Cuando La Música Es Sensualidad (I) - EYES WIDE SHUT (Baby Did A Bad Bad Thing" - Chris Isaak)

La música siempre ha sido el acompañamiento ideal en muchas escenas "subidas de tono" en toda la historia del cine. Las notas de una romántica melodía o el uso de una suave canción consiguen incrementar la intensidad sensual de muchos encuentros sexuales que quedarían muy sosos sin ellas. En muchas ocasiones ha sido el "love theme" de la banda sonora ese fragmento musical que vale para cualquier escena romántica incluidas las escenas de contenido más o menos sexual, pero existen una gran variedad de temas y estilos musicales capaces de crear esa atmósfera necesaria para subir aun más la temperatura en algunos momentos del metraje de todo tipo de películas.

Hay miles de ejemplos, de los que me gustaría comentar algunos de los que desde un punto de vista musical me parecen de los mejores momentos en los que la música transmite "sensualidad", cuando acompaña a una escena o simplemente cuando la música es la máxima protagonista del film muy por encima de las imágenes y de la historia que cuenta.

EYES WIDE SHUT

El cine de Stanley Kubrick siempre se caracterizó por su elevada carga sexual y toda una variedad de aspectos morbosos en sus historias. En la que sería su obra póstuma "Eyes Wide Shut" el sexo y el erotismo conforman una historia agresiva y perturbadora en la que se lleva al límite las relaciones de pareja. Quizás sea una obra bastante incomprendida del maestro Kubrick, aunque muchos la consideran como el digno final de una de las más brillantes carreras en la dirección cinematográfica.

Una película en la que el director consiguió sacar el mayor de los partidos a dos actores como Tom Cruise y Nicole Kidman cuyas carreras están llenas de altibajos, pero que en esta ocasión y tan bien dirigidos sacaron de lo mejor que han hecho en el cine hasta el momento. Hasta algunos se preguntan como Sidney Pollack no aprovechó más su faceta de actor teniendo en cuenta su gran actuación en esta película.

La banda sonora estuvo cuidadosamente escogida por Kubrick, donde mezcló temas de música clásica, música New Age con un sonido litúrgico, algún tema de jazz y una canción pop "Baby Did A Bad Bad Thing" de Chris Isaak que acompaña, para mi gusto, los mejores 50 segundos de una escena que es pura "sensualidad" entre una pareja y su imagen en un espejo. 

Una escena que sobrepasa con creces el contenido pretendidamente censurado del videoclip original de la canción. Pero al fin y al cabo la música es lo que cuenta y en este caso es una canción que podría acompañar perfectamente cualquier escena de alto voltaje sexual de cualquier película.....y si no lo creéis, haced la prueba.

La Música de PASCAL GAIGNE (III) - Gordos

Tras su prometedora opera prima, Azul Oscuro Casi Negro, Daniel Sánchez Arévalo vuelve a sorprendernos con "Gordos", una de esas historias que no deja indiferente al espectador, dando con la medida justa entre humor y dramatismo. Porque en el fondo todos llevamos "un gordo dentro", sobre todo en una sociedad como la actual en la que el culto al cuerpo, parte como ideal de belleza y parte como ideal de salud, nos mantiene en una lucha constante con nuestro mayor enemigo contra la obesidad, "nosotros mismos". Y eso es lo que refleja perfectamente esta película, una historia sobre los excesos y las carencias de la vida. 

En ella se nos presentan cinco historias que giran en torno a la obesidad, a través de un entorno común, un grupo de terapia en la que los personajes no van a adelgazar, sino a encontrar los motivos por los cuales están "gordos", lo que lleva en algunos momentos a mostrar que el peso y su cuerpo es lo de menos. 

El reparto, bastante acertado consigue transmitir esos altibajos de los que está llena la película, y consiguen emocionar, divertir y sobre todo dar que pensar. Ello ha requerido a alguno de los interpretes un esfuerzo físico importante, teniendo que engordar y adelgazar en varios periodos de la grabación.

