Las Series de TV y Su Música (I) - House of Cards (JEFF BEAL)

Hoy es habitual y muy gratificante para los aficionados a la música cinematográfica, que la mayoría de buenas series de TV que se están produciendo en los últimos años cuenten con bandas sonoras de una calidad más que notable. En algunas ocasiones la melodía de los títulos de crédito con el que empieza cada capítulo ha llegado a convertirse en verdaderos hits con los que la serie queda identificada en la memoria de los espectadores y puede llegar a convertirse incluso en auténticos éxitos de ventas.

Me gustaría hacer un breve repaso por algunas de estas melodías que con mayor o menor éxito me han causado una muy agradable impresión. 

Y voy a empezar hoy con "House of Cards" una serie sobre las intrigas que rodean al mundo de la política.

"House of Cards" es una serie norteamericana que empezó su primera temporada en 2013, y que es una adaptación de una miniserie británica de la BBC del año 1990 titulada en español como "Castillo de Naipes", que se basaba a su vez en una famosa novela de Michael Dobbs.

Cinematográficamente la serie ha contado con la participación en varios capítulos de directores tan importantes como David Fincher, Joel Schumacher y James Foley, una concentración de talentos que se nota considerablemente.

En ella se nos presenta al congresista del Partido Demócrata, Francis Underwood (Kevin Spacey) y su esposa Claire (Robin Wright) que no se detendrán ante nada ni ante nadie para conseguir sus propósitos.

Con un puesto relevante en el partido y en el congreso, Francis maneja con destreza los hilos del poder en Washington ayudado por su encantadora y manipuladora mujer. En la primera temporada de la serie encontrará una aliada en una joven periodista Zoe Barnes (Kate Mara), capaz también de todo por conseguir las mejores exclusivas. Ella aprovechará también su relación con el congresista para ascender en su carrera, pero se irá metiendo cada vez más en un entramado demasiado peligroso. Una historia de intriga política repleta de corrupción, sexo y avaricia, que da a veces que pensar.

Impresionante la actuación de Kevin Spacey, uno de esos personajes perversamente atractivo que presenta una imagen externa encantadora, pero que en el fondo es la auténtica encarnación del mal y la depravación.

En mi opinión la serie va en ascenso con cada capítulo en las dos primeras temporadas, y nos deja sobre todo determinadas escenas impactantes y planos tan maravillosos como inquietantes del congresista Underwood o de su esposa mirando fijamente a cámara, de esos que hielan la sangre.

Creo que con la impresionante secuencia final de la segunda temporada, la serie podría haber concluido magistralmente, ya que en la tercera temporada que se está emitiendo actualmente la historia ha perdido fuelle e interés, pero es lo que tiene querer exprimir al máximo el éxito televisivo.

En resumen, un producto de gran calidad con una factura técnica impecable y una interpretación de su protagonista principal, absolutamente genial, que ha llegado a encandilar hasta al mismísimo presidente Obama que se confiesa fan de la serie.

La banda sonora de la serie es obra de Jeff Beal, un compositor norteamericano que ha trabajado bastante en el mundo de la televisión. El tema principal de "House of Cards" que se escucha con los títulos de créditos y que encaja perfectamente con las imágenes de la ciudad de Washington hasta caer la noche sobre el Capitolio, es una melodía de esas que te engancha rápidamente. Una música dramática que recrea perfectamente ese submundo turbio y misterioso de la alta política.

Como muestra de la calidad del resto de la música compuesta por Jeff Beal para cada una de las tres temporadas realizadas hasta la fecha, es fantástico este tema de la tercera temporada con un sonido de violín tan impactante como inquietante.

Música para los Caídos (III) - Atonement (DARIO MARIANELLI) / Cuando Éramos Soldados (NICK GLENNIE-SMITH)

Aunque "Atonement" (Expiación, Más Allá de la Pasión), no es exactamente una película bélica, en este grandísimo drama romántico, la guerra y sus consecuencias juegan un papel fundamental en el desarrollo de la historia que nos cuenta.

Basada en una aclamada novela, "Attonement" es un texto con numerosos atractivos, por un lado una bellísima historia de amor ambientada con el fondo de la Segunda Guerra Mundial, pero sobre todo es una interesante reflexión sobre la culpabilidad, la responsabilidad y el perdón, de ahí su acertado título, porque verdaderamente es una gran historia de "expiación".

