Liberty Heights - ANDREA MORRICONE

En primer lugar es inevitable que al acercarnos a la música de Andrea Morricone la larga sombra de su padre, una de las figuras más importantes de la música de cine o más bien diría de la historia de la música en general, no deba eclipsar una carrera más modesta pero sin lugar a dudas muy interesante. Por tanto sería injusto valorar a Andrea solo como el "hijo de Ennio Morricone", aunque la influencia paterna sea evidente.

Andrea recibió una sólida formación musical y ha trabajado en distintos ámbitos de la composición y la dirección de orquesta, incluyendo cine, televisión y música de concierto. Su trayectoria resulta especialmente interesante porque, aunque heredó de su padre el interés por la música cinematográfica, no ha sido simplemente un continuador del estilo de Ennio, como lo demuestra las bandas sonoras que ha compuesto hasta el momento.

Y una de ellas es la banda sonora de la película "Liberty Heights" del año 1999, una de las obras más interesantes de Andrea Morricone precisamente porque permite apreciar su personalidad musical al margen de la enorme sombra de su padre.

Liberty Heights (1999), película dirigida por Barry Levinson es una historia que combina nostalgia, adolescencia, descubrimiento personal y conflicto racial a través de los recuerdos de una familia judía de clase media en el Baltimore de finales de los años cincuenta. Más que contar una historia con una estructura dramática convencional, Liberty Heights funciona como un álbum de recuerdos. Levinson reconstruye el Baltimore de su juventud con una mirada afectuosa pero no completamente idealizada. Hay humor, romanticismo y momentos de gran ternura, pero también racismo, prejuicios y conflictos familiares.

Liberty Heights es una película íntima, nostálgica y profundamente personal, probablemente menos conocida que otras obras de Barry Levinson, pero muy valiosa precisamente por su carácter autobiográfico. No pretende reconstruir los años cincuenta como una postal idealizada. Más bien intenta recuperar la sensación de haber sido joven en un momento en que el mundo estaba empezando a cambiar.

En este contexto la música tiene además una importancia extraordinaria. Las canciones de finales de los cincuenta -rock & roll, rhythm & blues, jazz y música popular- funcionan casi como una segunda narración de la película.

Y ahí la banda sonora de Andrea Morricone cumple una función diferente: mientras las canciones sitúan la película en una época concreta, su score aporta la dimensión subjetiva de los recuerdos.

Es de destacar que tras unos años en los que Andrea colabora con su padre en unas cuantas bandas sonoras tras su famosa aportación con el célebre "Love theme" de Cinema Paradiso que compuso siendo todavía estudiante, es con esta partitura cuando realiza su debut como compositor en solitario. 

En lugar de construir una partitura basada en grandes temas recurrentes, Morricone presta mucha atención a las texturas instrumentales y a pequeñas ideas melódicas que van creando el ambiente emocional de cada escena. construyendo una partitura delicada, melódica y profundamente nostálgica, pero sin caer en una nostalgia excesivamente sentimental.

Es inevitable encontrar ecos del lenguaje de Ennio Morricone, sobre todo en la manera de utilizar instrumentos solistas dentro de una textura orquestal y en esa combinación de sencillez melódica y pequeños detalles armónicos. Pero hay una diferencia importante. Andrea resulta mucho menos experimental que Ennio. Su escritura en Liberty Heights es más transparente, romántica y contenida. No busca sorprender al oyente mediante efectos sonoros o combinaciones instrumentales insólitas; busca evocar una emoción concreta con la mayor naturalidad posible.

Y quizá por eso la partitura encaja tan bien con el universo de Levinson: la película habla de recuerdos personales, de la adolescencia y de una época concreta de Baltimore, y la música parece funcionar como memoria emocional más que como comentario dramático.

La principal virtud de la banda sonora es que Andrea Morricone convierte la memoria de una juventud en una música cálida, elegante y ligeramente melancólica, demostrando que su voz compositiva podía ser reconocible sin necesidad de imitar los procedimientos más característicos de su padre.

El tema que da título al álbum, “Liberty Heights”, funciona prácticamente como una síntesis de todo este lenguaje. La melodía tiene un carácter amplio y nostálgico y la orquestación va adquiriendo progresivamente mayor dimensión.

No es una música que pretenda imponerse a las imágenes. Las acompaña y las recuerda.

