La Música de John Morris (I) - YOUNG FRANKENSTEIN

A principios de este año 2018, falleció John Morris, un veterano compositor de cine que formó con Mel Brooks una de esas grandes parejas cinematográficas que se dan entre director y compositor. Morris compuso buena parte de las bandas sonoras de las películas de Mel Brooks y como el propio Brooks dijo tras la muerte del compositor que "fue mi brazo derecho emocionalmente. La música te dice que sentir y el sabía lo que quería que sintieras. El lo compuso y lo hizo posible".

Morris es sobre todo conocido por la que es una obra maestra del cine y de la banda sonora "El hombre elefante" la película de David Lynch, producida también por Mel Brooks, de la que ya hablé en una entrada anterior de este blog - El Hombre Elefante. Pero además no se debería pasar por alto algunas magníficas bandas sonoras que han pasado más desapercibidas.

Una de ellas es la obra maestra como director de Mel Brooks, y una de las mejores comedias de la historia del cine, "El Jovencito Frankenstein".

La película es una parodia del cine de terror clásico, adaptando uno de los grandes éxitos de la Universal de los años 30, "Frankenstein" de Mary Shelley. Para reflejar más eficazmente la atmósfera de aquellas viejas películas, Brooks rodó la película en blanco y negro, consiguiendo esa atmósfera tan particular del cine de aquella época.

Protagonizada por Gene Wilder (que también colaboró en el guión) en el papel del Doctor Frankenstein, Teri Garr como Ilda la atractiva auxiliar del doctor y el extraordinario Marty Feldman en el papel de Igor el hilarante y desastroso ayudante del doctor, la película sigue la misma historia del original intercalando buenísimos gags cómicos y convirtiéndola en una delirante parodia del clásico.

Aspectos como, el contenido histrionismo de un magnífico Gene Wilder, una Teri Garr que nunca estuvo tan favorecida, el divertido homenaje a Groucho Marx del personaje de Igor que funciona a la perfección y la magnífica dirección artística, decorados, vestuario y peluquería, hacen de esta película una verdadera joya. 

Todo un ejemplo del buen cine de comedia por el que no pasan los años y todo un referente para cualquiera. Sin duda una película de visión obligada para los amantes del buen cine.

Al igual que la película, la banda sonora de John Morris homenajea al antiguo cine de terror, consiguiendo una partitura con grandes temas como el corte principal "Young Franskenstein", leitmotif del film, una composición lírica y pegadiza de gran calidad o el tema "Transylvanian Lullaby" una pieza exquisita y delicada interpretada con el piano y el violín como protagonistas, que se ha convertido en todo un clásico.

Lady Halcón - ANDREW POWELL

"Lady Halcón" es una clara muestra del buen cine de aventuras que se rodó en los años 80. Una buena historia, un buen reparto, un buen realizador y todo ello adornado de una excelente fotografía y una música perfecta. ¡Que más se puede pedir!. En su conjunto una obra que no tiene nada que envidiar a otras grandes producciones de este tipo de cine que se hacían entonces y también de las que se hacen hoy día.

Su director, Richard Donner, era en ese momento un buen profesional curtido en la televisión, que nos regalaría sus años dorados en esa década con películas como "Superman", "Los Goonies" o "Arma letal" y que lo encumbraron junto a Spielberg, Lucas o Zemeckis a lo más alto del podio del cine de aventuras ochentero. Donner consiguió uno de sus mejores títulos con este hermoso cuento lleno de fantasía hecho de una forma muy imaginativa y evocadora.

La película situada en la Edad Media, relata la historia de un amor trágico entre el capitán Etienne Navarre (Rutger Hauer) y la bella Isabeau Anjou (Michelle Pfeifer) que no pueden estar juntos debido a un terrible hechizo realizado por el Obispo de Aquila, como venganza por una traición: ella se convierte en halcón por el día y el será un lobo por la noche. Eternamente unidos y separados a la vez, encontrarán un aliado en un joven ladronzuelo llamado Phillipe (Matthew Broderick) que hará todo lo posible para encontrar una manera de conjurar la maldición del obispo.

Su protagonista, el actor holandés Rutger Hauer añadía una de sus interpretaciones más populares junto a la de "Blade Runner" que le abrieron la puerta del cine norteamericano y la joven Michelle Pfeifer afianzaba una prometedora y fulgurante carrera. 