Ya comenté esta película y su maravillosa banda sonora en un post anterior (Atonement) y poco más puedo decir. Pero me gustaría señalar una escena muy destacada así como la música que la acompaña, y me refiero a ese memorable plano secuencia de una factura técnica impecable que muestra el recorrido del protagonista en la playa de Dunkerke, donde el maltrecho y derrotado ejército británico espera a ser evacuado. Una de esas escenas digna de pasar a la historia del cine que además tiene de fondo el tema "Elegy for Dunkirk" de la banda sonora ganadora del Oscar compuesta por un inspiradísimo Dario Marianelli. 

Un tema musical muy triste que queda subrayado con las voces de un coro de soldados que interpretan un famoso himno inglés, toda una elegía a esos soldados caídos, abatidos y derrotados. Una melodía que expresa mucho más de lo que muestran las propias imágenes.

"Cuando Éramos Soldados" es una película del año 2002 basada en un famoso libro de dos de los propios protagonistas que vivieron los acontecimientos que en ella se relatan. El coronel Harold G. Moore y el periodista Joseph L. Galloway participaron en la Batalla de la Grang, el primer enfrentamiento a gran escala del ejercito norteamericano en la Guerra de Vietnam.

Y aunque a priori pueda parecer otra de esas películas en las que se hace gala del típico patrioterismo yanqui, es uno de los pocos films bélicos en el que no hay un ensañamiento con el ejercito enemigo, al que se respeta y al que se presenta como un opositor capaz y valiente.

Dirigida por Randal Wallace (el guionista de Braveheart) y protagonizada por Mel Gibson, la película es una nueva revisión cinematográfica de una guerra, la del Vietnam, que marcó profundamente a la sociedad estadounidense de los años 60 y 70.

Aunque rodada con un gran despliegue técnico en sus secuencias bélicas, la historia hace más hincapié en el lado humano de la guerra, el horror y la angustia tanto de aquellos que parten a combatir como la de sus familias, con momentos dramáticos y sobrecogedores llenos de "sangre, sudor y lágrimas".
Huyendo del estilo en el que se ha mostrado casi siempre las películas sobre la guerra del Vietnam, con personajes siempre fuera de sí que arrastran mil y un traumas, esta película vuelve a recordar que el comportamiento heroico es posible en cualquier conflicto bélico.

La banda sonora compuesta por Nick Glennie-Smith, uno de los músicos surgidos de la compañía Media Ventures, la factoría de compositores cinematográficos de Hans Zimmer, presenta una música en la que junto a las típicas marchas militares propias del género aparecen bellas melodías que se adaptan perfectamente al dramatismo de la película. 
El mejor ejemplo y la música que refleja perfectamente el espíritu de este película es el tema final  "Mansion Of The Lord",  que contiene un himno de corte religioso interpretado por el coro de cadetes de West Point con letra del propio director Randall Wallace. Música marcial y heróica llena de sentimiento.

Música Para los Caídos (II) - Band of Brothers (MICHAEL KAMEN) / The Pacific (HANS ZIMMER, GEOFF ZANELLI & BLAKE NEELY)

Tras colaborar en "Salvar al soldado Ryan", Steven Spielberg y Tom Hanks se adentraron como productores en un proyecto televisivo para la HBO titulado "Band of Brothers" (Hermanos de Sangre). La serie de 10 capítulos pretendía mantener el interés surgido en relación a la participación norteamericana en la Segunda Guerra Mundial y más concretamente en los acontecido tras el desembarco de Normandía en los últimos días del conflicto.

Basada en hecho reales y tomando como protagonistas a los miembros de la Compañía Easy, del 506º Regimiento de Infantería Paracaidista del ejercito de los Estados Unidos, la serie se basa en el libro del mismo título del historiador y biógrafo Stephen Ambrose.

Los hechos se centran en las investigaciones del autor y en las entrevistas hechas a los miembros veteranos de esta Compañía, alguno de los cuales aparecen en entrevistas utilizadas como prologo a cada uno de los capítulos de la serie.

Además de mostrar alguno de los momentos históricos más importantes de este momento de la guerra, la serie pretende trasladar con toda su crudeza y con una visión bastante realista, como los terribles acontecimientos por los que pasaron aquellos soldados, les afectó traumáticamente por mucho que el fin fuera acabar con el mal personificado en el régimen nazi.