Mención especial me parece la transformación de Antonio de la Torre, en una magnífica actuación que le valió el Goya al mejor actor.

En resumen, una historia de culpa, deseo, miedo, ilusión, sueños, sexo, amor,.... un compendio de contradicciones, como la vida misma.

Sanchez Arévalo, vuelve a contar para la bada sonora con la colaboración de Pascal Gaige, quien haciendo honor a su estilo intimista, compone una música sencilla, porque "Gordos" es una historia de personajes sencillos. Una partitura que refleja sentimientos de bondad, inocencia e ingenuidad, con un punto de ironía que encaja perfectamente con las diferentes historias de los personajes de esta película. 

El tema principal es una pequeña maravilla musical, con una sencillo arreglo orquestal y usando el piano y la guitarra como instrumentos principales. Una melodía que sirve de referencia emocional y que transmite perfectamente la esencia y el mensaje de esta película.

La Música de PASCAL GAIGNE (II) - Siete Mesas de Billar Francés

El oficio del "cine" como todo en esta vida se aprende, pero algunos lo llevan en la sangre como es el caso de Gracia Querejeta, una de las directoras más interesantes del panorama del cine español. Y es que haber crecido de la mano de Elias Querejeta uno de los personajes más importantes de nuestro cine, es el mejor aprendizaje que un cineasta pueda tener.

Desde sus inicios el cine de Gracia Querejeta se ha caracterizado por la sencillez, plasmada en unos magníficos guiones. "Siete Mesas de Billar Francés" es una de sus mejores películas, una historia de personajes al límite, inmersos en unas situaciones difíciles en los que se sobreponen a la adversidad y saben sacar lo mejor de sí mismos, una de esas historias dramáticas llevada al límite buscando siempre el lado más humano.

Todo empieza cuando Angela (Maribel Verdú) vuelve con su hijo a su ciudad natal al enterarse de la grave enfermedad de su padre del que se había distanciado. Al llegar y tras la muerte de este, Charo (Blanca Portillo) la novia de su padre le informa de la situación ruinosa del negocio que regentaban, un viejo salón de billar. Angela decidirá entonces sacarlo a flote, para lo cual y recordando lo que su padre le había enseñado, echará mano de los antiguos amigos de su padre para formar un equipo de competición que devuelva la brillantez al salón de billar.

Gracia Querejeta apuesta de nuevo por el drama más emotivo, pero por primera vez en su cine introduce momentos cómicos que se integran perfectamente en la historia de manera consecuente y con estilo gracias a un guión impecable. Las dos actrices principales están soberbias, en un duelo interpretativo de lo mejorcito del cine de los últimos años y quedó de manifiesto con la merecida Concha de Plata del Festival de San Sebastián para Blanca Portillo, que bien podría haber sido para ambas. Como ya viene siendo también habitual en nuestro cine, el resto del elenco está estupendo con un reparto de actores secundarios de lujo, de los que la directora saca lo mejorcito de cada uno de ellos.

Unas película que te hace pasar un rato muy agradable, ese tipo de cine con una buena historia, de las que consiguen emocionar.  

Otra vez Pascal Gaigne se mueve como pez en el agua poniendo música a esta historia, componiendo una banda sonora suave y melancólica, como en este tema principal donde utiliza el piano con una delicadeza y elegancia exquisitas.

La Música de PASCAL GAIGNE (I) - Azul Oscuro Casi Negro

Francés, aunque afincado en San Sebastián, Pascal Gaigne es uno de esos compositores que de una manera sencilla se ha consolidado en el panorama de la música cinematográfica nacional. Su colaboración con directores reconocidos como Victor Erice, Daniel Sánchez Arevalo, Iciar Bollain o Gracia Querejeta ha dado lugar a un buen número de trabajos que se encuentran entre lo mejor que se ha compuesto en nuestro cine en los últimos años.