La sugestiva fotografía fue obra de todo un mito y uno de los grandes de este oficio, Vittorio Storaro que saco buen partido de los exteriores en unas localizaciones fantásticas en Italia.

Lady Halcón, está considerado como uno de los clásicos del género fantástico y fue sin duda una gran revelación entre los amantes del cine de espada y aventuras, que resulta muy agradable de volver a ver en cualquier época.

Otro de los complementos importantes de esta película es también su banda sonora. Cuando Richard Donner se encontraba viajando por Europa buscando exteriores y localizaciones para la película, su ayudante ponía música del grupo The Alan Parson Poject a la que era muy aficionado, y enseguida se dio cuenta que ese tipo de música era el que quería para la producción.

Y así la banda sonora fue compuesta por Andrew Powell el director de orquesta y compositor de la parte orquestal de muchos de los temas de Alan Parson, y en la que intervinieron gran parte de la banda y Parson se dedicó a las tareas de ingeniero de sonido y a la producción. 

Muchos consideran que aunque es una banda sonora sinfónica, quizás ese sonido pop cañero, con demasiado sintetizador no era el adecuado, pero creo que en conjunto resulta peculiar y diferente y siempre me ha resultado muy agradable.

La música cuenta con el inconfundible sonido de Alan Parson, donde destaca el tema principal con una base rítmica poderosa a la que se le van añadiendo diferentes arreglos, dando lugar a una de esas melodías pegadizas inconfundibles. En el resto de la partitura seguimos encontrando pinceladas estilo Parson, aunque la parte orquestal gana peso en muchos de los temas descriptivos y encaja muy bien con las imágenes en cada una de las escenas, reflejando los sentimientos de los personajes o describiendo el ambiente en el que transcurre la historia.

Máximo Riesgo - TREVOR JONES

He de reconocer que "Máximo Riesgo" (Cliffhanger, 1993) es una de esas películas que sin ser lo que se consideraría una gran película, tiene ese algo especial que la ha convertido en una de mis películas de acción-aventuras preferidas de entre el cine de este tipo que se rodó en los años 90. Una cinta entretenida, bien realizada, técnicamente perfecta atendiendo a la época en que se rodó y sobre todo con una banda sonora excelente que me cautivó desde el primer momento.

La película hecha a medida para un Sylvester Stallone que en esa época se encontraba en su gran momento, es obra de un gran artesano del cine de acción como es Renny Harlin, director finlandés afincado en Hollywwod, autor de otras buenas películas de este género como "La Jungla 2", "La Isla de la Cabezas Cortadas", "Memoria Letal" o "Deep Blue Sea".

Stallone interpreta a un experimentado alpinista de un equipo de salvamento que tras sufrir la pérdida de una amiga durante un rescate sufre una depresión tan profunda que decide retirarse. Tras su vuelta al lugar del accidente se verá envuelto en el robo millonario de un avión del Departamento del Tesoro de los Estados Unidos que sufrirá un accidente cuando sobrevuela esas montañas. La banda que realizó el robo, le obligará a realizar la misión más peligrosa para recuperar el dinero entre los peligrosos parajes de la montaña y con ello conseguirá la redención que necesita.

Rodada en los Alpes italianos convertidos para la ocasión en las Montañas Rocosas, la película no deja lugar a dudas sobre su título en español, una historia de "máximo riesgo". Una película donde brillan además de la pétrea pero siempre efectiva interpretación de su protagonista principal, unas panorámicas vertiginosas de la montaña, unas espectaculares escenas de acción que se van sucediendo sin descanso y un malo malísimo en la piel de un John Lithgow que encarna a la perfección a ese psicopata sin sentimientos con un punto cómico.

Una película cargada de épica, acción, aventuras, tensión y humor, que mantiene al espectador en su butaca casi sin pestañear hasta su conclusión final y para los amantes de la música hasta el final de los títulos de crédito, escuchando una banda sonora tan espectacular como la propia película.

Obra de Trevor Jones, la música para esta película es una de sus grandes composiciones y una obra que forma parte de la que quizás sea la etapa más interesante de su carrera. Una partitura que describe la grandeza y espectacularidad de los paisajes donde transcurre la acción. 

El tema principal es un tema épico y heroico que describe al personaje y que ilustra las bellísimas tomas aéreas de las montañas, que resulta tremendamente efectivo. 

El resto del score lo componen una gran variedad de magníficos temas de acción trepidantes, que desembocan en un gran tema final espectacular ("End Credits") y que es el colofón perfecto a la película y a esta gran banda sonora.

