"Le Mépris" es una de las grandes obras de Jean-Luc Godart y una de las películas más representativas de la "nouvelle vague". Con esta producción de 1963, basada en la novela homónima de Alberto Moravia, Godard inauguró una etapa de experimentación y cambio constante que ha ido desarrollando en su cine hasta el momento actual.
La historia es una brillante adaptación de la novela de Moravia, que aborda por un lado la crisis matrimonial de una pareja de recién casados y por otro el conflicto artístico del protagonista que es capaz de abandonar su vocación literaria por una cuestión monetaria.
Paul Javal (Michelle Piccoli) es un dramaturgo francés que acepta reescribir el guión de una película sobre "La Odisea" que un reputado director alemán, Fritz Lang, va a rodar en Capri. Durante un primer encuentro con el productor norteamericano de la película, el escritor deja que su bella esposa Camille (Brigitte Bardot) acompañe al productor a su finca, lo que dará lugar a un malentendido creyendo esta que la ha ofrecido como moneda de cambio para obtener un mejor contrato. Camille se sentirá humillada por el hombre al que ama, lo que provocará que su matrimonio entre en una grave crisis. El sentimiento de Camille hacia Paul evolucionará desde un profundo amor, hasta la indiferencia y finalmente el desprecio por el hombre al que consideraba su gran amor.
Cabe destacar la interpretación de Michel Piccolien el complejo papel como escritor y el conflicto que se genera entre sus aspiraciones literarias y el tener que aceptar un encargo por dinero, y por otra parte su perplejidad ante la actitud de su esposa desde un profundo amor, el rechazo y por último el desprecio que les conducirá a un trágico final. Respecto a Brigitte Bardot, bellísima y que se encontraba en su momento de mayor esplendor, muestra toda la carga de sensualidad y erotismo que tenía la historia y que la actriz supo encarnar de manera magistral. Godard también realizó un homenaje a Fritz Lang, que en la película se interpreta a si mismo, en una clara muestra de la admiración que el y todos los componentes de la "nouvelle vague" mostraron hacia los grandes directores del cine clásico de los años 40 y 50.
Otro de los grandes aciertos de la película es la magnífica fotografía, con una utilización del color que resulta fascinante, especialmente en las escenas rodadas en los estudios de "Cinecittà" y los escenarios naturales de Capri con ese azul del mediterraneo como telón de fondo.
Y para terminar de redondear la película, Jean-Luc Godard contó con una de las más bellas composiciones de Georges Delerue, el músico por excelencia de la "nouvelle vague". Delerue realizó una música, con un conjunto de melodías que describen perfectamente los diferentes momentos y estados de ánimo por los que atraviesan los personajes, siendo el fragmento más conocido, el "Tema de Camille", una melodía nostálgica de un lirismo extraordinario, que describe perfectamente la amargura de los protagonistas y que se ha convertido en uno de los elementos más sobresalientes e inolvidables de la película y que algunos consideramos un personaje más de esta historia.
Los siguientes dos videos del "Tema de Camille" son en primer lugar la versión orquestal y en segundo lugar la evocadora versión para piano, que considero verdaderamente sublimes.
En primer lugar tengo que reconocer que "Los abrazos rotos" es una de las películas de Almodovar que a mí, menos me gusta. Pero por otra parte es una de las mejores bandas sonoras del tandem que ya forman, Pedro Almodovar como director y Alberto Iglesias como compositor. Y aunque suelo traer a este blog comentarios de esos casos de buenas películas con buenas bandas sonoras (siempre desde mi punto de vista personal), creo que no podía dejar de comentar esta banda sonora a pesar de que la película de la que forma parte no me parezca tan interesante. Lo que si es innegable es la perfecta conjunción entre la historia, esas imágenes tan propias del cine de Almodovar y la maravillosa banda sonora del que quizás sea en estos momentos nuestro compositor cinematográfico más reconocido a nivel nacional e internacional.
En el 2009 cuando se rodó esta película, el cineasta manchego ya se encontraba en la cumbre de su carrera y había demostrado su magnífica calidad como director, tanto en la puesta en escena con esa estética tan particular, como en la dirección de actores a los que exprime y sabe sacar lo mejor, ya sean personajes protagonistas como secundarios.