Su música que se mueve entre melodías intimistas y tranquilas, con el uso de pequeñas formaciones orquestales, resulta encantadora, ambientando las imágenes a las que acompaña con una tremenda calma y expresando de una manera perfecta los sentimientos de los personajes.

Si algo define su música es su sencillez, música sencilla para historias sencillas y personajes sencillos, como es el caso de la música para tres de sus mejores bandas sonoras:

Azul Oscuro Casi Negro, fue el brillante debut en la dirección de Daniel Sánchez Arévalo. Una película magnífica que alcanzó un gran éxito en la Gala de los Goya del año 2006 con el Goya a la mejor dirección novel, actor de reparto y actor revelación y en el Festival de Málaga donde consiguió el premio al mejor guión, premio de la crítica y premio especial del jurado. Una historia potente y original con un excelente trabajo de dirección, donde se mezclan a partes iguales momentos dramáticos y momentos cómicos.

Jorge es un joven que en los últimos años ha compaginado con gran esfuerzo sus estudios, el cuidado de su padre impedido por un infarto cerebral y el trabajo heredado de su padre como portero de un edificio. A pesar del empeño en querer mejorar, no encuentra un trabajo acorde a sus estudios (licenciado en empresariales), su vida no avanza lastrada por el cuidado de su padre, aparece su exnovia para complicar las cosas y para colmo su hermano que está en la cárcel le pide algo sorprendente.

Destacable es también el reparto, con un Quim Gutiérrez en en papel principal que resulta toda una revelación, Marta Etura que está fantástica y dos secundarios de lujo, Antonio de la Torre como el hermano del protagonista y Raul Arévalo como su mejor amigo.

Una película modesta hecha con mucho sentimiento, de las que reconcilia con el cine español. Totalmente recomendable.

La música de Pascal Gaigne se mueve perfectamente en el terreno intimista y humano en el que se desarrolla esta historia. Y aunque la banda sonora es disfrutable en una audición aislada, es mucho más efectiva junto a las imágenes de la película donde cala perfectamente con el espíritu de la historia y el alma de los personajes. Un ejemplo claro de lo que es la composición cinematográfica: pura música para las imágenes.

De entre los temas de la banda sonora destacaría estos dos: el tema principal "Azul oscuro casi negro" con un planteamiento rítmico que se convierte en el eje principal del protagonista y "Solaris" un melancólico tema al piano.

La banda sonora también incluye una preciosa canción titulada "Imaginarte" en la cálida voz de Alba Garate, la cantante de Lantana.

La Fuerza del Cariño (Terms of Endearment) - MICHAEL GORE

Hay películas que sin ser lo que todos entendemos como "una gran película", reúnen una serie de características que las llevan a lo más alto y al éxito más absoluto. Esto es lo que ocurrió con "La fuerza del cariño" el film de James L. Brooks del año 1983, que arrasó en la taquilla, fue un éxito de crítica y consiguió un buen número de premios cinematográficos a nivel internacional.

Partiendo de una historia mil veces contada en el cine, pero esta vez convertida en un muy buen guión, nos encontramos con una comedia dramática que desató las lágrimas de los espectadores de todo el mundo. Y es que si se incluyen dos grandes estrellas como Shirley McLane y Jack Nicholson fantásticos como casi siempre y una joven Debra Winger en un gran momento de su carrera (venía de rodar el año anterior "Oficial y Caballero"), todos ellos magníficamente dirigidos, el éxito estaba claramente garantizado.

Aurora (Shirley McLane) y Emma (Debra Winger) son una madre viuda y una hija, muy unidas, aunque con puntos de vista muy diferentes sobre la vida y el amor. Aurora que ha criado a su hija prácticamente sola y de una manera muy protectora no ve con buenos ojos el momento en que su hija se casa y se marcha de casa, lo que llega a enfrentar a ambas. El vacío creado por la ausencia de su hija se llena con un romance con la persona más insospechada, Garrett (Jack Nicholson) un vecino ex-astronauta y mujeriego que consigue romper la frialdad que hasta ese momento había mantenido Aurora frente al amor. Tras separarse de su marido y con tres hijos a su cargo, Emma vuelve a recuperar la relación con su madre pero la felicidad del reencuentro se verá truncada por una melodramática situación en uno de esos finales demoledores.