Los diferentes capítulos de la serie están centrados en aspectos y valores inherentes a un conflicto bélico como, la camaradería, el miedo, el valor, la soledad, la angustia y la desesperación de los soldados, y toda la gama de sentimientos humanos que surgen en situaciones tan trágicas como estas.

La serie rodada con un gran despliegue de medios y una magnífica ambientación, mantiene una estrecha relación con la historia contada en la película de Spielberg (el soldado Ryan era un paracaidista que bien podría haber sido miembro de una de estas Compañías que saltaron en los primeros momentos del desembarco aliado) y como esta se convierte en una de las más perfectas radiografías de la guerra que se han hecho jamás. 

El título del libro y la serie está inspirado en un párrafo de una escena de "Enrique V" de Willian Shakespeare:

"Nosotros pocos, nosotros felizmente pocos, nosotros, una banda de hermanos; porque el que hoy derrame su sangre conmigo será mi hermano".

Una perfecta descripción de esta serie televisiva, tan brillante como imprescindible.

La banda sonora de la serie es uno de los grandes trabajos del compositor Michael Kamen, una de esas joyas que a veces nos depara la música para series televisivas. Michael Kamen que en sus inicios trabajó como técnico musical para grandes estrellas del rock como Pink Floyd, Eric Clapton, David Bowie o Metallica se entregó posteriormente en cuerpo y alma a la banda sonora y logró colocarse entre los grandes nombres de la música cinematográfica, aunque desgraciadamente su prematura muerte a los 55 años tras una penosa enfermedad dejó un gran vacío y truncó una carrera que iba en imparable ascenso. "Band of Brothers" es una de sus últimas obras y representa una de las cumbres del talento de este gran músico.

El tema principal con un fondo de himno, guarda un gran paralelismo con el tema principal de John Williams para "Salvar al soldado Ryan" (otro más de los puntos en común entre ambas producciones), y es toda una elegía a ese grupo de hombres que formaron la Compañía Easy. Una música intensa y emotiva de esas que llegan al corazón. 

Tras finalizar el rodaje de "Band of Brothers" el mismo tandem formado por Steven Spielberg y Tom Hanks pretendieron completar esa visión de la Segunda Guerra Mundial trasladando los acontecimientos a la intervención militar estadounidense en el Pacífico.
"The Pacific" se rodó también como una serie de 10 capítulos, basada esta vez en las memorias de dos marines que describen las batallas que tuvieron lugar en el Pacífico contra el imperio japonés, tales como Guadalcanal, Okinawa o Peleliu.
Otra vez nos encontramos con una terrible reflexión sobre la guerra y ante un sobrecogedor retrato humano.
"The Pacific" es como "Band of Brothers" un extraordinario producto cinematográfico al servicio de una buena historia, formando uno de los estudios más brillantes que se han hecho sobre la Segunda Guerra Mundial y sus demoledores efectos.

En esta ocasión, la serie hubiera pedido a gritos una continuación en su banda sonora de la obra de Kamen, pero la triste desaparición del compositor nos dejó sin saber que hubiera podido ser. Una producción con un gran presupuesto como esta contó en el apartado musical con uno de los músicos estrella de la banda sonora actual, Hans Zimmer. Como ya es habitual  en muchas de sus bandas sonoras Zimmer, se acompaña de algunos de los compositores que han surgido a su amparo, en esta ocasión Geoff Zanelli y Blake Neely. 
Zimmer que ya demostró su dominio en este género con una de sus grandes obras como había sido "La delgada linea roja", retoma el patrón marcado por John Williams y continuado por Michael Kamen. Alejada de momentos comerciales y repetitivos, la música es clásica y elegante, de esas que ganan con cada audición.

El tema de cabecera, titulado "Honor" es una melodía llena de emotividad, elegante, épica e imperecedera, uno de esos momentos musicales que muestra el excelente trabajo realizado por estos tres músicos para esta gran producción.

Música Para Los Caídos (I) - Salvar al Soldado Ryan (JOHN WILLIAMS) / Corazones de Acero (STEVEN PRICE)

Hay películas que definen de una manera fundamental un género cinematográfico y eso es lo que al menos para mí, supuso en su momento el estreno de "Salvar al Soldado Ryan". Con el permiso de otras grandes películas anteriores, con esta película Spielberg rodó el film "bélico" por excelencia, y no solo por recrear una situación histórica de uno de los acontecimientos más terribles del pasado siglo, sino porque además fue capaz de ir más allá, mostrando con toda su crudeza el horror de la guerra. 

