido guardando a traves de su historia.

"Angeles y Demonios", es otra producción basada en un best-seller del novelista Dan Brown autor de la afamada "El Código Da Vinci". La cinta es una producción del año 2009 dirigida por Ron Howard que vuelve a tener como protagonista al profesor experto en simbología religiosa Robert Langdon (Tom Hanks), que se verá envuelto en la investigación de un grave suceso que pondrá en grave peligro al Vaticano. Los "Illuminati" una antigua secta secreta surgida en el siglo XVI como resultado del enfrentamiento de la Iglesia católica con los grandes científicos de la época, resurge de nuevo con la intención de desestabilizar la institución utilizando un descubrimiento científico como una poderosa arma, por lo que el profesor Langdon, en compañía de una joven científica y un capitán de la guardia suiza emprenderán una desesperada carrera contra reloj para descubrir al  responsable. En esta ocasión la acción también transcurre con la celebración de un conclave, como telón de fondo y nos muestra también detalladamente algunos momentos de la ceremonia ritual  llevada a cabo en el más absoluto secreto de la certificación de la muerte del pontífice, su enterramiento y la destrucción del Anillo del Pescador llevada a cabo por el Camarlengo (Ewan McGregor), el cardenal responsable encargado de estas funciones y que se convierte temporalmente en la cabeza visible del Vaticano hasta la elección del nuevo Papa y personaje con un especial protagonismo en la película.
El profesor Langdon haciendo uso de sus conocimientos y quizás "como un enviado de Dios" a pesar de no ser creyente (como así le señalará uno de los cardenales en la escena final de la película), resolverá la trama y salvará a la Iglesia. 

La película es una adaptación totalmente made in Hollywood de la obra de Dan Brown, que resulta tan entretenida como su anterior "El Código Da Vinci", con una sucesión trepidante de momentos emocionantes que llevará a los protagonistas a intentar descifrar las señales que están presentes en los lugares más importantes relacionados con los "illuminati", entre la infinidad de iglesias, criptas y catacumbas de Roma y la Ciudad del Vaticano.

Para la música de la película, el director Ron Howard vuelve a contar con Hans Zimmer en la composición, tal como había hecho en el "Código da Vinci", aunque con una concepción totalmente diferente. Atendiendo a la trama de la historia con ese eje entre religión y ciencia,  Zimmer utiliza una combinación entre música orquestal y coro para representar a la iglesia y  música electrónica para la ciencia. 
Por supuesto, vuelve a utilizar el tema del "Código Da Vinci", como la melodía asociada al protagonista común de las dos películas, el profesor Robert Langdon, uno de los temas más bellos compuestos por Hans Zimmer. El tema es un arreglo en el que se añade como elemento diferenciador la  colaboración como solista del violinista Joshua Bell, en una magnífica interpretación. 

El Vaticano y la Música de Cine (I) - LAS SANDALIAS DEL PESCADOR (Alex North)

La historia del Vaticano ha sido un tema utilizado con cierta frecuencia en muchas producciones cinematográficas. Tanto en su aspecto histórico y religioso, en la figura de los diferentes Papas o en el trasfondo de poder, intriga y misterio que siempre ha rodeado ese pequeño estado que rige las almas de millones de personas creyentes por todo el mundo, lo cierto es que el cine ha dado un buen número de películas muy interesantes.

La reciente renuncia del Papa Benedicto XVI y el revuelo mediático que se ha creado ante esta situación histórica para la Iglesia, ha puesto más de actualidad todo lo relacionado con el Vaticano, la protocolaria ceremonia a llevar a cabo para la celebración de un cónclave para la elección de un nuevo Papa y que duda cabe el devenir de la iglesia en los próximos años según la figura que tras la elección ocupará el máximo lugar en la jerarquía eclesiástica. 
Así, aprovechando esta noticia se me ha ocurrido comentar algunas películas relacionadas con este tema y por supuesto sus bandas sonoras. La primera de ellas es "Las Sandalias del Pescador" una historia de ficción, en la que se trata de manera dramática con tintes políticos una de las situaciones que han rodeado ese momento tan importante en la historia del Vaticano, como es la elección de un nuevo Papa.