Como era previsible una historia como esta rompió los corazones de los académicos de Hollywood y con un total de 11 nominaciones, la película consiguió 5 de los grandes, 3 para James L. Brook, película, director y guión adaptado, uno para Shirley Mclane como actriz principal y otro para Jack Nicholson como actor secundario.

El duelo interpretativo entre ambas mujeres, una madre testaruda y complicada, y una hija rebelde y decidida, y esa historia de amor otoñal tan tierna como divertida consiguieron de manera muy inteligente hacer llorar y reír a partes iguales y poney de manifiesto lo real y cercana que es esta película.

Otro gran acierto de la película es la banda sonora de Michael Gore, un discreto compositor norteamericano que aunque venía de ganar un Oscar por su anterior trabajo en la banda sonora del musical "Fame", quizás sea recordado mejor por la música para esta película. El tema principal de "La Fuerza del cariño" que posee uno de esos momentos de crescendo musical verdaderamente emocionante, es ya todo un clásico y una de las melodías más reconocibles de la música cinematográfica.

Y como muestra estos tres fragmentos representativos de una banda sonora breve pero de una gran belleza, el tema principal, el tema de amor de Aurora y Garrett y el tema final. 

Caprichos del Destino (Random Hearts) - DAVE GRUSIN

Considerada como uno de los film menos afortunados de  la carrera de su director, Sidney Pollack, "Random Hearts" no deja de ser otra de sus típicas historias de amor pero con un guión pobre y algo disperso.

Como ya había hecho en alguno de sus grandes films como, "Tal Como Eramos", "Memorias de África" o "Habana", Pollack vuelve a reunir a dos grandes actores como son Harrison Ford y Kristin Scott Thomas pero en esta ocasión falla lo más importante en este tipo de historias, la química entre ellos no llega a producirse y la historia va perdiendo interés a medida que avanza.

El es un policía de asuntos internos, felizmente casado y ella es una importante congresista también casada y madre de una hija adolescente. Tras un accidente aéreo ambos descubran que sus parejas que han fallecido, viajaban juntas en el avión y al parecer mantenían una relación. A partir de ese momento descubrirán la verdadera situación de sus respectivos matrimonios y los acercará en un sentimiento de amor traicionado. De una manera un poco morbosa ese "capricho del destino" hará que ambos descubran el amor de su vida a través de la muerte de otros. Una historia más de dolor que de amor.

Afortunadamente, Pollack contó de nuevo con la colaboración de Dave Grusin en la banda sonora. Con la magnífica interpretación a la trompeta de Terence Blanchard y utilizando el jazz más melódico y los sonidos latinos muy habituales en su música, Grusin crea una bella y cautivadora partitura que en este caso encaja perfectamente con esta historia. Una de esas bandas sonoras que funciona perfectamente incluso sin haber visto la película. 

Confieso que fui uno de los que compró la banda sonora inmediatamente después de haberla visto.

La banda sonora incluye también dos magníficas canciones, por un lado una balada de jazz en la voz de Diana Krall, "The Folks Who Live On The Hill" y otra balada con sonido country, "Good Thing" de Patty Larkin, con arreglo del propio Grusin.

En fin una muy buena música para una película "normalita". En el cine a veces "todo" no es posible.

Como Agua Para Chocolate - LEO BROUWER

"Como Agua Para Chocolate", una de las mejores películas de la historia del cine mexicano, es el resultado de una serie de factores que bien coordinados aseguran el éxito como efectivamente el que tuvo esta maravillosa película. Por un lado una fiel adaptación a la novela homónima de Laura Esquivel que había sido un  gran éxito de ventas, por otro una excelente producción que contó con un elevado presupuesto, el más costoso del cine mexicano hasta el momento y finalmente fue una película que contó con una inteligentísima comercialización, consiguiendo llegar más allá del mercado latinoamericano, y siendo la primera cinta que abrió las puertas de Hollywood y del cine mundial a la cinematografía mexicana.