Recordando la manera como los compositores cinematográficos han abordado la creación de música para este género, me sirve para traer algunos temas de las bandas sonoras de grandes películas del cine bélico.

En "Salvar al Soldado Ryan" tomando como eje de la historia la caótica búsqueda de un soldado norteamericano entre las fuerzas aliadas repartidas en el frente durante los días que siguieron al desembarco de Normandía, Spielberg nos presenta a un pelotón al mando del capitán Miller (Tom Hanks) al que se le encarga la misión de encontrar al soldado James Ryan (Matt Damon) un paracaidista que se encuentra en primera linea y al que el alto mando quiere hacer regresar a casa al haber perdido a sus tres hermanos en combate.

Tras varios días de búsqueda y encontronazos con fuerzas enemigas el grupo encontrará al soldado Ryan en un pequeño pueblo defendiendo un enclave importante para el avance de las tropas. El capitán Miller junto a los pocos hombres que quedan, cumplirá la misión encomendada hasta sus últimas consecuencias.

La música de John Williams para esta película, en sintonía con la propia historia pretende ser un homenaje a todos los que murieron en esta guerra. El tema principal "Himno a los caídos" es una triste pero bellísima melodía llena de sentimiento que evoca el dolor y el sufrimiento de todos los que tuvieron que vivir el sinsentido de la guerra. Una música que complementa de una manera excepcional a una gran película como esta.

Magnífica la introducción en la que un envejecido James Ryan acude a visitar el Cementerio Estadounidense de Normandía a rendir un homenaje a aquellos que se sacrificaron por él.

El reciente estreno de la película "Corazones de Acero" ("Fury") de David Ayer, me ha traído a la memoria la forma de abordar el drama bélico como aparecía en "Salvar al soldado Ryan". En esta ocasión el director nos presenta con el mismo grado de crudeza el sinsentido y la barbarie de la guerra, centrándose en una brigada de cinco soldados norteamericanos a bordo de un tanque (el "Fury" que da nombre al título original de la película) en los últimos días de la segunda guerra mundial durante el avance de las tropas aliadas sobre Alemania. El miedo, el estrés, la angustia y esa sensación claustrofóbica que supone moverse en el interior de un tanque durante el combate, queda perfectamente reflejado en las imágenes de esta historia.

Brad Pitt en una muy correcta interpretación, encarna el papel de un sargento que comanda la tripulación del tanque, un personaje que aporta la estabilidad a un grupo totalmente desquiciado por la tensión a la que están sometidos, sobre todo después de la pérdida de uno de sus componentes en la última refriega con el enemigo. Para cubrir la baja, reciben a un novato sin experiencia que renuncia de partida a matar al enemigo, aunque las circunstancias le harán integrarse y enfrentarse como el que más, a la dura y cruel realidad.

La banda sonora pertenece al compositor británico Steven Price, un joven músico cuyo anterior trabajo para la película "Gravity" le valió el Oscar el pasado año. Con la utilización de una orquesta complementada con sonidos electrónicos y un coro, el autor consigue ambientar perfectamente las escenas de acción, la tensión y la épica de una situación tan terrible como a la que se deben enfrentar estos personajes. El tema titulado "Norman" (el nombre del soldado novato) es todo un epílogo en forma de un himno en homenaje a los caídos en la batalla.

Las Pasiones Amorosas. La Música de GEORGES DELERUE (II) / Las Dos Inglesas y el Amor / La Mujer de Al Lado

Si hay un cineasta que ha mostrado en su filmografía el sentimiento amoroso en todas sus vertientes posibles, ese es sin duda François Truffaut, y si alguien supo poner el acompañamiento musical perfecto a sus imágenes ese fue Georges Delerue. 

La pareja formada por ambos marcó una época dorada del cine, truncada por la prematura muerte del director francés, pero afortunadamente nos quedan sus maravillosas películas y las grandísimas bandas sonoras que las acompañaron.

La pasión amorosa que se muestra en dos grandes películas como "Las dos inglesas y el amor" y "La mujer de al lado" es un pequeño ejemplo de la perfecta química que se crea entre las historias filmadas por Truffaut y la música que para ellas creó el maestro Delerue.