El guión del propio Almodovar, nos presenta a Harry Caine seudónimo de Mateo Blanco (Lluis Homar) un escritor, director y guionista ciego, que escribe, vive y ama en una oscuridad más intensa que la propia que el padece físicamente. Su ceguera se debió a un accidente que sufrió años atrás junto al amor de su vida Lena (Penélope Cruz) y que los separó y los marcó de una manera brutal. Catorce años después y como si de un guión de su propia vida se tratara, Harry contará la historia de su vida a Diego la persona que le sirve de secretario y lazarillo, hijo de su fiel amiga Judith (Blanca Portillo) que le ha cuidado desde entonces. Una historia que habla de la fatalidad, los celos y la traición, salpicada de un terrible sentido de culpa donde para nada se cumple el conocido refrán de "ojos que no ven, corazón que no siente", sino todo lo contrario.
Almodovar abandonó en esta ocasión el lado costumbrista que había mostrado anteriormente en películas como "Volver" o "Hable con ella" para centrarse en una trama más oscura con referencias muy cinéfilas al melodrama clásico, que reúne todos los cánones del cine de este genero, eso sí salpicado con la simbología y la identidad propia de su cine.
En definitiva, una película que a pesar de su excesiva frialdad, si destaca por un impecable acabado y una fantástica banda sonora.
Con la extrema humildad que le caracteriza, Alberto Iglesias ha ido poco a poco afianzándose como un músico de una categoría extraordinaria y ha encontrado en el cine de Pedro Almodovar su habitat perfecto. Con "Los abrazos rotos", Iglesias conseguiría el cuarto Goya en sus colaboraciones con Almodovar, en una banda sonora intimista que consigue ampliar con sus melodías la profundidad de los personajes, convirtiendo su música en parte fundamental del guión de la película.
Como también ha sido característico en su cine, Almodovar incluye una canción principal, en este caso interpretada por Miguel Poveda, "A ciegas" un clásico de la copla de Quintero, León y Quiroga que había popularizado Concha Piquer en los años 50. Un tema con una preciosa letra que perfectamente podría haber sido escrita para esta historia, y que Alberto Iglesias arregla y utiliza musicalmente en varias escenas, como en los títulos de crédito y los títulos finales. La grabación de la canción para la banda sonora, de Miguel Poveda con el arreglo de Alberto Iglesias es maravillosa y forma ya, parte inseparable de esta película.
Los siguientes videos son en primer lugar el tema principal y en segundo lugar el tema final donde se incluye la canción "A ciegas" de Miguel Poveda, que se funde perfectamente con la música de Alberto Iglesias.
Este último video es una interpretación en directo de Miguel Poveda acompañado por la Orquesta Nacional de España donde se puede apreciar además de la totalidad de la letra de la canción, la pasión y sentimiento que este gran artista pone en esta canción de "abrazos rotos".
"Travolti da un insolito destino nell´azzurro mare d´agosto", es el extenso título de una comedia dramática italiana del año 1974, dirigida por Lina Wertmüller. El uso de títulos tan largos en el cine es un caso especialmente señalado en el cine italiano y particularmente en esta directora, que según el libro Guinness de los records cuenta con una película con un título que tiene un total de 179 caracteres. Para su distribución internacional la cinta se estreno en el resto del mundo con un título más corto, "Insólita Aventura de Verano" en español y "Swept Away" en inglés. Curiosidades aparte, la película es una comedia romántica poco convencional, una obra muy interesante que en algunos momentos alcanza la genialidad.
La historia nos presenta a Raffaella, una egocéntrica millonaria que junto a unos amigos, alquilan un yate para realizar un pequeño crucero por el Mediterráneo durante el verano. En la travesía Raffaella no hace más que presumir de su posición, humillando a todos los trabajadores del barco y en especial a Gennarino un rudo marinero siciliano, ferviente comunista, que a su vez desprecia a los turistas ricos a los que debe servir contra su voluntad, para sobrevivir. Pero el colmo de la situación se producirá cuando por una avería, los dos se encuentren solos en alta mar separados del yate. Poco después lograrán alcanzar una isla desierta, pero en esta ocasión los papeles se invertirán y empezará a surgir una extraña relación de amor-ódio entre ellos que les llevará a vivir una situación que cambiará sus vidas.
La película nos presenta, con la aguda mirada tan característica del cine de Lina Wertmüller, esos problemas tan universales como irresolubles: el hombre frente a la mujer, el comunismo frente al capitalismo, el pobre frente al rico, el norte frente al sur. Temas que se han presentado banalmente en innumerables ocasiones en el cine y que solo en casos como este y en manos de esta realizadora, logran momentos de gran fascinación.
Wertmüller contó con sus dos actores fetiches Giancarlo Giannini y Mariangela Melato, que están magníficos en sus papeles, y que fueron capaces de desarrollar el amplio abanico de registros que los personajes requerían en cada momento de la historia.