El gran artifice del éxito de la película es sin duda Alfonso Arau, su director. Arau supo aprovechar de primera mano la magnífica novela de Laura Esquivel que por aquel entonces era su esposa y aplicar la experiencia acumulada por el trabajo que venía realizando en el cine norteamericano. Los diez premios "Ariel" de la academia de cine mexicano y el grandísimo éxito internacional demuestran que Arau sabía perfectamente lo que hacía.

La historia enmarcada como uno de los mejores ejemplos del denominado "realismo mágico", presenta una historia de amor y gastronomía ubicada en el México fronterizo de principios del siglo veinte en plena época de la revolución mexicana. Tita la menor de tres hermanas debe seguir la tradición familiar de quedarse soltera cuidando a su madre Mama Elena, hasta la muerte de esta, lo que obstaculizará la relación de Tita con Pedro, su amor desde la niñez. Entre los olores y sabores de la cocina tradicional mexicana, Tita sufrirá durante muchos años por un amor que perdurará más allá del tiempo.

Junto a una excelentes interpretaciones, la comida juega un papel principal, con unos momentos maravillosos y mágicos en los que la protagonista a través de los platos que prepara, hace sentir a todos lo que ella siente, amor, deseo, tristeza...  Y nada mejor para expresar esto que una de las frases de la película:

"Cuando Tita sintió sobre sus hombros la ardiente mirada de Pedro, comprendió perfectamente lo que debe sentir la masa de un buñuelo al entrar en contacto con el aceite hirviendo".

Una película totalmente recomendable para los que disfrutan de las bellas historias de amor y de la buena comida.

Y como no, una de las "guindas" de esta película es su bellísima banda sonora, obra del cubano Leo Brouwer, uno de los más grandes compositores y guitarristas de música clásica del siglo XX.

Brouwer nos presenta por una parte unos temas con el sonido del folklore mexicano y por otro una música romántica y melancólica para expresar los sentimientos de la protagonista y que aparecen fundamentalmente en dos temas, el tema de Tita y el tema de amor de Tita y Pedro.

El tema principal de Tita en sus distintas variaciones a lo largo de la película, se convierte en la melodía que define sobre todo la tristeza del personaje ante la imposibilidad de su relación con su gran amor. Una música con una belleza sorprendente totalmente a la altura de una película como esta.

Música para "lolitas" (III) - El Amante (GABRIEL YARED) / La Flaqueza del Bolchevique (ROQUE BAÑOS)

EL AMANTE - Gabriel Yared

Después de la "Lolita" de Nabokov, quizás la otra gran "lolita" tanto de la literatura como del cine es la protagonista de "El Amante" la novela de Marguerite Duras, que está considerada como un gran clásico de la literatura francesa del siglo XX.

En 1991 Jean-Jacques Annaud lleva al cine esta famosa novela, una historia semi-autobiográfica sobre un amor ilícito en la Indochina francesa de 1929, entre una adolescente francesa y un rico comerciante chino. Al igual que ya había pasado con la adaptación de la "Lolita" de Nabokov, en esta ocasión también se elevó la edad de la protagonista que en la novela tenía 15 años hasta los 18, con el objeto de salvar una situación que podía considerarse escandalosa para una producción de este tipo.

Duras refleja en esta historia la apasionada relación de deseo, amor y odio que surge entre estos dos personajes y que en el caso de ella es de alguna manera un foco de escape de la relación tormentosa con su rara familia y la pobreza en la que viven. Los dos amantes vivirán una apasionada y tormentosa relación a escondidas, dejándose llevar por una fuerte atracción sexual más que amorosa, una experiencia que dejará una marca imborrable en ella. Un despertar a la madurez que llegó demasiado pronto y que como queda plasmado perfectamente en una de las primeras frases del libro: "Muy pronto en mi vida fue demasiado tarde.... A los 18 años envejecí".