"Las Sandalias del Pescador", basada en el best-seller de Morris West, es una producción del año 1968 dirigida por Michael Anderson. La historia ambientada en plena guerra fría nos presenta a Kiril Lakota (Anthony Quinn) un obispo ruso recluido en un campo de prisioneros durante más de veinte años que sorpresivamente será liberado por el presidente soviético y enviado como asesor al Vaticano, donde el Papa Pio XIII lo nombrará cardenal y tras la repentina muerte de este y ante todo pronóstico será elegido nuevo Papa. En su nueva situación se verá envuelto en una grave crisis mundial y con el mundo al borde de una guerra nuclear, por el enfrentamiento de las tres grandes potencias Estados Unidos, la Unión Soviética y China. Su intervención activa, por una parte como embajador en nombre de la paz ante los mandatarios de las potencias y más tarde imponiendo su autoridad espiritual sobre el resto de la jerarquia eclesiástica para utilizar los bienes materiales de la iglesia para solucionar el problema del hambre del pueblo chino (que había sido el origen del conflicto), le convertirá en el mejor referente del espíritu cristiano. 
Una de las curiosidades de la ficción planteada por Morris West, fue adelantarse a lo que pasaría años más tarde con la elección de un Papa del Este, con el nombramiento del polaco Karol Wojtyla como Juan Pablo II y su intervención activa en el final de la guerra fría con la caída del muro y el final del regimen comunista.
La película también describió por primera vez, casi con carácter documental el protocolario y complejo proceso del conclave para la elección de un Papa.
Es destacable la soberbia interpretación de Anthony Quinn, que en todo momento hace perfectamente creíble los diferentes momentos de un hombre llamado a llevar sobre sus hombros una tremenda responsabilidad. 

Y para terminar de redondear esta historia, la aportación de Alex North en la composición de la banda sonora de la película en uno de sus grandes trabajos, que le hizo ganador del Globo de Oro en 1969 y con la que obtuvo una nominación al Oscar a la mejor música original. 
Alex North es uno de los compositores clásicos de la banda sonora de los años 50 y 60, y en esta ocasión realiza un trabajo tremendamente descriptivo como se puede apreciar en el siguiente tema, "Overture" donde incluye por una parte musica muy solemne y majestuosa para la ambientación en las escenas de las ceremonias religiosas en el Vaticano, un delicado tema para describir la soledad del protagonista y un tema más ligero como final.

En el siguiente tema titulado "Kiril´s lonelinnes" se desarrolla el tema dedicado al protagonista donde se introduce los primeros compases con el sonido de la música rusa en referencia a su origen. Una delicada melodía que refleja la soledad en la que se encontrará  el obispo Kiril al ocupar el más alto cargo de la iglesia, a pesar de estar siempre entre multitudes.

Una banda sonora muy completa y que se puede considerar todo un clásico de la música cinematográfica, en la que se puede casi apreciar el "olor a incienso". Imprescindible.

La Música en el cine de ROMY SCHNEIDER (II) - FANTASMA DE AMOR (Riz Ortolani)

"Fantasma de amor" es una película italiana del año 1981 de Dino Risi y una de las últimas películas que rodó Romy Schneider. La historia es una extraña mezcla de melodrama romántico y relato fantástico, en la que la figura "fantasmal" de Romy Schneider  en algunos momentos del film, pareció presagiar el trágico final que le esperaba a la actriz tan solo unos meses después. 

El argumento nos presenta a Nino  quien un día en un autobús se encuentra a una mujer envejecida y de aspecto enfermizo a la que presta una moneda. Por la noche recibe la llamada de esa mujer quien le agradece el gesto que ha tenido con ella y le confiesa que es  Ana, la mujer que hace veinte años fue el gran amor de su vida. Cuando Nino comenta a sus amigos este extraño encuentro, uno de ellos le asegura que Ana murió hace años, lo que despierta la curiosidad del protagonista.

A pesar de la pobre puesta en escena de la película, la historia consigue bastante credibilidad sobre todo por las excelentes interpretaciones de la pareja protagonista, un Marcello Mastroianni en su etapa de plena madurez artística y la exquisita presencia de Romy Schneider a pesar de aparecer en alguna escenas muy envejecida y ajada por la caracterización del personaje.

A pesar de ser una película poco conocida y bastante infravalorada, cuenta una gran historia de amor y se puede considerar como una de las mejoras obras del realizador italiano.

Otra razón por la que merece la pena revisar esta película es su magnífica banda sonora, una composición exquisitamente romántica de Riz Ortolani, uno de los maestros de la banda sonora italiana. Ortolani consigue transmitir, el drama, el romance y el misterio de la historia con una delicada música orquestal con unos suaves toques de jazz. El músico italiano contó con una colaboración de lujo, la del mismísimo Benny Goodman el gran instrumentista de jazz norteamericano, con su interpretación al clarinete y cuyo solo en el tema principal de la película es antológico.