En resumen una obra única que consigue conjugar de manera creíble, comedia, drama, satira, parodia y sobre todo una ácida crítica a la sociedad actual.
Aunque la película no tuvo un gran éxito comercial, en los años 70 gozó de un relativo prestigio en los cines de arte y ensayo, donde triunfaban especialmente las películas italianas de cine de compromiso social y político.
En el año 2002 se realizó un desafortunado remake dirigido por Guy Ritchie y protagonizado por Madonna que resultó un tremendo fracaso y que no consiguió trasladar ni un ápice de la maestría de la obra original.
La banda sonora es obra del maestro Piero Piccioni, uno de los grandes nombres de la música cinematográfica italiana y que junto a Ennio Morricone es de los autores más prolíficos de la música de cine. La música cuenta con una variada mezcla de temas ligeros con un suave ritmo de bossa nova, temas dramáticos y sobre todo un bellísimo tema de amor que se desarrolla en varios cortes con el uso del organo, el piano y la guitarra. Recientemente se ha publicado un CD con una edición muy completa del soundtrack original, con más de 40 minutos adicionales que es una maravilla y que recomiendo a todo aficionado a la música cinematográfica en general.
Estos son dos fragmentos de esta gran banda sonora:
En esta cuarta entrega sobre el tango en el cine, quiero comentar tres ejemplos de esta música en el cine ambientado o hecho directamente en países orientales. Por un lado, una afamada película francesa cuya trama se desarrolla en el sudeste asiático, y dos curiosos ejemplos de dos exitosas series televisivas coreanas que cuentan en sus bandas sonoras con dos maravillosos temas de tango.
"Indochina" es un film francés del año 1992, dirigido por Regis Wargnier, un drama romántico cuyo argumento nos traslada a los años 30 en Indochina y la revolución comunista que dio lugar al final del colonialismo francés sobre esta zona de Asia y al nacimiento del Vietnam. Eliane (Catherine Deneuve) es una rica aristócrata de ascendencia francesa propietaria de una enorme plantación de caucho que tiene dos grandes pasiones, su hija, una princesa local a la que adoptó tras la muerte de sus padres y su pais, Indochina. Pero la vida de ambas mujeres se verá truncada cuando aparezca un joven militar de la que ambas se enamoran, todo ello con el telón de fondo de los cambios que suceden en el pais con el levantamiento del pueblo contra los invasores occidentales.
La película tuvo un gran éxito tanto de crítica como de público, obteniendo el oscar a la mejor película de habla no inglesa y un buen número de premios internacionales. Uno de esos films grandiosos con un elaborado guión, una ambientación magnífica, un bella fotografía y una maravillosa música.
La banda sonora de Patrick Doyle, es una obra de un extraordinario clasicismo, donde se funden perfectamente la nostalgia, el romance y el drama. Una obra tremendamente elegante, donde destaca el tema "Tango", una melodía de tango clásica muy típica de la música que solían utilizar las orquestas en las fiestas aristocráticas de esa época.
Al igual que ocurre en muchos países del mundo, es destacable el tremendo auge y seguimiento que tienen las series de televisión en Corea. En la mayoría de los casos son dramas románticos juveniles sencillos (al estilo de las afamadas teleseries sudamericanas) con un carácter muy localista, pero que en fondo tratan temas universales con el trasfondo de la cultura oriental. Aunque son series muy restringidas al mercado asiático se puede encontrar bastante información en la red y sus bandas sonoras son ampliamente difundidas en canales de video, como youtube.
"The Innocent Man" es un melodrama romántico del año 2012, donde un joven estudiante de medicina muy inocente, enamorado ciegamente de su novia, es traicionado por ella incriminándolo en un asesinato y abandonándolo para casarse con otro. Tras esta dura decepción y lleno de rabia y de dolor, se convertirá en un hombre frio y despiadado y diseñará un elaborado plan para llevar a cabo su venganza.
La banda sonora es magnífica y contiene un tango clásico al más puro estilo Piazzolla titulado "Nice Guy" (Un hombre bueno).
"A Love To Kill", es otro drama romántico del año 2005. Una típica historia del hombre que se enamora de una mujer a la cual no debe amar, un amor prohibido por una tragedia ocurrida entre esa mujer y su hermano. En esta ocasión también la banda sonora de la serie contiene un tema de tango titulado "Gloomy Tango" que es otra maravilla.
Mi propuesta para hoy, sobre el tango en el cine, se basa en tres películas que contienen unas extraordinarias escenas de baile de tango.