Amantes - JOSÉ NIETO

En la filmografía de Vicente Aranda, la pasión destructiva y la pulsión sexual siempre han actuado como motores dramáticos, pero nunca alcanzaron un nivel de precisión y contundencia tan desgarrador como en Amantes (1991). Inspirada en hechos reales —el célebre crimen de la Canal de Navarrés acontecido en la década de 1940—, la película trasciende la crónica sucia de sucesos para consolidarse como una de las obras cumbres del cine negro español contemporáneo.

La premisa nos sitúa en el Madrid gélido e hipócrita del primer franquismo. Paco (Jorge Sanz), un joven recién salido del servicio militar, planea su futuro junto a su prometida Trini (Maribel Verdú), la encarnación de la pureza, la devoción y el orden social imperante. Sin embargo, al alojarse en la casa de Luisa (Victoria Abril), una viuda atractiva, madura y astuta que vive del estraperlo y la manipulación, Paco queda atrapado en un torbellino de deseo, dominación física y fascinación erótica del que le será imposible escapar.

El mayor triunfo de Aranda radica en la brillante dirección de su trío protagonista, cuyos roles se complementan y chocan con una fuerza aplastante. Lejos de buscar el escándalo gratuito, la puesta en escena de Aranda utiliza la carnalidad y la crudeza de las escenas íntimas como un lenguaje de poder. La fotografía de José Luis Alcaine contrasta la frialdad de los exteriores nevados de Madrid con el calor sofocante y claustrofóbico de los interiores donde transcurre la pasión. La ambientación de época no es mero adorno histórico: la represión social y la miseria moral de los años cincuenta actúan como la verdadera cárcel de los personajes, impulsándolos hacia un desenlace fatalista donde la única salida posible es la tragedia.

Amantes no ha perdido ni un ápice de su fuerza provocadora y magnética. Es una obra redonda, concisa y brutalmente honesta sobre los límites de la obsesión humana, donde el amor no es un refugio, sino una trampa sangrienta.

La banda sonora de Amantes (1991), compuesta por José Nieto —galardonada con el Premio Goya a la Mejor Música Original—, es uno de los trabajos de arquitectura sonora más precisos y desgarradores del cine español contemporáneo. Nieto aborda el relato de Vicente Aranda huyendo de los clichés del melodrama pasional y del erotismo convencional. En su lugar, construye una partitura minimalista, opresiva y teñida de un lirismo trágico que funciona como el monólogo interior del trío protagonista.

La partitura de José Nieto en Amantes no es solo un acompañamiento impecable, sino una pieza fundamental para elevar el drama de Aranda a la categoría de tragedia griega vestida de cine negro.

Nieto no compone para acompañar las imágenes, sino para desnudarlas: su música explica el abismo psicológico de los personajes allí donde la palabra no llega.

Una banda sonora magnífica que expresa sin lugar a dudas el sonido de la fatalidad.

Yentl - MICHEL LEGRAND/BARBRA STREISAND

"Yentl" entre otros muchos logros tiene reconocimiento de haber sido la primera película de la historia producida, escrita, dirigida y protagonizada por una mujer, la polifacética Barbra Streisand. Con esta película llegaba a la cumbre de su carrera, en una producción que aunaba lo mejor de ella. La película es un bello melodrama musical basado en una obra teatral que a su vez se inspiraba en un cuento de Isaac Bashevis Singer, el famoso escritor judío ganador en 1978 del Premio Nobel de Literatura. La historia a la que Streisand da una forma de narrativa cinematográfica brillante, no solo en cuanto al carácter sociológico, sino en cuanto a la belleza formal del conjunto, es un maravilloso cántico al alma humana. 

En este caso esa megalomanía de la que siempre ha hecho gala esta mujer, se agradece, ya que resulta imposible describir la fuerza y la pasión que desbordan los personajes principales de la película en un trabajo de dirección magnífico. Según Steve Spielberg declaró, "era el mejor debut de un director desde Ciudadano Kane". 

La historia transcurre en los primeros años del siglo XX, en un pais de la Europa oriental. Yentl, una muchacha judia educada en la más estricta disciplina religiosa, comprueba como su futuro está totalmente condicionado por el hecho de ser mujer. Su religión la relega a un segundo plano. Tras el fallecimiento de su padre un rabino viudo que enseña el Talmud a los jóvenes, decide disfrazarse de hombre, para así poder acceder a la educación intelectual que, por su condición femenina, tiene vetada de por vida. Así consigue entrar en una escuela reservada para hombres, donde conocerá a Avigdor un joven del que se enamorará. 