Un trabajo que rebosa talento y profesionalidad en cada nota y que es tan solo una pequeña-gran muestra de la obra de este gran compositor que es Trevor Jones.

Música Romántica para Películas Muy Románticas (III) - Antes de Ti (CRAIG ARMSTRONG)

Aunque "Antes de Tí" no deja de ser una de esas previsibles historia de amor, también es cierto que tiene la virtud de contar con un par de aspectos interesantes.

Por un lado tenemos la muy aceptable interpretación de la protagonista, Emilia Clarke la famosa khalessi de Juego de Tronos en un registro tan diferente como sorprendente, y por otro tenemos el trabajo del siempre interesante Craig Armstrong en la banda sonora.

La historia nos presenta a Louisa (Emilia Clarke) una entusiasta, ingenua y alegre joven de pueblo que busca urgentemente un trabajo para poder ayudar a su familia. Su jovialidad se verá puesta a prueba cuando encuentra trabajo en el castillo local, contratada para cuidar a Will (Sam Clafin) un joven y rico banquero que ha quedado parapléjico en un accidente de tráfico. La cómoda y maravillosa vida de Will se ha visto truncada, perdiendo a su novia, su trabajo, su felicidad y sobre todo sus ganas de vivir. Y como no, el optimismo y la dulzura de Louisa cambiará por completo la forma en la que Will afrontará esta difícil situación.

Con una muy buena ambientación, rodada en Reino Unido en unos paisajes y lugares con encanto que le dan un toque especial a la historia, nos encontramos con un drama romántico lacrimógeno sin más pretensiones que no engaña a nadie y que satisfará a los amantes del género.

En fin una película que como ya quisieran muchas, simplemente cumple y entretiene y al menos no es tan empalagosa como otras.

En el apartado musical y como es también costumbre, la película cuenta con una banda sonora de canciones muy acordes a la historia, con algún megaéxito como el "Photograph" de Ed Sheeran. 

Pero como decía anteriormente la otra gran sorpresa de esta cinta es la banda sonora musical de Craig Armstrong, un autor que es habitual en un buen número de comedias romántica británicas contemporáneas. Muy fiel a su estilo nos encontramos con una música romántica con un tema principal, que se convierte en el tema de amor de Louisa y Will, con un comienzo suave con el piano marcando la melodía, que poco a poco y en ascenso va tomando cuerpo con la orquesta, muy al estilo de otro de sus grandes éxitos, la música de "Love Actually". Igualmente a lo que pasa con la película, los fanáticos de la música romántica encontrarán un trabajo de Craig Armstrong, serio, sincero y de primera calidad.

Una banda sonora sentimental y dramática que además de su bello tema principal contiene un buen número de temas ambientales en la misma linea y que aunque pueda parecer algo melosa contiene momentos muy elegantes como estos:

  

Música Romántica Para Películas Muy Románticas (II) - El Diario de Noa (The Notebook) (AARON ZIGMAN)

"El Diario de Noa" (The Notebook) es otro de esos dramas románticos por excelencia. Basada en la novela homónima de Nicholas Sparks, la lacrimógena historia de Allie y Noah rompió los corazones de millones de espectadores en todo el mundo cuando se estrenó en el año 2004. 

Dirigida por Nick Cassavetes y protagonizada por Rachel McAdams y Ryan Gosling, la historia se remonta al verano de 1940 en un pueblecito de Carolina del Sur. Allie es una chica de una familia rica que pasa el verano en el pueblo. Durante el carnaval Allie conoce a Noah, un joven del pueblo que trabaja en la fábrica de madera y aunque al principio Allie no se interesará por el, Noah insistirá y ambos se enamorarán de una manera loca. A pesar de vivir en dos ambientes sociales muy diferentes, juntos pasarán un verano inolvidable antes de que se separen primero por la oposición de los padres de Allie y después por la guerra.

El conjunto fue absolutamente perfecto para románticos irredentos, tanto en la ficción como en la realidad ya que el amor de los protagonistas además salió de los platós y se transformó en un sonado noviazgo durante algunos años.

Dentro de lo cursi que pueden parecer estas historias, "El Diario de Noa" es una película absorbente, elaborada con sentimiento con una correcta interpretación y una ambientación excelente.

Al fin y al cabo una historia de amor que como la vida misma reúne dulzura, dolor, emoción, lirismo y amargura.