La primera pertenece a la película "Una familia con clase" ("Easy virtue"), una comedia romántica inglesa del año 2008, dirigida por Stephan Elliot. La película está basada en una obra teatral de Noel Coward que ya había sido llevada al cine en el año 1928 nada menos que por Alfred Hitchcock. La historia ambientada en los años 20, nos presenta a John Wittaker (Sean Barnes) un joven inglés de buena familia, que se enamora y se casa impulsivamente con Larita (Jessica Biel) una joven norteamericana sexy y en apariencia superficial. A su regreso a Inglaterra a la casa familiar Larita encontrará un gran rechazo por parte de la madre de John (Kristin Scott Thomas) que le hará la vida imposible a pesar de los esfuerzos de Larita por encajar en la familia. Irremediablemente Larita irá perdiendo el favor de su propio esposo, aunque encontrará el apoyo de su suegro (Colin Firth), personaje con el que tiene en común el rechazo a la hipocresía que rodea a su familia.
La película es una crítica mordaz a la alta sociedad de la época y tiene algunos momentos típicos de la alta comedia inglesa, basándose en el ingenio y la acidez de sus diálogos y en un magnífico reparto y ambientación. La escena del tango del siguiente video, con música de Marius de Vries, autor de la banda sonora, muestra a la protagonista que entra en el salón de baile y solicita a la orquesta un tango para bailar con su esposo, pero este la rechaza ante la mirada inquisidora de su madre y de todos los invitados. Larita, bellísima, enfundada en un sensual vestido, reta a todos con su indiferencia y desafiante empieza a moverse al ritmo del tango, apareciendo entonces su suegro para salvar la situación, bailando con ella de una manera que dejará a todos con la boca abierta.
La segunda película es "Déjate llevar" ("Take the lead") (2006), una película basada en un hecho real, la historia de Pierre Dulaine (Antonio Banderas) un profesor de baile que ofrecía clases a los alumnos más conflictivos de los institutos de Nueva York creando ese aliciente necesario en sus vidas del que la mayoría de estos jóvenes carecía. La película que al final se pierde más en las secuencias de baile, no llega a ahondar lo suficiente en los personajes y su problemática, aunque resulta al menos entretenida. Sin llegar a la calidad que han tenido otras grandes películas del género juvenil-musical tipo "Fama", o a los grandes dramas sobre alumnos conflictivos tipo "Rebelión en las aulas", si encontramos al menos una interpretación muy aceptable de Antonio Banderas creando un personaje elegante, simpático y encantador como el que la historia requiere. Dentro del abanico de bailes clásicos que se desarrollan durante todo el metraje, la escena del baile del tango en compañía de la bailarina profesional Katya Virshilas, es impresionante. Una escena que consigue llamar la atención al espectador tanto o más como lo hace a esos primeros alumnos que acuden a la primera clase del profesor Dulaine. Un baile que transmite toda la sensualidad y pasión que tiene de por sí el tango. La música de la escena es el tema de tango moderno "Pasion de arrabal" de Gotan Project, uno de los grupos más importantes del denominado tango electrónico.
Y por último la tercera película es "Shall we dance" ("¿Bailamos?"), remake americano del año 2004 del exitoso film japonés del mismo título que como suele ser habitual, sin alcanzar la calidad del original si ha llegado a eclipsarlo de alguna manera. Unas grandes estrellas internacionales, una historia dramática con pinceladas románticas y de comedia y unas elegantes escenas de bailes de salón, consiguen sin más pretensiones hacer pasar un buen rato al espectador. John Clarck (Richard Gere) un respetable abogado adicto al trabajo, pero con un fuerte vacío interior, siente un día la necesidad de acudir a una academia de baile frente a la que pasa todos los días y se inscribe en secreto en un curso de bailes de salón. Allí conocerá a un variopinto grupo de alumnos como él y a una enigmática y melancólica profesora (Jennifer López) que será fundamental en su vuelta a la estabilidad. Mientras tanto su esposa (Susan Sarandon) sospechando que está siendo engañada, asistirá gratamente aunque con gran extrañeza a la transformación de su marido en una mejor persona. Los protagonistas están bastante correctos, aunque cabe destacar el buen elenco de personajes secundarios y sobre todo a Stanley Tucci como uno de los alumnos del grupo, que se transforma de una manera espectacular convirtiéndose en sus salidas a los clubs nocturnos de baile, en un bailarín salvaje al ritmo de los sonidos latinos.
La escena del baile a cargo de los dos protagonistas, se convierte en esa lección magistral que la profesora dá a su alumno, en la que consigue transmitir el sentimiento y la pasión que tiene un baile como el tango. La música utilizada es el tema "Santa María (del Buen Ayre)" otro de los tangos electrónicos del grupo Gotan Project. Un sonido muy apropiado y que encaja a la perfección para estas escenas con coreografías tan elaboradas y tan atractivas visualmente.