Y que decir de la maravillosa banda sonora, otro compendio de genialidad con música de Michel Legrand, letras de las canciones de Alan y Marilyn Bergman, y por supuesto la voz de la propia Streisand. Canciones perfectamente relacionadas con la trama de la película, en la que la protagonista expresa todo lo que siente y piensa por medio de unas canciones maravillosas. Todo un ejemplo de lo que debe ser un musical. El compositor francés hizo una partitura como anillo al dedo para Streisand. La música, la voz, cada escena y cada momento musical tiene el sello inconfundible Streisand-Legrand, creando un nuevo tipo de película musical en la que solo cantaba el personaje principal. El concepto era que solo Yentl cantaría sus pensamientos y sentimientos internos en la pantalla. No había mejor manera de revelar la perspectiva única de la protagonista.

Canciones como "The Way He Makes Me Feel", "Where Is It Written?" o "Papa, Can You Hear Me?" son una muestra de sus grandes canciones, que forman parte de la historia del cine musical y de los grandes hits del repertorio de Barbra Streisand. En 1983 el album alcanzó los primeros puestos del Billboard americano y consiguió el Oscar a la mejor banda sonora adaptada. En 2023 coincidiendo con el 40 aniversario se ha lanzado una edición de lujo de la banda sonora en la que  se incluye un segundo disco con demos inéditos que Streisand grabó en su casa acompañada por Legrand al piano. Una ocasión única para disfrutar de nuevo de esta magnífica banda sonora.

Los K-Dramas y su música (I) - The World of the Married (VARIOS ARTISTAS)

Los K-dramas o telenovelas surcoreanas, están teniendo cada vez una presencia más importante en el mundo fuera de Asia, sobre todo gracias a las plataformas en streaming que los han incluido en su extensos catálogos. Y es que estas series han conseguido llegar al público occidental de manera directa por aquellos aficionados que lo son en multitud a lo largo de todo el mundo, como de manera indirecta, por los aficionados a las series que en algún momento y por casualidad nos hemos tropezado con ellos o vemos u oímos comentarios sobre todo a través de las redes.

Tengo que reconocer que mi acercamiento a este tipo de producciones, aparte de otros casos aislados como ya me ocurrió con "Late Autumn", (que ya comenté en este mismo blog), ha venido principalmente a través de su música. Y tengo que decir que me fascina. A partir de una primera visualización por simple curiosidad de algunos videos en youtube, y con lo problemático de entender los nombre de las series y sus compositores con esa mezcla de ingles y coreano, la cantidad y calidad de bandas sonoras maravillosas que voy encontrando, cada día me tiene más enganchado. Como ha sucedido con el K-pop que tiene enloquecido a los adolescentes de todo el mundo, reconozco que existe un "K-soundtrack" muy a tener en cuenta. 

Sin entrar mucho en la calidad fílmica, las historias que se tratan en este tipo de "telenovelas" siguen un cliché clásico: personajes dulces, escenas repetitivas y discursos controvertidos y grandilocuentes. Mejor dicho, si una pareja de jóvenes no se enamora en un segundo o una escena de lluvia no hace más trágica una situación, la serie no podría ser coreana.

Para mi primera incursión en este mundo, me gustaría empezar por "The World of the Married". Esta serie de la cadena JTBC estrenada en el año 2020, ha sido el drama que ha roto todos los récords, incluidos los suyos propios en su cadena y en cualquier cadena por cable. Basada a su vez en la serie británica de la BBC, "Doctor Foster" del dramaturgo inglés Mike Bartlett, una vez más este K-drama demuestra que para que una historia sea un éxito solo hay que saberla contar. Una historia fácil de seguir donde las palabras claves son drama y venganza.

La historia gira en torno a Ji Sun Woo, una doctora casada y con un hijo, con una vida cómoda y una familia ideal, volcada con su amoroso esposo para que logre su sueño de convertirse en director de cine, hasta que la sospecha de que su marido le es infiel cambiará su vida por completo. Amor, dudas, celos, pasión y venganza en una mezcla perfecta.

Uno de los mayores atractivos de la serie es que no es nada predecible por lo que nunca se sabe lo que pasará a continuación, ningún personaje es plano, todos están llenos de matices que hacen que a veces sean amados u odiados según el momento de la trama. 

Pero si la historia pinta bien, la música es espectacular. Como suele ser habitual en este tipo de producciones, la banda sonora cuenta con hasta seis canciones de amor nostálgicas de carácter romántico, dos de ellas interpretadas en inglés lo que las hace más cercanas al oido occidental.