La película cuenta con una vistosa recreación del Vietnan colonial y una estupenda fotografía, además de con un buen número de escenas eróticas, bastante bien resueltas, ajustadas y suavizadas, y en donde el relato intimista de Duras se reduce a la "voz en off" de Jeanne Moureau.
Jane March en su debut cinematográfico, cumple en su papel de "lolita" metida en una relación envenenada e imposible y Tony Leung en su primer proyecto internacional está muy correcto como el adulto con un frágil corazón que sufre amando a esa niña-mujer.

Pero sobre todo en lo que destaca esta película es en la maravillosa música compuesta por Gabriel Yared. Con esta banda sonora el nombre de Yared empezó a sonar en el mercado internacional, y nos dejó un tema principal de los más bellos escritos por el compositor, una música de una exquisita sensibilidad de los que se quedan grabados en la memoria y que marcan tanto a una película como a su compositor.
La banda sonora mezcla música de ambientación exótica con sonidos orientales y música de época (foxtrot, tango, habanera...) que aparece en muchas escenas de baile de salón. El tema principal que se repite en múltiples variaciones utiliza fundamentalmente tres instrumentos, el sintetizador, el clarinete  y el piano, instrumentos que definen perfectamente el exotismo, la inocencia y el erotismo que destila esta historia, que su autora confesó que fue real.

LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE - Roque Baños

Para completar esta recopilación de música para "lolitas", quiero comentar la historia de una "lolita" nacional y la música de uno de los mejores compositores españoles de música para el cine, Roque Baños.

Basada en el libro del mismo título de Lorenzo Silva, "La Flaqueza del Bolchevique" es llevada a la pantalla por Manuel Martín Cuenca en el año 2003 . Una película sencilla que recrea de nuevo el mito de "lolita", la relación entre un hombre adulto y una adolescente, aunque en este caso la historia deja a un lado el aspecto pasional para centrarse más en un amor profundo.

Pablo es un tipo normal de treinta y tantos con un trabajo normal que se encuentra amargado, cansado y harto de todo. Un accidente de tráfico con una pija insufrible y el enfrentamiento y el lío con la policía y el seguro, le hará empezar a putearla para salir un poco del tedio en el que se encuentra. Pero un día conocerá a María, la hermana adolescente de la pija y su existencia volverá a tener sentido y su vida cambiará para siempre.

Si la interpretación de Luis Tosar como Pablo es fantástica, como suele ser habitual en este actor, la gran revelación de la película es María Valverde la protagonista, que se convierte en la "lolita" de Nabokov hablando español y viviendo en el centro de Madrid. Su interpretación le valió el Goya a la mejor actriz revelación del año y el descubrimiento de un rostro fascinante para el cine.

La banda sonora de Roque Baños es fantástica, una música de aire melancólico y otoñal en la que se utilizan solo cuatro instrumentos, destacando el chelo y el piano. Roque Baños compone una de esas obras que se ajusta perfectamente a la dulzura y naturalidad de esta historia de amor. 

Música para "lolitas" (II) - Taxi Driver (BERNARD HERRMANN) / American Beauty (THOMAS NEWMAN)

Aunque en dos papeles secundarios, las dos "lolitas" de los filmes que quiero comentar hoy, son parte del eje principal de las historias que se cuentan en estas dos grandísimas películas.

TAXI DRIVER - Bernard Herrmann

"Taxi Driver" se puede considerar como una de las grandes películas de culto de la historia del cine. Una película hecha en estado de gracia, donde confluyen una gran historia plasmada en un brillante guión obra de Paul Schrader, inmejorablemente dirigida por un Martin Scorsese que ya apuntaba maneras, con un reparto de lujo y una música maravillosa. Una de esas películas que se puede considerar "completa", que obtuvo la Palma de Oro en Cannes y cuatro nominaciones a los Oscar, y que de alguna manera marco el origen del thriller moderno. Una obra imprescindible.