Tras el arrollador éxito en el año 2006 con "La vida de los otros", su director, el alemán Florian Henckel von Donnersmarck fue rápidamente reclamado por Hollywood para el rodaje de "The Tourist", un remake de la película francesa "El secreto de Anthony Zimmer". Parece mentira que el director de ambas películas sea el mismo, a tenor de una opera prima tan impresionante como había sido la película alemana. Pero a pesar de contar con una buena historia, un gran presupuesto y todos los medios a su alcance, la película no llegó al nivel que se esperaba y no deja de ser una simple historia de espionaje entretenida sin más. Teniendo en cuenta que el original francés consiguió ser una propuesta muy interesante con una historia que conseguía retomar ese cine de intriga y espías al estilo Hitchcok, se esperaba mucho más de un remake que contaba a priori con una buena historia, un afamado y laureado director europeo con un debut prometedor y un reparto de lujo. Pero el cine demuestra en muchos casos que todo esto no es suficiente y a veces es mejor quedarse con el original, lo que quedó reflejado en la mala acogida de la película sobre todo por parte de la crítica.
Pero aún así hay algunos detalles, como la puesta en escena en un lugar tan cinematográfico como Venecia, la presencia y la belleza de Angelina Jolie, o la magnífica banda sonora, que hacen al menos que valga la pena ver esta película.
El argumento nos presenta a Frank (Johnny Depp) un turista norteamericano de viaje por Italia recuperándose de un fracaso amoroso que se encuentra en un tren con Elise (Angelina Jolie), una sofisticada y misteriosa mujer de la que Frank enseguida se siente atraído. A partir de ese encuentro sus caminos se cruzan y se verán envueltos en un torbellino de intriga y peligro con Venecia como telón de fondo.
Aunque la pareja protagonista formada por dos de las más deseadas y taquilleras estrellas de Hollywood, no consigue la química perfecta tan deseable en una historia como esta (cosa que también ha ocurrido en otras ocasiones en grandes películas del género), si es de destacar el glamour y la impresionante belleza de Angelina Jolie como una "femme fatale" despampanante, que es capaz de llenar la pantalla en cada una de sus espectaculares apariciones.
No es una película redonda, pero si es una oportunidad para disfrutar de nuevo en el cine, de unas localizaciones de lujo en una de las ciudades más bellas del planeta.
La banda sonora a cargo de James Newton Howard, si cumple perfectamente con el desarrollo de la historia, ya que por una parte tenemos musica de intriga y acción, momentos de gran romanticismo y algunos fragmentos de una notable elegancia. Curiosamente y supongo que como parte de una música rechazada, aparece junto a la partitura de James Newton Howard un tema de Gabriel Yared, músico que ya había colaborado con el director de la película en su anterior "La vida de los otros". Los dos temas que he elegido son "Arriving at the ball" de James Newton Howard " y el de Yared titulado "Dance in F" que aparecen consecutivamente en la película y que guardan una gran relación al tratarse de dos melodías a ritmo de vals, cada una con un estilo diferente. La composición de Newton Howard se escucha a la llegada de Elise (Angelina Jolie) al baile de gala y tiene un estilo clásico de una gran belleza. Minutos más tarde y cuando Frank (Johnny Depp) aparece, ambos bailan mientras se escucha la música de Yared, otro vals donde el sonido de las mandolinas dan un estilo puramente veneciano a una melodía magnífica.
En esta segunda entrega sobre la música de tango en el cine, hoy traigo tres películas europeas de la cinematografía francesa con tres tangos maravillosos; dos composiciones originales y un tema de tango clásico. El primer tema pertenece a la película " La Lune dans le Caniveau" (La luna bajo el asfalto) un film de 1993 del director Jean-Jacques Beineix, un drama algo surrealista con una estética muy modernista apoyada en una iluminación fascinante y una fotografía bellísima. En su momento no fue muy bien acogida por la crítica, aunque con el tiempo se ha convertido en una película de culto. La fuerza de la película estaba basada sobre todo en sus protagonistas, una enigmática y atractiva Nastassja Kinski, un obsesivo y violento Gerard Depardieu y una sensual y lasciva Victoria Abril, perfectamente situados en ese submundo de luces y sombras con esa atmósfera inquietante en el que se desarrolla la historia. La banda sonora de Gabriel Yared, en uno de sus primeros trabajos para el cine, también se movía entre el vanguardismo de la película y un clasicismo con una elegancia sorprendente. Prueba de ello es este "Tango de L´impasse" un tango con un sorprendente arreglo entre el sonido electrónico y el delicado sonido de la cuerda.