LAS DOS INGLESAS Y EL AMOR

Este film es quizás uno de los más personales e interesantes de su autor, aunque fuera en su momento uno de sus mayores fracasos y una de sus películas más injustamente valoradas. Basada en la novela del mismo título de Henri-Pierre Roché, nos muestra el triángulo amoroso que se establece entre dos hermanas inglesas y un joven francés durante varios años, con sus amoríos y sentimiento como ejes de la trama. La historia nos remitía de nuevo a su gran éxito y una de sus obras maestras "Jules et Jim" adaptación que ya había realizado Truffaut de otra novela del mismo autor y de la que se puede considerar como una lógica secuela. La historia narrada a través de las cartas y monólogos de los tres protagonistas, evoca de una manera desgarradora la pasión, el deseo y el amor físico de una manera tan sutil como poética, todo ello acompañado de la voz en off de un narrador que describe con detalle los sentimientos y pensamientos de los personajes.

Con fotografía del español Nestor Almendros y rodada en escenarios naturales de una gran belleza, la película es un homenaje desmedido al romanticismo, al amor y a la importancia del sexo, o como decía el autor de la novela, a la parte física del amor.

La música compuesta por Georges Delerue, una partitura donde como es habitual en el autor predomina el sonido de los instrumentos de viento sobre la cuerda y un suave acompañamiento del piano, acompaña con una sutileza exquisita las poéticas imágenes de esta gran película, como se puede apreciar en estos dos fragmentos de la banda sonora:

LA MUJER DE AL LADO

Ejemplo de la pasión amorosa más extrema, "La Mujer de Al Lado", es una de las películas más desesperadamente románticas de su autor y otra de sus grandes obras maestras, donde Truffaut vuelve a trasmitir su gran amor por el cine y por la vida.

La película narra el reencuentro de Mathilde (Fanny Ardant) y Bernard (Gerard Depardieu) quien varios años atrás mantuvieron una turbulenta relación. El destino hace que Mathilde se instale con su reciente marido en un pequeño pueblo de la campiña francesa en una casa contigua a la de Bernard, quien vive felizmente con su esposa y su hijo pequeño. Inevitablemente se establece una relación de vecindad entre ambas parejas, resurgiendo de nuevo el romance entre ellos.

A destacar la soberbia interpretación de Fanny Ardant que había iniciado un idilio sentimental con el director en aquel momento, y que compone un enigmático, complejo y misterioso personaje.

El director retrata como nadie la arrebatadora intensidad y profundidad de una relación de pasión y amor loco (ese "amor fou" tan francés) en uno de esos paradigmas tan romántico del "ni contigo, ni sin ti", que demuestra de lo que se es capaz de hacer por amor.

Cine de personajes excesivos que muestran en todo momento reacciones irreponsables e infantiles por un amor imposible, no es más que un fiel reflejo de tantas historias de amor reales y cotidianas que a veces pueden conducir a finales impredecibles.

Delerue vuelve a penetrar con su música en el mundo interior de unos protagonistas que no pueden resistirse a la pasión irrefrenable de ese loco amor. Una música melódica y emotiva que muestra también la tensión entre los amantes y que al igual que la historia es  sobre todo "dolorosamente romántica".

Las Pasiones Amorosas. La Música de GEORGES DELERUE (I) / A Little Romance - Paul Et Virginie

Georges Delerue es el gran músico de las "pasiones amorosas". Nadie como él ha sabido plasmar en su melodías el romanticismo y la pasión de las relaciones amorosas. Me gustaría mostrar con algunos temas de sus bandas sonoras, la extraordinaria y exquisita sensibilidad de este músico y como supo aportar ese complemento perfecto en forma de banda sonora para acompañar las imágenes de algunas historias en las que el amor y la pasión que este genera, es el eje de las mismas.

A LITTLE ROMANCE

Esta romántica historia de amor juvenil algo edulcorada dirigida por George Roy Hill en el año 1979, es una de esas películas que es capaz de hacer revivir esos primeros amores que todos tuvimos en nuestra adolescencia. Daniel y Lauren son dos jóvenes de 13 años que por casualidad se conocen y que irremediablemente se enamoran con esa pasión que se solo se produce a esa edad. Ella es una joven americana muy inteligente, de clase alta que vive en París debido al trabajo de sus padres, y el es un chico francés de clase baja igualmente inteligente que pasa el tiempo en el cine viendo películas americanas, y que hace apuestas de caballos imaginarias. A partir de entonces pasearán su "pequeño romance" por algunos lugares emblemáticos de París donde también por casualidad conocerán a Julius un viejo diplomático inglés que les contará una vieja leyenda con la fórmula para conseguir el amor eterno besándose bajo el Puente de los Suspiros en Venecia.