La banda sonora es una obra coral con temas de hasta 8 compositores, Lee Gun Young, Park Mi Seon, Park Jeong Hwan, Cho Yoon Jeong, Park Yun Seo, Lee Seong Gu, Gae Mi y James Kang que aunque seguramente serán muy conocidos en su pais y el mundo asiático, son por ahora desconocidos para mi. Al ser una serie con 16 capítulos, supongo que los diferentes compositores se han repartido a lo largo de todos ellos.

Atendiendo al soundtrack editado (que estoy deseando conseguir físicamente), los títulos de los diferentes temas que afortunadamente están en inglés, indican perfectamente las situaciones que se derivan de la trama de la serie y se adaptan musicalmente de manera perfecta a cada una de ellas. Escalofriantes temas orquestales siniestros que resuenan a celos, venganza y tragedia más fuertes que la misma trama. Las citas del segundo movimiento lento de la Sinfonía nº 7 de Bethoven agregan una dimensión extra a la banda sonora, con la grandeza de una marcha tocada de manera exhuberante por cuerdas y timbales, música que es situada muy inteligentemente en determinadas escenas de la protagonista femenina rompiendo a llorar.

Y aunque toda la banda sonora es buenísima, sirvan estos cuatro temas como ejemplo: "Endless Story", "The World Where Everything Is Perfect", "Be Realized" y "Vengeance".

 

En resumen una música magnífica que aconsejo a cualquier aficionado a las buenas bandas sonoras y una ocasión para conocer musicalmente lo que se hace en cinematografías de otras latitudes, alejadas de lo que es más conocido internacionalmente.

Las Series de TV y Su Música (VII) - Succession (NICHOLAS BRITELL)

El mundo de las series de TV dedicadas a familias poderosas que esconden en su interior un verdadero nido de serpientes, es casi infinito. Salvando las distancias con los cambios obligatorios impuestos por el avance de los tiempos, precedentes como "Dinastía", "Falcon Crest" o "Los Colby", marcaron un momento álgido en la televisión de los años 80, partiendo del eterno y manido tema del poder y del dinero, hasta desembocar en esta magnífica serie de la cadena HBO que merece estar en el podium de las mejores series de televisión hechas hasta la fecha.

Con tres temporadas (por el momento), "Succession" cuenta los entresijos de la familia Roy, Logan Roy el patriarca y sus cuatro hijos, que controlan uno de los mayores conglomerados audiovisuales y de entretenimiento del mundo. Adam Mckay, uno de sus productores se refirió a la serie como "El Rey Lear" de los medios de comunicación, pero sus protagonistas hacen buenos al rey Lear, sus hijas y los maridos de estas. Las luchas de poder por controlar la empresa y la forma maquiavélica con el que patriarca juega con las ambiciones de sus hijos en un constante vaivén de movimiento de sillas, sigue perfectamente el concepto de la traición shakesperiana y no deja de sorprender en cada movimiento de cada uno de los personajes por posicionarse como futuros herederos de la compañía.

Una familia que se mueve a un nivel de poder y riqueza grotesco, que son tan millonarios como miserables, en la que todos son desagradablemente odiosos, en su forma de comportarse y en su soez vocabulario.

Buenas interpretaciones en casi todo el reparto, que desarrollan cada personaje como las caricaturas que son y unas espléndidas localizaciones y situaciones que reflejan perfectamente el nivel de riqueza y opulencia en el que se mueven los miembros de esta peculiar familia.

Pero si de una cosa no hay duda es que los productores de la serie han acertado al 100% con la banda sonora de la serie. Y es que partiendo de un buenísimo tema principal que acompaña a los créditos iniciales de cada capítulo y que engancha desde su primera audición, el conjunto de la música compuesta por Nicholas Britell es una maravilla. 

El tema principal tremendamente pegadizo y adictivo, con ese piano tintineante y el sonido de las cuerdas punzantes, desarrollan una melodía que evoca perfectamente el poder y la codicia que rodea las tribulaciones de la familia Roy. 

Pero no todo queda ahí, Britell se ha ido superando con el resto de temas musicales, con nuevas variaciones siempre dentro de un estilo muy clásico, con la inclusión de algún tema más moderno con sonido de rap. Tanto melodías al piano, como bellísimos pasajes de música barroca que quedan perfectamente identificados en los títulos que aparecen en el listado de los temas de la edición de las bandas sonoras de cada temporada. Términos como "adagio", "rondo", "moderato", "intermezzo", "andante", "concerto grosso", dan idea de por donde van en esta ocasión los tiros musicales, tan bellos como certeros.