El tango además de banda sonora, forma parte como protagonista en mi segunda propuesta de hoy. "Je ne suis pas là pour être aimé" (No estoy hecho para ser amado), es un drama romántico del año 2005, dirigido por Stéphane Brizé, que nos cuenta la triste historia de un soltero cincuentón, que vive una vida triste y sin alicientes, hasta que su vida cambia completamente cuando decide aprender a bailar tango en una academia que hay frente a su despacho. Ahí conocerá a una mujer más joven que el y a punto de casarse que aunque no lo parezca, también está sola. Irremediablemente el tango los unirá. La película cuenta con muchas escenas de baile como la del video siguiente en el que los personajes acuden a un teatro a ver a los grandes bailarines de tango, Geraldine Rojas y Javier Rodriguez, bailando con la música de "Bahía Blanca" un tango clásico de Carlos Di Sarli y su Orquesta Típica.
El tercer tema es el tema final (titulado precisamente así "The End") de la película Trois Couleurs: Blanc (Tres colores: Blanco), la segunda película de la trilogía "Tres Colores" de Krzysztof Kieslowski, películas basadas en los colores de la bandera francesa, así como en los tres pilares de la Revolución Francesa los lemas, libertad, igualdad y fraternidad. El maestro polaco del cine de autor, rodó estas películas en Francia convirtiéndose en su testamento cinematográfico, ya que poco después se retiró a su Polonia natal aquejado de graves problemas de salud y moría en 1996, a los 54 años. La música de las tres películas es obra del compositor polaco Zbigniew Preisner, siendo estas bandas sonoras, el merecido descubrimiento para el gran público de este músico genial. Este tango es ya una de sus obras más populares.
El "tango" es un genero musical que se usa con asiduidad en la música de las bandas sonoras de muchas y muy variadas películas. Reconozco que siento una particular pasión por el tango tanto en su vertiente musical como en el baile tan característico que lo representa, lo que unido a mi "pasión" por las bandas sonoras, me ha dado pie a elegir unos cuantos ejemplos de películas donde se ha utilizado el tango en su música. En unos casos es música original de tango compuesta para el film y en otros es alguna de los innumerables temas clásicos o incluso más modernos utilizados para acompañar alguna secuencia concreta de una película. Lo cierto es que el género ha traspasado el carácter folclórico con el que originalmente nace esta música, así como el uso en películas argentinas o sudamericanas y hoy día se puede encontrar como fondo musical de películas de cualquier nacionalidad, como quiero mostrar. En algunos casos voy a poner videos de música sola y otros con escenas del baile, en los que creo que todavía se puede apreciar más la espectacularidad de una música y un balie tan increíbles.
El primer tema se titula "Seduction" es una composición original para la banda sonora de la película "Assasination Tango" un triller norteamericano del año 2002, dirigido, producido e interpretado por Robert Duvall. La película concebida sobre todo por la pasión del actor por la música porteña, narra la historia de un asesino a sueldo de Brooklyn, que es enviado a Buenos Aires a cumplir su última misión, matar a un general retirado; allí deberá pasar más tiempo del esperado y mientras tanto se dejará seducir por el tango y por la profesora de baile que conoce en un club. La cinta bastante floja en su guión, destaca sobre todo por su fotografía y sin lugar a dudas por la excelente música, de uno de los compositores argentinos más reconocidos a nivel internacional y que más ha utilizado el tango en sus bandas sonoras, Luis Bacalov. Los siguientes dos videos son en primer lugar una escena de la película en la que el protagonista sueña que está bailando este tango tan delicado, acompañado por Luciana Padraza actriz protagonista y esposa en la vida real de Robert Duvall. A continuación está el video completo del tema en una actuación en directo, solo al piano, del propio Luis Bacalov, que además de compositor es un magnífico pianista, como se puede apreciar en esta exquisita interpretación.
El otro tema de tango para hoy, totalmente distinto, no es otro que el famosísimo "Tango de Roxane" de la película "Moulin Rouge", a la que considero una de las grandes obras maestras del musical moderno. Película dirigida por Baz Luzhrmann en 2001, realizada con un despliegue espectacular y un concepto visual deslumbrante, narra la triste historia de amor de Satine, la estrella más rutilante del Moulin Rouge en el Paris de 1900, atrapada entre el amor de un joven escritor y la obsesión de un duque que quiere convertirla en una gran actriz. Para la banda sonora se utilizaron grandes éxitos de la música pop arreglados para la ocasión, temas que encajaban con el argumento, algo atípicos pero visualmente espectaculares. El "Tango de Roxanne" es la versión del tema "Roxanne" del grupo "The Police", arreglado en formato tango por Mariano Mores, un reputado compositor y director de orquesta de tango argentino. La interpretación de este tema en la película, acompañado por una excelente coreografía, es uno de los mejores momentos del metraje y muestra la fuerza y la pasión que puede transmitir una música tan maravillosa como esta.