En esta ocasión el papel de "lolita" interpretado por una jovencísima Jodie Foster, en el papel de Iris, una prostituta de trece años, que forjará una estrecha relación con Travis (Robert De Niro), un excombatiente de Vietnan mentalmente inestable que pretende protegerla y sacarla de ese sórdido mundo en el que vive, será uno de los motivos que hará encender la mecha de la desatada locura y la espiral de violencia en la que se verá envuelto este personaje. Dos seres totalmente complementarios, uno que necesita a alguien a quien salvar y el otro necesitado de alguien que le salve.

Bernard Herrmann compuso para esta película su última banda sonora y una de sus grandes obras. Taxi Driver supuso la mejor manera de despedirse, dando un giro importante en su manera de hacer música, apartándose de su estilo sinfónico habitual y utilizando el sonido de jazz para ambientar el escenario urbano en el que transcurre esta historia. Una música que refleja perfectamente la dualidad del personaje, por una parte un tema jazzístico suave con el saxo, que contrasta en otros momentos con un sonido más duro y áspero, todo acorde a los momentos emocionales y psicológicos por los que pasa este insomne y solitario "taxista nocturno". 

AMERICAN BEAUTY - Thomas Newman

En 1999, "American Beauty" opera prima de Sam Mendes, se convirtió en una de las grandes sorpresas del año. Una película ante la que se rindieron tanto la crítica como el público y que consiguió acaparar un buen número de premios internacionales, incluyendo 5 Oscar, 6 BAFTA y 3 Globos de Oro.

Aunque pueda parecer una crítica mordaz, corrosiva y demoledora sobre la clase media americana, la historia va mucho más allá y todos esos trapos sucios que airea son perfectamente extensibles a cualquier otra sociedad, más allá de las fronteras norteamericanas.

En esta ocasión la "lolita" es una joven y descarada estudiante que aparece en la vida de Lester (Kevin Spacey), un  cuarentón en crisis cansado de la vida que lleva, con una mujer que no le entiende (Annette Bening) y una hija adolescente (Thora Birch) apática con la que casi no habla. Ante esta amarga situación, Lester recobra la ilusión cuando conoce a Angela (Mena Suvari), la mejor amiga y compañera de colegio de su hija, a la que intentará impresionar a toda costa. Esta obsesión, que indigna cada vez más a su hija, se verá correspondida por esta aprendiz de "lolita" que se siente atraída por el morbo que le produce el trato encantador de Lester. 

La imagen de la fantasía de Lester con esa lluvia de pétalos de rosa cayendo sobre el cuerpo desnudo de Angela, se ha convertido ya en una de los más famosos iconos cinematográficos asociado a esta película.

Una obra maestra del cine y una de esas películas que hace reflexionar sobre la manera de afrontar la vida.

La banda sonora de Thomas Newman, es una obra de carácter minimalista que a pesar de su simplicidad encaja y subraya perfectamente los estados de ánimo y las emociones de los personajes. Newman utiliza con gran maestría junto al piano, su instrumento favorito, otros instrumentos poco habituales como principales, como el xilófono consiguiendo momentos de gran sutileza y una elegante belleza.

Como es habitual en este tipo de producciones, junto a la banda sonora original, se utilizan un buen número de canciones, entre las que me gustaría destacar la versión que hace Elliott Smith del tema "Because" de los Beatles, que está perfectamente en la onda de la música original de Newman para la película.

Música para "Lolitas" (I) - Lolita (NELSON RIDDLE) / Lolita (ENNIO MORRICONE) / Jeune & Jolie (PHILIPPE ROMBI)

El estreno estos días de "Jeune & Jolie" la última película de François Ozon, uno de los últimos enfant terrible del cine francés, me da pie para revisar algunos ejemplos de bandas sonoras para películas protagonizadas por lo que en términos comunes se denominan "lolitas".