En el Estanque Dorado - DAVE GRUSIN

Cuando en el año 1982, dos septuagenarios como Katherine Hepburn y Henry Fonda recibieron el Oscar a mejor actriz y mejor actor por el "En el Estanque Dorado", no solo se rendía un merecidísimo homenaje a toda una carrera como dos de las grandes estrellas de Hollywood, sino que también se reconocía la magnífica interpretación en unos de esos papeles a medida que cualquier actor/actriz desearía como colofón a su carrera. Ambos no acudieron a recoger su estatuilla. Para Fonda era su primer Oscar después de varias nominaciones pero se encontraba gravemente enfermo (desgraciadamente moriría unos meses después) y la Hepburn que ganaba su cuarto Oscar fue fiel a su costumbre y poco amante de asistir a este tipo de actos tampoco lo recogió personalmente ya que se encontraba interpretando una obra teatral en Nueva York. 

La película competía ese año con grandes producciones como "En busca del arca perdida", "Rojos" o Carros de fuego", demostrando que pequeñas historias intimistas sobre el amor, la vejez y las relaciones intergeneracionales podían llegar al gran público y tener un excelente eco comercial.

Dirigida por Mark Rydell, "En el estanque dorado" está basada en una obra teatral de Ernest Thompson, una historia en la que el autor decidió colocar sus recuerdos de infancia y sus reflexiones sobre el amor y el ser humano.

Ethel y Norman son un anciano matrimonio que pasa sus vacaciones en un paradisiaco lugar, "el estanque dorado", un lugar entre bosques y al lado de un lago. Norman, un hombre muy activo, soporta muy mal las limitaciones de la vejez y la cercanía de la muerte. En esto, inesperadamente aparece de visita su hija Chelsea (una magnífica Jane Fonda), que siempre ha mantenido una tensa relación con su padre. A partir de ahí asistimos a una clásica historia sobre el amor maduro y la reconciliación con uno mismo y con los demás.

La relación entre padres e hijos, en ocasiones tensa y afilada, es un filón que el director no desaprovecha y la película nos muestra un magnífico duelo interpretativo entre padre e hija en la historia y en la vida real, donde se puede apreciar la complicidad entre ambos. Por otra parte Katherine Hepburn, que puede que sea la mujer con la mirada más bella que ha dado el cine, muestra esa belleza interior desbordante, paciente y comprensiva, en el papel de la esposa profundamente enamorada de ese hombre, con un amor maduro que rezuma ternura en cada escena en que aparecen juntos.

Pocas veces en la pantalla se da el privilegio de observar un regalo tan auténtico, tan íntimo y sin tapujos, porque tanto Fonda como Hepburn se muestran más como seres humanos que como actores.

La música y la fotografía son totalmente evocadoras en los momentos justos en los que son requeridas, sin abusar, recreándose en unas bellas estampas difíciles de olvidar. Una película basada en relaciones humanas, sin artificios, simplemente una historia que brilla por su grandeza con unas inolvidables interpretaciones, que desde luego no deja a nadie indiferente.

"En el estanque dorado" es sin duda una de esas películas que te hace amar el cine, una verdadera obra maestra.

Dave Grusin aporta una de esas bandas sonoras sencillas, basada en una sensible melodía de una belleza inigualable, marcando en el comienzo del tema principal el sonido del bosque entre las sutiles notas del piano. Una música que encuentra su espacio entre las imágenes de ese lugar paradisiaco de una manera sutil pero expresiva.

La banda sonora alcanzó un gran éxito con nominación a los oscar incluida y se ha convertido con el tiempo en una de las piezas fundamentales en la filmografía de Grusin. Sin duda, una de sus partituras más efectivas y hermosas, aunque no muy larga. De hecho para reunir suficiente material para lanzar la banda sonora en LP, fue necesario agregar diálogos de la película a la partitura. Dave Grusin dedicó este disco a Henry Fonda con amor y respeto por su actuación y por la alegría que siempre brindó a lo largo de su carrera. 

Con esta banda sonora Grusin se uniría a ese grupo de compositores de élite que lograron convertirse en parte de la historia del cine al crear una melodía icónica de una belleza tan suprema que quedaría arraigada indeleblemente a la conciencia colectiva del público. Una melodía inmortal que ocupa legíticamente su lugar en la sala sagrada del Panteón de las grandes melodías de bandas sonoras.