La película supuso el debut cinematográfica de una adorable Diane Lane y contó con el reputado Laurence Olivier en el papel de Julius. Con un notable éxito comercial, el film consiguió dos nominaciones a los oscar, al mejor guión adaptado y a la mejor banda sonora, consiguiéndolo en este apartado, siendo la única estatuilla que consiguió Delerue en las cinco ocasiones en que estuvo nominado.

La banda sonora con un tema principal lleno de encanto y melancolía y con ese sonido barroco tan característico del autor, transmite toda la dulzura de ese amor adolescente y nos trae uno de los mejores ejemplos de la música que Delerue ha aportado como nadie al universo cinematográfico.

Los planos de esta joven pareja de enamorados con el trasfondo del viejo París y esos planos de Venecia al atardecer, acompañados por la música de Georges Delerue hacen de esta película una experiencia cinematográfica inolvidable.

PAUL ET VIRGINIE

Paul et Virginie es una serie de TV francesa emitida en el año 1974, basada en una novela que es un clásico de la literatura romántica escrita en 1787. La historia basada también en un amor de juventud, está ambientada en vísperas de la Revolución Francesa en la isla de Francia (actual isla Mauricio) bajo el gobierno colonial francés de la época, y nos presenta a dos amigos de la infancia que se enamorarán inocentemente, pero que tendrán un trágico final cuando naufraga el barco en el que viajan.

La música para esta serie, es también en esta ocasión un ejemplo de romanticismo impresionante. La suavidad y dulzura del tema principal titulado "Adolescence" nos deja una de las más bellas melodías del gran Georges Delerue.

El Principe de la Mareas - JAMES NEWTON HOWARD

Para su segunda incursión en la dirección cinematográfica, después de su exitoso debut ocho años antes con Yentl, Barbra Streisand eligió el afamado bestseller de Pat Conroy, "El Principe de las Mareas", una historia tan sugerente y atractiva como su propio título. Con muy buena mano Streisand consigue dotar a la historia de ese perfecto equilibrio entre drama y romance con el telón de fondo de esa tragedia innombrable que da origen a toda la trama.

Cuando Tom Wingo (Nick Nolte), un rudo entrenador de futbol recibe la llamada de la doctora Susan Lowestein (Barbra Streisand), una sofisticada psiquiatra de Nueva York que atiende a su hermana después de varios intentos de suicidio, se producirá un gran cambio en su vida y se verá obligado a revivir un pasado marcado por un terrible suceso en su infancia. 

La cinta muestra un elevado nivel tanto en la dirección, el guión, una estupenda fotografía y una magnífica banda sonora.

Mención especial es la interpretación de una Streisand muy correcta, que en ese afán propio de "yo me lo guiso, yo me lo como" que la caracteriza, se  eligió hábilmente el papel femenino protagonista, y un Nick Nolte que está enorme en uno de sus mejores papeles hasta la fecha, cargado de gran intensidad y lleno de matices.

Con un total de siete nominaciones a las estatuillas, fue la gran derrotada de la ceremonia de los Oscar de 1991, y aunque no consiguió ninguna, la película tuvo una gran acogida de público y se convirtió en uno de los mejores estrenos de ese año.

El "Principe de la mareas" es sin duda un melodrama en toda regla rodado con elegancia que consigue entretener y emocionar a partes iguales y una de esas historias que vale la pena ver.

James Newton Howard compone una emocionante y romántica partitura, acorde perfectamente con la historia. El tema principal contiene una preciosa melodía, una de esas músicas elegantes hasta la médula.

Para la ocasión y como no, la propia actriz/directora/cantante colabora con dos canciones, la interpretación de un clásico "For All We Know", y una composición de James Newton Howard con letra de Alan y Marilyn Bergman, "Places That Belong To You", que en la voz de Barbra Streisand suena maravillosamente bien. 