La banda sonora de la película es obra de Aaron Zigman, en su segundo trabajo para el cine. Un trabajo más que destacable que rebosa sensibilidad y belleza desde el primer momento en las notas al piano del tema principal. Una música evocadora que Zigman intercala con música de los años cuarenta.
Un trabajo sencillo en el que la melodía es la esencia de esta conmovedora banda sonora, que funciona perfectamente tanto en la película como escuchada de manera aislada.

Lo dicho música muy romántica para una película muy romántica.

Música Romántica Para Películas Muy Románticas (I) - One Day (RACHEL PORTMAN)

En general cualquier película de los géneros más dispares, sea fantástica, western, comedia o drama suele tener casi siempre un momento romántico y sus bandas sonoras siempre contienen aunque solo sea unos pocos minutos para un tema musical melódico de carácter romántico. Frente a otros momentos musicales que pueden tener menor o mayor aceptación, la música romántica siempre es muy agradable y suele llegar muy bien al espectador, siendo infinidad los temas que han alcanzado el éxito y que se han convertido en tremendamente populares.

Es sorprendente como a veces una pocas notas interpretadas suavemente, son capaces de tocarle la fibra a cualquiera y si además suenan sobre imágenes sensibles o románticas el coctel es perfecto y fácilmente se consigue encoger el corazón y emocionar a veces hasta la lágrima.

Los siguientes son algunos casos en los que películas con una temática muy romántica han dado lugar a bandas sonoras muy muy románticas, unos trabajos muy interesantes que como suele pasar en el cine actual en algunos casos han pasado desapercibidos bajo las canciones que aparecen también en su banda sonora.

One Day (Siempre el mismo día) es una película del año 2011 protagonizada por Anne Hathaway y Jim Sturguess que narra la relación que surge entre una pareja desde el día de su graduación universitaria, un 15 de julio. Ella una chica idealista de clase trabajadora y el un joven rico que quiere comerse el mundo. A lo largo de 20 años, cada 15 de julio se mostrará su vida cotidiana. Se adorarán, se detestarán, se separarán y se volverán a reunir hasta que descubrirán que lo siempre desearon lo tenían más cerca de lo que pensaban.

La banda sonora de Rachel Portman, una de las escasas y más interesantes compositoras de música cinematográfica, cumple a la perfección. 

Una música romántica y tremendamente cautivadora, llena de sentimiento y emotividad como se puede comprobar en su tema principal "We Had Today", en su versión orquestal y su versión al piano:

De 5 a 7 - DANNY BENSI & SAUNDER JURRIAANS

A veces hay películas sencillas y en apariencia bastante simples que cuentan historias algo absurdas y poco creíbles, pero que en el fondo tienen algo a veces muy sutil que hacen que valga la pena dedicarles uno e incluso dos visionados. Este es el caso de esta película, "De 5 a 7" opera prima del guionista de televisión Victor Levin.

Y es aunque sea solo por ver alguna escena o escuchar en algún momento del metraje algún tema de su banda sonora, esta comedia romántica que bien podría pasar por un telefilm de sábado o domingo por la tarde, merece la pena.

Brian (Anton Yelchin) un aspirante a novelista que vive en Nueva York, conoce a una bella mujer llamada Arielle (Bérénice Marlohe), esposa de un diplomático francés. Un cruce de miradas es el flechazo y el punto de partida de una relación extramarital de común acuerdo con el marido que a su vez también tiene otra relación con una joven ( todo con ese toque tan francés). De una manera muy educada y muy bien planificada los amantes pueden mantener una relación de 5 a 7, guardando las apariencias hacia afuera, pero desatando su pasión en los encuentros que mantienen en una habitación de un hotel durante el tiempo que tienen estipulado. Pero la cosa empieza a complicarse cuando Brian le presenta a Arielle a sus padres, que no entienden esa relación tan extraña, y cuando alentado por el propio marido de Arielle, Brian entra a formar parte del circulo familiar incluidos los dos hijos del matrimonio y de los amigos del diplomático.

Y aunque todo parezca tan bien organizado y tan formal, el amor entra ambos empieza a ir más allá y termina rompiendo esa estabilidad.

Al final todo es muy previsible, pero la historia está muy bien resuelta y nos deja algún par de escenas que agradarán a esos espíritus románticos que se acercan a ver historias como esta.

Momentos como el cruce de miradas cuando ambos amantes se conocen, la elegancia y belleza de Bérénice Marlohe en casi todos sus planos, el encuentro bajo la lluvia y el momento final en la puerta de un Museo, son esos momentos que tienen algo especial.