La Música en el Cine de ROMY SCHNEIDER (I) - LES CHOSES DE LA VIE (Philippe Sarde)

Al igual que he hecho en entradas anteriores de este blog comentando bandas sonoras de algún genero musical o cinematográfico, o de algún director o compositor, me ha parecido interesante recordar la música de algunas películas de un determinado actor/actriz. Escuchando hace poco, viejas bandas sonoras, me llamó la atención que en la portada de alguno de los discos aparecía Romy Schneider como protagonista de las películas a la que pertenecía la música que escuchaba. Música que me parece tan bella, tan intensa y tan dramática como fue la propia vida de esta maravillosa mujer. Además muchas de las películas en las que intervino sobre todo en su última etapa parecían explotar esa tristeza y amargura que arrastró desgraciadamente en su vida personal. Su pasado familiar ligado estrechamente a la Alemania nazi; sus fallidos romances y matrimonios a pesar de su fama y belleza y quizás lo más duro de su vida y de lo que nunca se recuperó, la tragica muerte de su hijo de 14 años, la llevaron desolada y solitaria a una prematura muerte a los 43 años víctima de una crisis cardíaca o quizás de un suicidio.

Lanzada al estrellato gracias sobre todo a su interpretación de la joven emperatriz Sissi en una serie de películas en los años 50, que le abrió las puertas a alguna producciones internacionales, es a partir de la decada de los 70 cuando empieza a desarrollarse como verdadera actriz dramática. 

En 1970 rueda "Les Choses de la Vie" de Claude Sautet, por aquel entonces su amante, y que fue la primera película de una trilogía de historias de amor que Sautet realizó, protagonizadas por Romy Schneider. La película desarrolla una historia sencilla e intimista sobre un hombre que en una encrucijada de la vida, pasa revista a la relación que ha mantenido con sus dos amores, su esposa y su amante. Tanto la dirección, el guión, como la buena química entre la pareja protagonista, Romy Schneider y Michel Piccoli hizo creíble esta emotiva historia y contribuyó en buena manera al éxito de la película. 

La banda sonora supuso el debut en el cine de su compositor Philippe Sarde con una partitura intimista, romántica y de una sensibilidad exquisita. Tras este comienzo, la carrera de Philippe Sarde quedaría estrechamente ligada al cine de Sautet, con el que colaboraría  en numerosas ocasiones en la filmografía del director, así como también en las películas de madurez de Romy Schneider. La banda sonora contiene una inolvidable canción interpretada por la propia Romy Schneider y Michel Piccoli, "La chanson d´Helene" que se convirtió en todo un acontecimiento y obtuvo un gran éxito.

En los dos siguientes videos con escenas de la película (en las que destaca sobre todo la  cautivadora belleza de la actriz), aparece el tema principal de la banda sonora y la famosa "La chanson d´Helene". 

  

Le Mépris (El Desprecio) - GEORGES DELERUE

"Le Mépris" es una de las grandes obras de Jean-Luc Godart y una de las películas más representativas de la "nouvelle vague". Con esta producción de 1963, basada en la novela homónima de Alberto Moravia, Godard inauguró una etapa de experimentación y cambio constante que ha ido desarrollando en su cine hasta el momento actual. 

La historia es una brillante adaptación de la novela de Moravia, que aborda por un lado la crisis matrimonial de una pareja de recién casados y por otro el conflicto artístico del protagonista que es capaz de abandonar su vocación literaria por una cuestión monetaria. 

Paul Javal (Michelle Piccoli) es un dramaturgo francés que acepta reescribir el guión de una película sobre "La Odisea" que un reputado director alemán, Fritz Lang, va a rodar en Capri. Durante un primer encuentro con el productor norteamericano de la película, el escritor deja que su bella esposa Camille (Brigitte Bardot) acompañe al productor a su finca, lo que dará lugar a un malentendido creyendo esta que la ha ofrecido como moneda de cambio para obtener un mejor contrato. Camille se sentirá humillada por el hombre al que ama, lo que provocará que su matrimonio entre en una grave crisis. El sentimiento de Camille hacia Paul evolucionará desde un profundo amor, hasta la indiferencia y finalmente el desprecio por el hombre al que consideraba su gran amor.

Cabe destacar la interpretación de Michel Piccoli en el complejo papel como escritor  y el conflicto que se genera  entre sus aspiraciones literarias y el tener que aceptar un encargo por dinero, y por otra parte su perplejidad ante la actitud de su esposa desde un profundo amor, el rechazo y por último el desprecio que les conducirá a un trágico final. Respecto a Brigitte Bardot, bellísima y que se encontraba en su momento de mayor esplendor, muestra toda la carga de sensualidad y erotismo que tenía la historia y que la actriz supo encarnar de manera magistral. Godard también realizó un homenaje a Fritz Lang, que en la película se interpreta a si mismo, en una clara muestra de la admiración que el y todos los componentes de la "nouvelle vague" mostraron hacia los grandes directores del cine clásico de los años 40 y 50.

Otro de los grandes aciertos de la película es la magnífica fotografía, con una utilización del color que resulta fascinante, especialmente en las escenas rodadas en los estudios de "Cinecittà" y los escenarios naturales de Capri con ese azul del mediterraneo como telón de fondo. 