Unico Testigo - MAURICE JARRE

"Unico Testigo" es un thriller policiaco del año 1985 dirigido por Peter Weir. La película supuso su debut en el cine norteamericano y la consagración definitiva del realizador australiano tras el éxito internacional que había supuesto su anterior película "El años que vivimos peligrosamente", demostrando la capacidad del cineasta para adaptarse a cualquier proyecto de encargo sin perder su sello de autor.

La película tiene ese aliciente costumbrista mostrando el mundo de los Amish a través de un estupendo guion que consiguió el Oscar ese año con todo merecimiento. 

En su primer viaje a Nueva York, Samuel (Lukas Haas) un niño amish, presencia el brutal  asesinato de un hombre en los lavabos de la estación. John Book (Harrison Ford) policía encargado del caso tendrá que proteger al niño y a su madre (Kelly McGuillis), de quienes quieren eliminar a ese "único testigo" sea como sea. Book al enterarse que todo se debe a una trama de corrupción policial tendrá que huir refugiándose con ellos en su comunidad.

La película es un thriller con mayúsculas de intachable factura, centrado más en los personajes que en la trama criminal. La historia presenta la confrontación entre la creencia en los valores primitivos del pueblo amish y el escepticismo del personaje del policía que debe ocultarse y vivir entre ellos. Su relación con el niño, su madre una joven viuda de la que se enamora y el suegro de esta, que lo acogen en su casa, harán que el rudo policía recupere parte de la inocencia perdida, aprendiendo a compartir y a convivir en armonía en esa comunidad. Pero al final terminará asumiendo la imposibilidad de formar parte de un mundo que aprende a comprender, pero que le es ajeno y renunciará a una improbable felicidad como esposo y padre.

Harrison Ford envuelto en la vorágine de esos años que suponían sus personajes como Han Solo e Indiana Jones, apostó personalmente por el cine culto y casi independiente que a Peter Weir tanto le gustaba hacer y acertó de pleno.

La película tuvo un gran éxito de crítica y público desde su estreno, consiguiendo dos Oscar y varios premios internacionales y ha quedado como un clásico del buen cine comercial de los 80.

La película tiene un par de escenas memorables que guardan una estrecha relación con la  banda sonora. Por un lado la escena en la que Book, una noche consigue arreglar su coche y en la radio suena  "Wonderful world" de Sam Cooke. Al son de la música, el personaje de Harrison Ford efectúa todo un ritual de cortejo y seducción para sacar a bailar a la viuda que con total entrega y admiración vence la resistencia que religiosamente prohibe a los miembros de su comunidad caer en la tentación que supone la música y el baile. 

Para la banda sonora Weir vuelve a contar con Maurice Jarre, con el que había trabajado en su anterior película. El músico francés se alejó de sus míticas orquestaciones y exploró y creó para esta película una de las primeras partituras para cine comercial compuesta íntegramente por música electrónica. 

Jarre volvió a deslumbrar con una excelente partitura, consiguiendo crear una atmósfera idónea. Una música que es por un lado conmovedora, y por otro llena de tensión.

Una perfecta combinación de instrumentación sinfónico-electrónica que convierte la banda sonora en un placer que se puede disfrutar independientemente de la película.

La otra gran escena es la de la construcción del granero y aquí es donde Jarre se lució con un tema bellísimo, "Building the barn", una de esas escenas catalogadas como que no sería nada sin su banda sonora. La música de Jarre para esta secuencia ayuda a que la construcción de este granero no solo no resulte pesada sino que emocione.

Y como no la escena final en la que sin decirse nada, las miradas de John y Rachel lo dicen todo.

Los Girasoles - HENRY MANCINI

"Los Girasoles" es una de las más bellas historias de amor del cine. Uno de los films realizados por Vittorio De Sica al servicio de dos de los más grandes actores italianos de todos los tiempos, Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Una película que suma drama, romance e historia, en una coproducción italiano-soviética que tiene la particularidad de ser la primera cinta occidental rodada en tierras rusas.

De Sica abandonó en esta ocasión el neorealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica sobre los sentimiento humanos, en la que sobre todo Sofía Loren adquiere el papel principal y da rienda suelta a la inmensa capacidad interpretativa que necesitaba el personaje y que borda de una manera insuperable.

La historia nos lleva a unos días antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial, donde Giovanna y Antonio una pareja locamente enamorada se casan y están viviendo una idílica historia de amor. En ese momento Antonio es llamado a filas para incorporarse al frente en Rusia. Tras todo el periodo de guerra Antonio no regresa y es dado por muerto en el frente, pero Giovanna se niega a aceptar su muerte y con el presentimiento de que sigue vivo viaja a Rusia para buscar a su marido.