LOLITA - Nelson Riddle

El término como tal aparece por primera vez en la novela de 1955, "Lolita" de Vladimir Nabokov asociado a la joven Dolores Haze, apodada "Lolita", como ese objeto del deseo que el protagonista Humbert Humbert tiene en su hijastra de 12 años, hija de su esposa Charlotte. Una atracción irrefrenable incrementada por el "inocente" juego de seducción que Lolita ejerce sobre Humbert.
La novela enseguida encontró adaptación cinematográfica en las manos de unos de los directores más atrevidos y controvertidos de la historia del cine, Stanley Kubrick. En 1962 Kubrick rueda una excelente adaptación de la novela de Nabokov, que contó con guión del propio escritor. El inmenso talento del director a la hora de afrontar una delicada historia como esta, consiguió acallar las críticas y la polémica surgida tras el estreno del film y nos ha dejado una de las mejores películas sobre la perversa obsesión de la naturaleza humana. 
Las magníficas interpretaciones de sus dos protagonistas principales, James Mason en el papel de Humbert y de Sue Lyon como Lolita contribuyeron en buena medida al éxito de la película. La propia Sue Lyon descubierta por Kubrick con tan solo 15 años, fue la gran revelación de la película y se convirtió en todo un icono del cine, la "lolita". 

La banda sonora es obra de Nelson Riddle un prestigioso director de orquesta, conocido sobre todo como autor de los arreglos jazzísticos para big-band de cantantes de los años 50 y 60, como Fran Sinatra, Dean Martin, Nat King Cole o Judy Garland.
La música para la película, con temas orquestales totalmente incidentales destaca sobre todo por el tema asociado a la protagonista "Lolita Ya Ya", un pegadizo ritmo con acompañamiento vocal que refleja la frivolidad de esa jovencita que encarna a la perfección la dualidad inocencia-perversión, tan bien descrita en la obra de Nabokov. 

LOLITA - Ennio Morricone

En 1997, Adrian Lyne director que, también se ha caracterizado por tratar temas polémicos en su cine, rodó una nueva versión de "Lolita". Su adaptación, muy alejada de la maestría de Kubrick resulta totalmente oportunista y defrauda totalmente con ese intento de atraer al espectador con falsa provocaciones. Y es que Lyne se enfrentó a nada menos que a una gran novela que ya contaba con una grandísima adaptación al cine prácticamente inmejorable.

Lo único destacable de esta producción es la maravillosa banda sonora de Ennio Morricone, una música llena de lirismo y sensualidad, que funciona perfectamente junto a las imágenes de tensión erótica que Lyne rueda a cámara lenta. Pero Morricone también aporta con su gran maestría el grado de romanticismo musical para una historia de amor, desamor, decepción, soledad y miedo que es la Lolita de Nabokov.

JEUNE & JOLIE - Philippe Rombi

El último estreno de François Ozon, el tambien polémico realizador francés nos trae de nuevo una actualización de la "lolita" en el cine. En esta ocasión la historia nos muestra a una joven de 17 años de una acomodada familia y de buena posición que en su descubrimiento de la sexualidad se convierte en estudiante de día y en prostituta de lujo de noche. Más que explotar la parte morbosa de esta historia centrada en el sexo, Ozon nos presenta el cambio que se produce en una joven adolescente que descubre el poder asociado al sexo cuando se es "joven y bonita".

Ozon vuelve a contar con la colaboración de Philippe Rombi, un músico que se ha convertido en la gran revelación de la música cinematográfica europea. Y aunque la banda sonora de Rombi para la película es escasa, el tema principal es una melodía bellísima del estilo a la música de Morricone para Lolita. 

Rombi también refleja en su música el amor, las dudas y la desilusión de una "lolita" actual en busca de su propia identidad.