Y para terminar de redondear la película, Jean-Luc Godard contó con una de las más bellas composiciones de Georges Delerue, el músico por excelencia de la "nouvelle vague". Delerue realizó una música, con un conjunto de melodías que describen perfectamente los diferentes momentos y estados de ánimo por los que atraviesan los personajes, siendo el fragmento más conocido, el "Tema de Camille", una melodía nostálgica de un lirismo extraordinario, que describe perfectamente la amargura de los protagonistas y que se ha convertido en uno de los elementos más sobresalientes e inolvidables de la película y que algunos consideramos un personaje más de esta historia.

Los siguientes dos videos del "Tema de Camille" son en primer lugar la versión orquestal y en segundo lugar la evocadora versión para piano, que considero verdaderamente sublimes. 

Los Abrazos Rotos - ALBERTO IGLESIAS

En primer lugar tengo que reconocer que "Los abrazos rotos" es una de las películas de Almodovar que a mí, menos me gusta. Pero por otra parte es una de las mejores bandas sonoras del tandem que ya forman, Pedro Almodovar como director y Alberto Iglesias como compositor. Y aunque suelo traer a este blog comentarios de esos casos de buenas películas con buenas bandas sonoras (siempre desde mi punto de vista personal), creo que no podía dejar de comentar esta banda sonora a pesar de que la película de la que forma parte no me parezca tan interesante. Lo que si es innegable es la perfecta conjunción entre la historia, esas imágenes tan propias del cine de Almodovar  y la maravillosa banda sonora del que quizás sea en estos momentos nuestro compositor cinematográfico más reconocido a nivel nacional e internacional. 

En el 2009 cuando se rodó esta película, el cineasta manchego ya se encontraba en la cumbre de su carrera y había demostrado su magnífica calidad como director, tanto en la puesta en escena con esa estética tan particular, como en la dirección de actores a los que exprime y sabe sacar lo mejor, ya sean personajes protagonistas como secundarios.

El guión del propio Almodovar, nos presenta a Harry Caine seudónimo de Mateo Blanco (Lluis Homar) un escritor, director y guionista ciego, que escribe, vive y ama en una oscuridad más intensa que la propia que el padece físicamente. Su ceguera se debió a un accidente que sufrió años atrás junto al amor de su vida Lena (Penélope Cruz) y que los separó y los marcó de una manera brutal.  Catorce años después y como si de un guión de su propia vida se tratara, Harry contará la historia de su vida a Diego la persona que le sirve de secretario y lazarillo, hijo de su fiel amiga Judith (Blanca Portillo) que le ha cuidado desde entonces. Una historia que habla de la fatalidad, los celos y la traición, salpicada de un terrible sentido de culpa donde para nada se cumple el conocido refrán de "ojos que no ven, corazón que no siente", sino todo lo contrario.

Almodovar abandonó en esta ocasión el lado costumbrista que había mostrado anteriormente en películas como "Volver" o "Hable con ella" para centrarse en una trama más oscura con referencias muy cinéfilas al melodrama clásico, que reúne todos los cánones del cine de este genero, eso sí salpicado con la simbología y la identidad propia de su cine.

En definitiva, una película que a pesar de su excesiva frialdad, si destaca por un impecable acabado y una fantástica banda sonora.

Con la extrema humildad que le caracteriza, Alberto Iglesias ha ido poco a poco afianzándose como un músico de una categoría extraordinaria y ha encontrado en el cine de Pedro Almodovar su habitat perfecto. Con "Los abrazos rotos", Iglesias conseguiría el cuarto Goya en sus colaboraciones con Almodovar, en una banda sonora intimista que consigue ampliar con sus melodías la profundidad de los personajes, convirtiendo su música en parte fundamental del guión de la película.

Como también ha sido característico en su cine, Almodovar incluye una canción principal, en este caso  interpretada por Miguel Poveda, "A ciegas" un clásico de la copla de Quintero, León y Quiroga que había popularizado Concha Piquer en los años 50. Un tema con una preciosa letra que perfectamente podría haber sido escrita para esta historia, y que Alberto Iglesias arregla y utiliza musicalmente en varias escenas, como en los títulos de crédito y los títulos finales. La grabación de la canción para la banda sonora, de Miguel Poveda con el arreglo de Alberto Iglesias es maravillosa y forma ya, parte inseparable de esta película. 

Los siguientes videos son en primer lugar el tema principal y en segundo lugar el tema final donde se incluye la canción "A ciegas" de Miguel Poveda, que se funde perfectamente con la música de Alberto Iglesias.

Este último video es una interpretación en directo de Miguel Poveda acompañado por la Orquesta Nacional de España donde se puede apreciar además de la totalidad de la letra de la canción, la pasión y sentimiento que este gran artista pone en esta canción de "abrazos rotos".