El personaje de Sofía Loren muestra el coraje y el fuerte temperamento de esas mujeres que sufrieron los horrores del conflicto bajo esa otra perspectiva, esperando en casa la vuelta de los padres, maridos, hermanos o hijos que partieron, y cuya memoria guardaron, impotentes sin saber si alguna vez regresarían.

Una dura epopeya de una mujer valiente y que fiel a su amor al final de su viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos.

Una película en la que se agradece el tratamiento adulto de la historia de amor, una cuidada puesta en escena con una fotografía realmente bonita y una maravillosa banda sonora. Sin duda una película hecha desde y para el corazón.

La excelente música de Henry Mancini es un elemento clave para ganarse el corazón del espectador en este film. Las preciosas notas tristes y evocadoras de esta gran partitura de Mancini marcan perfectamente el ritmo y la evolución emocional de la historia y de sus protagonistas. 

El nombre de Henry Mancini estará vinculado para siempre a las comedias sofisticadas con toques románticos con ese estilo inconfundible basado en pequeñas formaciones orquestales con instrumentos solistas como el piano. Si hubiera que elegir tres temas que han inmortalizado al maestro Mancini, por supuesto estarían el tema alegre y burlón para "La Pantera Rosa", el "Moon River" de "Desayuno con Diamantes" y por supuesto la sutil y desgarradora melodía de "Los Girasoles".

La escena de la estación de tren, sin diálogos, solo con el tema central de fondo, forma parte de los momentos antológicos del Séptimo Arte y la música tiene un papel esencial.

En la Linea de Fuego - ENNIO MORRICONE

En 1993 y tras el enorme éxito de su anterior película como actor y director, "Sin Perdón", Clint Eastwood envuelto ya en ese persistente rumor, que todavía permanece, de que dejaba de ponerse detrás de la cámara, cambia de tercio, pero sin abandonar sus géneros preferidos, poniéndose a las órdenes de Wolfgang Petersen en su nueva película, "En la línea de fuego".

Petersen es un reputado director de origen alemán que después del gran éxito internacional obtenido con "El Submarino", es reclamado por Hollywood y empieza a rodar algunas buenas películas como "La historia interminable", "Enemigo mío" o "La noche de los cristales rotos". Petersen es lo que se denomina un buen artesano, uno de esos directores que sabe moverse bien en todo tipo de géneros y que teniendo entre manos un buen guión y buenos actores su trabajo es siempre el adecuado.

Es indudable que el trio protagonista es perfecto, un Clint Eastwood en el papel del veterano agente del servicio secreto, René Russo como la compañera de trabajo que da pie al consabido romance y un extraordinario John Malkovich en el papel del malvado psicópata obsesionado con asesinar al presidente.

La historia nos presenta a un abnegado Frank Horrigan (Clint Eastwood) un veterano escolta del servicio secreto que arrastra el fracaso personal que supuso su primer encargo profesional, la muerte del presidente Kennedy en Dallas y que muchos años después a punto de retirarse y envuelto en una crisis personal y profesional, se ve en la necesidad de volver para hacerse cargo de una amenaza de muerte bastante creíble al actual presidente de Estados Unidos. Horrigan encuentra el apoyo de una compañera del servicio secreto, la agente Lily Raines (René Russo) para hacer frente a Mitch Leary (John Malkovich) un ex-agente de la CIA maestro del disfraz y experto en armas, que tras verse relegado por su alta peligrosidad, se convierte en un peligroso psicópata al que no le importa morir en el intento.

Eastwood se mueve como pez en el agua en el papel del agente Horrigan, que en cierto modo es una estela del inspector Harry Callahan, aunque en esta ocasión hay una cierta humanización del personaje obsesionado por no haber podido salvar al presidente Kennedy, recuerdo que le atormenta. René Russo consigue una buena química con su pareja, y en contra de lo esperado logra que su historia de amor sea muy creíble. Por otra parte John Malkovich está fantástico en su papel del psicópata asesino. En su enfrentamiento con Horrigan es claramente la otra cara de la misma moneda y ambos representan la lucha de dos personajes que ya no encajan en el sistema, personajes muy vinculados entre si, en un enfrentamiento servido con un increíble sentido del ritmo y la emoción.

Malkovich tuvo una bien merecida nominación al Oscar, al igual que el guion y el montaje, convirtiéndose en una de las mejores películas de su género de ese año.