Tengo que reconocer, en primer lugar, mi escaso conocimiento del cine oriental y en particular del que se hace en Corea del Sur. Salvo escasas excepciones de algunas películas y el trabajo de algunos directores que consiguen triunfar en festivales internacionales o que son promocionados desde Hollywood, el grueso del cine en general que se hace por esas tierras no consigue llegar a las pantallas occidentales. En el caso de la película que quiero comentar hoy he llegado a ella de pura casualidad, por el impacto que me causó ver simplemente el video de una canción con la que se promocionó la película (canción que podeis escuchar en mi otro blog en el siguiente enlace Late Autumn- If I Could Bring You Back). Simplemente es una película maravillosa, una película completa en todos sus aspectos y que aunque se presentó en la 61ª edición del Festival de Berlín en 2011, merecería una mayor difusión en un mercado cinematográfico tan lleno de cosas intrascendentes.
"Late Autumn", una producción coreana-norteamericana del año 2010 es un remake actualizado de un clásico surcoreano del año 1966, que ha sido versionada en varias ocasiones. En este caso nos encontramos con la poco convencional y extraña historia de amor entre dos personajes tan distintos como complementarios. Ella es una presidiaria chinoamericana (Anna) que cumple condena por el asesinato de un marido que la maltrataba y el es un simpático y encantador coreano (Hoon) que sobrevive como gigolo intentando conseguir el dinero suficiente para montar un restaurante. Anna consigue un permiso de 72 horas para acudir al entierro de su madre en Seattle y en el trayecto en autobús conoce a Hoon que está huyendo por las amenazas del marido de una de sus clientas. A partir de ese momento ambos empezarán a sentir una atracción tan extraña como irresistible, ya que sin saberlo son dos almas que se necesitan. Su director Kim Tae-yong, traslada la historia a Estados Unidos, en un intento quizás de internacionalizar una historia tan universal como esta, rodando en inglés con algunos diálogos en los ambientes en los que se mueven los personajes tanto en chino como en coreano. Desgraciadamente la película no está doblada al castellano, pero no contiene grandes diálogos y es bastante fácil de seguir en su versión original. Late Autumn es una película que te cautiva desde el principio, debido sobre todo a la perfecta química que se desarrolla entre sus protagonistas, Tang Wei (Anna) y Hyun Bin (Hoon).
Tang Wei es una actriz bastante conocida por haber sido la protagonista, elegida entre más de 10.000 actrices, para protagonizar la película de Ang Lee "Deseo, peligro", película ganadora del Leon de Oro en Venecia en 2007. Hyun Bin es un joven actor y modelo coreano con una gran fama en su pais, donde ha interpretado series de TV y películas muy populares. Lo cierto es que ambos están magníficos en sus papeles. Anna es un personaje angustiado, triste y reprimido que permanece en silencio gran parte de la película, incapaz de expresar sus sentimientos, uno de esos personajes que hay que mirar atentamente en cada escena porque consigue trasladar con sus escasas expresiones y sobre todo con su mirada todo aquello que no se atreve a decir. El, es un personaje jovial, con una sonrisa encantadora, un vividor sin muchas preocupaciones, sin apego a nada, que cuando conoce a Anna se replanteará muchas cosas de su vida. Gracias sobre todo a la excelente dirección, ambos son capaces de mostrar en todas sus escenas juntos, una emoción y sensibilidad increíbles, sin resultar para nada empalagosos, consiguiendo hacer creíble una historia de amor tan maravillosa como esta. La ambientación en la ciudad de Seattle con un ambiente gris y lluvioso, tan melancólico, juega también un papel fundamental, ayudando tanto a la historia como a los personajes. Una película fundamental para los que disfruten con las grandes o pequeñas historias de amor, con una escena final maravillosa.