Cuando la Música Es Sensualidad (III) - El Cine Italiano de los 70

Dentro del mundo de las bandas sonoras, los años 70 en el cine italiano fue una de las épocas más prolíficas y extraordinarias que ha habido para la música cinematográfica. Y aunque no siempre se ha correspondido la calidad de los films con la calidad de sus bandas sonoras, los grandes compositores italianos de la época nos dejaron en películas de toda clase y género, algunos de sus mejores trabajos.

Entre la gran variedad de estilos musicales que se utilizaron en el cine hecho durante esos años, los maestros italiano son unos especialistas en plasmar "sensualidad" en algunas de sus deliciosas melodías. Para esta ocasión he elegido tres temas que son el mejor ejemplo de lo que he pretendido trasladar con esta serie de entradas en el blog dedicadas a la sensualidad en la música de cine.

Si hablamos de maestros italianos de la música cinematográfica, Ennio Morricone creo que es sin lugar a dudas el más grande de todos, autor de las más bellas bandas sonoras que se han compuesto para el cine y uno de los autores clave en la música del cine italiano de los 70. "Quando l'amore è sensualità"  es una película del año 1973 dirigida por Vittorio De Sisti, e interpretado por una guapísima Agostina Belli. Un drama erótico que aborda la relación entre amor y sexo en una de esas historias escabrosas cargadas de situaciones comprometidas que destaca por su excelente ambientación y sobre todo por la bellísima y romántica partitura del maestro Morricone. El tema "Canzone per Donatella" interpretado solo con el piano, es una de las piezas más intimistas de Morricone, con un tono melancólico que no puede ocultar la sensibilidad y "sensualidad" en cada una de sus notas.

"Cugini Carnali" dirigida en 1974 por Sergio Martino, es otro de esos film eróticos del montón. Una historia que plantea un triángulo sentimental que se establece durante una vacaciones veraniegas entre una atractiva joven, su primo adolescente y el padre del chico. Como en la mayoría de películas de corte erótico de aquella época que solo pretendían explotar el carácter escandaloso de las relaciones de la seductora protagonista, las fugaces escenas eróticas se acompañan en esta ocasión de la magnífica banda sonora de Claudio Mattone. 
El tema principal de la película es una preciosa melodía que explota el carácter sensual de la música con la utilización de unos suaves susurros de una voz femenina.

Dentro del género de la comedia erótica, desarrollado hasta la saciedad en un sinfín de películas con títulos tan extravagantes como las mismas historias que contaban, se crearon verdaderas sagas donde en el eje central estaba la maciza de turno (enfermera, secretaria, profesora, estudiante, policía, etc.) y alrededor, una serie de jovencitos salidos, "galanes" calvos y bajitos, maridos cornudos y tontos de capirote todavía más salidos.

"L'insegnante Viene A Casa" dirigida en 1978 por Michele Massino Tarantini, es una de estas películas. Protagonizada por la espectacular Edwige Fenech, uno de los grandes mitos eróticos del cine italiano, y por los omnipresentes en este tipo de películas, Renzo Montagnani, Lino Banfi y Alvaro Vitali, lo de menos era la historia, ya que lo importante era conseguir los favores de la bella y exhuberante protagonista entre una serie de chistes fáciles, pero muy del gusto del espectador de la época. Dentro de la banda sonora compuesta por Francesco Campanino, junto a una serie de melodías ligeras y dicotequeras encontramos un bellísimo tema como el siguiente, con un maravilloso arreglo orquestal y con la aportación otra vez más de una suave y susurrante voz femenina. Nunca estuvieron tan bellas y sensuales las actrices que protagonizaban estas películas, como acompañadas por melodías como esta.

Cuando La Música Es Sensualidad (II) - Instinto Básico (JERRY GOLDSMITH)

Además de tener el cruce de piernas más famoso de la historia del cine, Instinto Básico contiene uno de los temas musicales mas sensuales que se hayan compuesto para la banda sonora de una película. 

En 1992 el siempre polémico Paul Verhoeven rodó este thriller inquietante lleno de suspense y con una muy bien dosificada carga de sexo y violencia, temas todos ellos muy presentes en el cine de Verhoeven. Basado en un buen guión del por aquel entonces mejor cotizado guionista de Hollywood, Joe Eszterhas, la historia muestra una enrevesada trama criminal que aunque pueda resultar engañosa mantiene la tensión y el interés con cada giro argumental hasta el mismo minuto final de la película.