En definitiva una cinta ligera aunque disfrutable, que permite esbozar alguna que otra sonrisa y algún pellizco en el corazón a los más románticos.

La banda sonora de esta película es de Danny Bensi y Saunder Jurriaans dos músicos neoyorquinos que comenzaron su carrera como integrantes de una banda de rock instrumental con algún bagaje como teloneros de bandas de renombre como Pearl Jam. 

Dos músicos con un carácter único muy innovadores que para esta película componen una música muy acorde con la historia, con temas ligeros para los momentos incidentales, y con un par de temas bellísimos para esos momentos finales. Una música perfecta para las imágenes a las que acompaña.

La Música de Luis Bacalov (III) - IL CIELO CADE / COUP DE FOUDRE / HIDDEN MOON / ILONA ARRIVA CON LA PIOGGIA / L'AVVOCATO DELLA DONNE

La música de Bacalov siempre se ha caracterizado por unas melodías de una delicadeza exquisita y en buena parte de sus bandas sonoras sean del género que sean, siempre aparecen temas sensibles de un gran lirismo. 

Estas son alguna de ellas.

"Cuando el Cielo Cae" ("Il Cielo Cade"). Una adaptación de la aclamada novela autobiográfica de Lorenza Mazzetti, ambientada en la Italia de 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, dirigido por Andrea y Antonio Frazzi.  Una niña huérfana viaja junto a su hermana a casa de unos tíos en la Toscana. Con la amenaza del conflicto bélico, la historia se centra en la relación de las niñas y sus tutores, especialmente con su tío Wilhelm, un judío alemán primo de Albert Einstein, en un lugar que se convierte en un pequeño microcosmos intelectual y antifascista. La película cuenta con la destacada interpretación de Jeroen Krabbé e Isabella Rosellini, pero sin duda son las pequeñas actrices infantiles sobre las que descansa el núcleo emotivo de la trama. 

La banda sonora donde se mezclan algunos temas de música clásica con la música compuesta por Bacalov, nos ofrece la oportunidad de escuchar al maestro tocando el piano como en este tema, "Da Lontano"

   

"Entre Nosotras" ("Coup de Foudre"). Película francesa del año 1983 dirigida por Diane Kurys y protagonizada por Miou-Miou e Isabelle Hupert. Ambientada tras la Segunda Guerra Mundial la historia describe el encuentro y la amistad que surge entre dos mujeres judías que han permanecido en un campo de internamiento de la Francia ocupada por los nazis, que conectan de una manera especial desde el primer momento en el que se conocen y cuya relación se verá atacada por los celos de sus maridos y el convencionalismo de ese tiempo. La delicada y bella partitura de Bacalov se basa en gran medida en los orígenes judíos de las protagonistas marcada por el sonidos de la música tradicional judía de la Europa del este.

"Luna Escondida" ("Hiden Moon") es un drama romántico del año 2012. Una coproducción mexicana-estadounidense con localizaciones entre los dos países. La historia se desarrolla cuando una mujer aparece en el funeral de un acaudalado hombre en el sur de California. Ante la sorpresa de la familia, el hijo del fallecido se trasladará hasta México para descubrir la relación de su padre con esa mujer.

Bacalov nos deja otra partitura romántica y conmovedora, absolutamente maravillosa.

"Ilona Llega con la LLuvia" es una coproducción entre Colombia, España e Italia del año 1996 dirigida por Sergio Cabrera, basada en la bella novela de amor de Álvaro Mutis. Una historia de tres personajes que disfrutan de una sólida amista aunque se encuentran en diferentes partes del mundo cada uno. El azar juntará de nuevo sus caminos, volviendo a compartir sueños, amores y aventuras. 

Bacalov vuelve a demostrar en esta banda sonora la habilidad para la melodía sutil, sensible, romántica y evocadora. Sublime.

"L'Avoccato Delle Donne" es una miniserie de televisión italiana del año 1997. La historia de una prestigiosa abogada que defiende a mujeres deslegitimadas por la justicia. Una profesional inteligente e integra que tiene también que hacer frente a sus problemas familiares, después de su divorcio y la enfermedad de su hijo.

La banda sonora de carácter incidental cuenta con una bella melodía nostálgica como tema principal que es una maravilla y una canción basada en este tema principal "Niente è Come Te", interpretada por Barbara Cola.