Otro de los grandes aciertos de la película es su bellísima banda sonora obra de Sung-woo Jo, un músico coreano totalmente desconocido para mi, pero que ha conseguido cautivarme creando una música que juega un papel fundamental en la puesta en escena de la película a pesar del uso de los silencios que el director hace en muchos de los mejores momentos. Podemos encontrar momentos de gran sensibilidad interpretados por una pequeña formación, sobre todo con la interpretación del piano como solista, con algunos temas utilizando también la guitarra, el acordeón o como el corte final que recrea el tema principal con un sonido jazzístico. Los siguientes temas son un pequeño ejemplo de lo que es esta excelente banda sonora, que cumple perfectamente su papel. Una música que resulta inseparable de esta cautivadora historia en un "otoño tardio".
Increíble la escena del único beso, de más de dos minutos de duración, en el que los dos personajes vuelcan todo lo que llevan dentro. Absolutamente genial.
En el año 2006, "La Vida de los Otros" conseguia hacerse con un tremendo éxito de crítica y de público a nivel mundial, con una historia conmovedora que llega a emocionar de una manera especial.
El cine alemán ha sabido reflejar con acierto en películas como esta, el doloroso pasado reciente de una sociedad que ha conseguido superar la tragedia que supuso para este pais, el nazismo y tras él, el regimen comunista que se implantó en la Alemania del Este tras la Segunda Guerra Mundial.
La película, que supuso el debut como guionista y director de Florian Henckel, logra un maravilloso equilibrio entre una historia redonda y una perfecta puesta en escena. La trama nos traslada al año 1984 en el Berlín Oriental, en el que la Stasi, la policía política del régimen vigila cada día la vida de miles de sus compatriotas. Un capitán de la Stasi, Gerd Wiesler, convencido comunista metódico y muy eficiente en su trabajo es elegido para la vigilancia de un conocido escritor, Georg Dreyman, fiel al régimen, pero al que el ministro de cultura pretende desacreditar para así poder quedarse con su novia, la cual accede a las insinuaciones del ministro para no perjudicar su carrera como actriz. Wiesler monta un sofisticado sistema de escuchas en la vivienda de Dreyman, y empieza a seguir al detalle la interesante vida de un artista, librepensador y sus interesantes relaciones con su novia y otros amigos artistas. Todo ello en contraposición a la oscura e insignificante vida de un soltero como él, que vive de manera espartana y casi sin relacionarse con nadie. Al no tener vida propia, Wiesler vive la vida de aquellos a los que espía, aunque con esta misión el mismo no imagina como cambiará su concepción del mundo y su manera vivir.
El trabajo de todo el reparto en magnífico, pero destaca sobre todo el actor Ulrich Müe, en el papel del policía, que consigue una interpretación magistral en un papel de esos que surgen pocas veces en la vida de un actor y que se convertiría en su obra póstuma, ya que desgraciadamente murió al año siguiente de su estreno.
La película es en su conjunto una obra genial, llena de sensibilidad, una película que habla de muchas cosas profundas de una manera acertada y que consigue emocionar de una manera natural, sin artificios, como solo la realidad lo hace.
Cinematográficamente se puede considerar una obra maestra, y contiene de esos momentos que brillan por si solos, como cuando Wiesler entra en la casa de Dreyman y sustrae furtivamente un libro de poesía de Bertol Brech y de una manera emocionada lee unos versos del libro en su casa; o en la escena en la que Dreyman tras enterarse de la muerte de un amigo disidente, interpreta al piano la partitura "Sonata para un hombre bueno" que este le había regalado, al otro lado Wiesler lo escucha todo y se puede observar la primera expresión en su pétreo rostro cuando una lagrima asoma por sus ojos. Momentos de pura poesía visual que queda reflejada sobre todo en la mirada del protagonista.
Mas de cincuenta premios internacionales avalan la calidad que solo en contadas ocasiones una película llega a tener. Entre otros, el Oscar, el BAFTA y el Cesar a la mejor película de habla no inglesa, y los premios del Cine Europeo a la mejor película y al mejor actor.
La música de la película es obra de Gabriel Yared, un veterano de la música cinematográfica europea y Stéphane Moucha, que ha sido un habitual colaborador como orquestador en la obra de Yared y que se descubre como un compositor a tener muy en cuenta en el futuro. Gabriel Yared es un músico con una sensibilidad exquisita y en esta ocasión no defrauda. La banda sonora, algo escasa en duración (en su edición discográfica ocupa menos de media hora de musica intercalada con canciones pop de la época) combina el dramatismo con ciertos toques de intriga, y la emotividad. El tema principal (titulado "HGW XX/7" y que hace referencia a la forma en la que el espía firma sus informes) es una melodía bellísima, una música intimista y melancólica a cargo de la cuerda, que termina con un dulce dúo entre el piano y la guitarra; un tema sublime que alude a las profundas emociones que el protagonista siente viviendo esa "vida de los otros".