Con una impecable fotografía (Verhoeven cuenta también con uno de los mejores operadores del momento, Jan de Bont) el director crea unos planos de gran belleza técnica que reflejan perfectamente esa atmósfera violenta, sexual y "sensual" que rezuma toda la película.

El reparto cuenta con un sólido Michael Douglas en el papel del inspector de policía Nick Curran y una soberbia Sharon Stone como la atractiva escritora de novelas de intriga, Catherine Tramell envuelta en el brutal asesinato de su novio, una antigua estrella de rock. Entre otras muchas cosas Instinto Básico será siempre la película que lanzó al estrellato a una guapísima Sharon Stone en un papel que ha marcado hasta el momento toda su carrera cinematográfica y que la convirtió en uno de los grandes mitos eróticos del cine.

Otro de los grandes aciertos del film es la espléndida banda sonora del maestro Jerry Goldsmith. Su ya famosísima melodía inicial con el que se abre la película y que da paso a la brutal escena de sexo que termina con el asesinato con el punzón de hielo, es todo un clásico de la música de cine y una obra maestra de su autor.

Golsmith crea una música cálida, sensual y turbadora con la que refleja la intrigante y enigmática componente sexual de la protagonista. El autor conseguiría una de sus máximas cotas de implicación sonora con los personajes, las imágenes y la narración de esta película. 

La banda sonora destacó entre otros aspectos de la película al ser nominada como mejor banda sonora en tres de los grandes premios internacionales, los Oscar, los Globos de Oro y el Festival de Cannes, y algunos consideramos que es una obra clave en la música de cine de los años noventa.

Sharon Stone, Jerry Goldsmith, Instinto Básico,....... "cuando la música es sensualidad"

BARBIERI SYMPHONY ORCHESTRA - Concierto homenaje a JOHN WILLIAMS

Es muy gratificante comprobar cómo la música de cine se está abriendo paso en los repertorios de las orquestas de música clásica. Es innegable reconocer que la música que se hace para el cine es la música clásica de nuestros días y sin querer ofender a los puristas de lo clásico, nombres como John Williams, Ennio Morricone o Jerry Goldsmith por citar a algunos de los más relevantes compositores de bandas sonoras, han hecho y siguen haciendo música clásica, una música que es parte fundamental del lenguaje cinematográfico. Los aficionados a las bandas sonoras siempre habíamos envidiado comprobar cómo se hacían conciertos de música de cine en las salas más importantes de muchas capitales del mundo, por lo que cualquier iniciativa de este tipo que se realice en nuestro país supone una gran satisfacción. Si oír la música de cine durante la proyección de la película o escuchar detenidamente la banda sonora en su edición discográfica es una gozada para los aficionados y creo que también para el público en general, poder oírla interpretada por una orquesta sinfónica en una sala de conciertos es una experiencia extraordinaria y que recomiendo encarecidamente a quien no haya tenido la oportunidad.

Y ya que de oportunidades de este tipo hablamos, es para mi una gran satisfacción recomendar el concierto que se va a celebrar los próximos días 27 y 28 de diciembre en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Un homenaje a la música de John Williams interpretado por la Barbieri Symphony Orchestra, un proyecto de jóvenes músicos que están intentando abrirse paso en el panorama musical actual y que, con proyectos como este, buscan acercarse al gran público. He tenido la suerte de que un responsable de la orquesta se dirigiera a mi a través de este blog para que apoyara este evento, lo cual es todo un halago y hago encantado.

El concierto contará con dos colaboraciones de lujo: por un lado la dirección musical de  Lucas Vidal, joven compositor cinematográfico afincado en Hollywood y una de las grandes promesas de la música de cine de nuestro país; y por otro lado la participación de Leticia Moreno, la también joven y brillante violinista madrileña, que a buen seguro nos deleitará interpretando con su violín las inolvidables melodías del maestro John Williams.

Una ocasión para participar en un acontecimiento que hará las delicias de todos los que amamos la música en general y que además sentimos "pasión por la música de cine".

Con el siguiente video, haciendo un flashmob en el barrio de Lavapies en Madrid, la orquesta se dio a conocer hace dos años. En el video interpretan el Vals de la Suite de Jazz nº 2 de Dimitri Shostakovich, una obra muy cinematográfica que el mismo Stanley Kubrick incluyó en la banda sonora de Eyes Wide Shut.