Sin duda "En la línea de fuego" es el mejor trabajo estadounidense de Wolfgang Petersen, un thriller de aire clásico, inteligente, tenso y muy bien realizado. 

Para la banda sonora, la película contó con el magnífico y siempre efectivo trabajo de Ennio Morricone, una música no demasiado protagonista, en lo que parece otro ejercicio de homenaje a Clint Eastwood.

La partitura contiene un contundente y efectista tema principal que marca el carácter amenazante de la historia, momento que se repite a lo largo de todo el metraje con mayor o menor fuerza en las percusiones. Y como no Morricone nos presenta también uno de esos temas musicales de carácter romántico, una bella melodía intimista para remarcar el sentimiento de indefensión y soledad del protagonista y su enfrentamiento con el villano, y por supuesto de las escenas románticas de la pareja protagonista, Frank y Lily.

La siguiente es una de las mejores escenas de los dos protagonistas, donde aparece el tema de amor, uno de esos momentos románticos de Eastwood que no son fáciles de conseguir, pero que resultan encantadores:

Las Series de TV y Su Música (VI) - Downton Abbey (JOHN LUNN)

Downton Abbey es el ejemplo perfecto de las series de calidad de las que siempre ha hecho gala la televisión británica. Un magnífico guión obra del escritor Julian Fellowes, una ambientación exquisita hasta el último detalle donde el castillo de la familia es otro personaje más, un reparto de actores ingleses sensacionales, un trabajo de dirección artística grandioso y una música con ese toque de elegancia británica perfecta.

Downton Abbey empezó a emitirse en el año 2010 y debido a su alta audiencia se fue consolidando con nuevas temporadas hasta su final en 2015 con su sexta temporada, a la que se ha añadido el paso a la gran pantalla en 2019.

La historia comienza en 1912 en el condado de Downton alrededor de la vida de la aristocrática familia del conde Grantham, su madre, su esposa, sus tres hijas, amigos y familiares así como sus numerosos criados. El hundimiento del Titanic cambia los acontecimientos de la familia al morir el futuro heredero de la casa, pasando a sucederle un joven abogado de clase media primo lejano del conde ya que este al tener solo hijas, estas no pueden heredar. Este contratiempo no es del agrado ni de los miembros de la familia, ni del servicio y sobre todo de la condesa viuda de Grantham, madre del actual conde.

A lo largo de las siguientes temporadas se irán sucediendo acontecimientos dramáticos asociados con el futuro de la casa, la herencia, el honor y varias relaciones amorosas entre los diferentes protagonistas, transcurriendo todo entre los acontecimientos históricos de las primeras décadas del siglo XX.

El nivel interpretativo es excepcional, destacando además de Hugh Bonneville y una recuperada Elizabeth McGovern como el matrimonio protagonistas, la extraordinaria Maggie Smith como la condesa viuda que brilla en esos inteligentes diálogos y esa ironía inglesa tan sutil y elegante (sin duda el mejor personaje de la serie). 

El diseño y la dirección artística son sobresalientes, mostrando un palacio maravillosamente decorado y un elegante y radiante vestuario para cada una de las actividades rutinarias del día a día y sobre todo en los grandes acontecimientos que se suceden en la casa.

Lo que más sobresale de esta serie, es la humanidad y cercanía de cada uno de los personajes, transmitiendo quizás de una manera muy amable, la buena relación entre la aristocracia y la clase media y baja representada sobre todo por los sirvientes. En este punto es impresionante el papel del mayordomo jefe, el señor Carlson, un personaje que en muchos aspectos parece encarnar el verdadero eje de la familia, el mayor defensor de las costumbres y la tradición, siendo más estricto con los subordinados que el propio señor de la casa.

"Downton Abbey" la película no ha defraudado y nos encontramos con un capítulo más largo y rimbombante continuación a la serie, donde los condes de Grantham se preparan para recibir la visita del rey y la reina de Inglaterra. Otra vez el diseño de producción, la dirección artística, el vestuario y como no el reparto son absolutamente brillantes. Una cinta divertida y elegante donde todo es todavía más grande y más brillante que no decepciona al que haya sido seguidor de esta maravillosa serie.

La música de John Lunn, un compositor escocés conocido para sus trabajos en la televisión es otro elemento fundamental de la serie. Lunn crea un tema principal para los títulos de crédito perfecto, un ejemplo claro de lo importante que resulta la banda sonora para una ambientación deslumbrante. 

Una banda sonora que rebosa elegancia y que se adapta perfectamente a todos los momentos dramáticos, con ese toque de clase típicamente británico.