Cruzando la Calle (Crossing Delancey) - PAUL CHIHARA

Sin llegar a ser una gran película, "Cruzando la calle" (Crossing Delancey) tiene el encanto de las comedias costumbristas tan de moda en el cine americano que se hacía en los años 80. 

Adaptación de la obra teatral de la propia guionista del film, la historia ambientada en la comunidad judía de Nueva York, nos presenta a Isabelle (Amy Irving), una atractiva mujer de 33 años que ama su independencia por encima de todo. Isabelle es inteligente, culta y tiene un buen trabajo en una librería donde se codea con escritores y gente interesante, pero todavía es soltera, algo que su abuela, a la que visita a menudo se ha empeñado en arreglar. Con la idea de que conozca a un buen hombre y siente la cabeza de una vez su abuela con la ayuda de una amiga casamentera deciden buscar al hombre perfecto para su nieta. La solución parece ser Sam (Peter Riegert), propietario de una tienda de pepinillos, alguien que a priori no encaja en el tipo de hombre que podría ser idóneo para Isabelle.

Aunque cinematográficamente no es gran cosa, muy cercana a los típicos productos tipo telefilm que se hacen hoy día, es una historia con cierto encanto con momentos de comedia romántica agradable, sobre todo para quien le guste este tipo de cine y que tuvo un inesperado éxito cuando se estrenó.

La banda sonora es obra del compositor Paul Chihara, un músico americano de ascendencia japonesa con una extensa obra clásica, que además ha trabajado en el mundo de la televisión y el cine. Esta banda sonora es de sus obras más conocidas y nos presenta una partitura muy romántica basada sobre todo en un tema principal al piano que recuerda mucho al estilo de Dave Grusin. 

La banda sonora también contiene una canción principal, "Come Softly To Me" un gran éxito de la música "dudua" de los años 50, que se repite a lo largo del metraje en diferentes versiones, como esta del grupo The Roches:

Frantic (Frenético) - ENNIO MORRICONE

Durante los años 80 y tras su exilio forzoso en Francia, Roman Polanski rodó varias películas de género con las que empezó una nueva etapa en su filmografía. Tras "Tess" un melodrama romántico y "Pirates" un acercamiento a las clásicas cintas de piratas, en 1988 Polanski rueda "Frantic" una película de intriga y suspense al más puro estilo Hitchock.

Partiendo del concepto del "MacGuffin" que el maestro utilizó tanto en su cine, la historia nos presenta al doctor Richard Walken (Harrison Ford) que se encuentran en Paris junto a su esposa para asistir a una conferencia, aprovechando el viaje para rememorar su luna de miel. Esta situación tan normal se complica misteriosamente con la desaparición de la esposa sin causa alguna. A partir de este momento, y ante la pasividad de la policía y de su propia embajada, el doctor Walken comenzará por su cuenta una búsqueda desesperada en un país que desconoce y cuyo idioma ignora, adentrándose en el submundo parisino siguiendo una pista que le llevará a contactar con una atractiva joven (Emmanuelle Seigner). A partir de ahí la trama se irá complicando hasta convertirse en una auténtica pesadilla, con terroristas árabes y agentes de inteligencia israelíes intentando hacerse con un dispositivo capaz de detonar un arma nuclear.

Harrison Ford en un papel que recuerda al Cary Grant de "Con la muerte en los talones", se mete perfectamente en el papel del hombre corriente metido en una situación que le desborda, pero que como los héroes del cine de Hitchock será capaz de enfrentarse a cualquier situación adversa.

Roman Polanski logra un thriller comercial de un alto nivel, muy entretenido y con un buen guión que logra cautivar al espectador desde el primer momento.


Ennio Morricone compone una magnífica partitura donde utiliza en el tema principal el sonido electrónico del bajo eléctrico para marcar la sensación de tensión y suspense. Igualmente el maestro italiano crea otros temas con un tono más melancólico y triste, como podemos apreciar en en los títulos finales con el uso del acordeón en una clara alusión al trasfondo parisino de la historia.

Una música que crea en gran parte la atmósfera del film y que como la misma película, resulta "frenética".

La Música de Francis Lai (III) - LE PASSAGER DE LA PLUIE / MARIE: A TRUE STORY

Fiel a su estilo, la música de Francis Lai con ese tono tan romántico es capaz de integrarse en películas de géneros tan dispares como el thriller o el drama con tintes políticos, como en el caso de los films que comento hoy.

"Le Passager de la Pluie" (El Pasajero de la Lluvia), es un thriller psicológico francés del año 1970 dirigido por Rene Clement. La historia nos presenta a una atractiva joven que se ve envuelta en un terrible suceso con un misterioso desconocido que la asalta con fatales consecuencias. La situación se resolverá aunque arrastrando un secreto que alguien parece conocer, un oficial del ejercito americano que aparece misteriosamente. 

Marlene Jobert, en el papel protagonista lleva todo el peso de la carga dramática y de suspense de la película, acompañada por Charles Bronson, en uno de sus habituales papeles de duro, como reclamo comercial y cabeza de cartel para el lanzamiento de la cinta a nivel internacional. La película tuvo un notable éxito, consiguiendo el globo de oro a la mejor película extranjera ese año y puede considerarse un curioso thriller con un aire de cine "negro" clásico. 

Francis Lai compone una partitura ligera y romántica, en la que destaca el tema "La Valse du Mariage", un precioso vals con un aire melancólico que es uno de sus grandes temas. Como bien es sabido Lai es también un gran compositor de canciones y para esta ocasión la banda sonora contiene una versión vocal del tema principal en la voz de Severine, una joven cantante francesa de la época.

Marie: A True Story, es una producción norteamericana del año 1985 dirigida por Roger Donaldson, basada en hecho reales. La historia de Marie Ragghianti una mujer que tras superar muchas dificultadas para sacar adelante a su familia (el divorcio de un violento marido y la enfermedad crónica de su hijo pequeño), consigue estudiar y salir adelante convirtiéndose en ayudante del gobernador de Tennessee. Sin embargo tras descubrir un gravísimo caso de corrupción tendrá  que enfrentarse a un sistema del que forma parte, que le hará la vida imposible. La crítica destacó sobre a su protagonista Sissy Spacek, en un papel con una gran carga dramática.

Igualmente para la ocasión, Lai en una de sus habituales colaboraciones en el cine norteamericano compone una música brillante y muy melancólica con una melodía cargada de una gran sensibilidad, como se puede apreciar en este tema:

La Música de Francis Lai (II) - THE GAMES / MADAME CLAUDE II

En su larga trayectoria profesional, con más de 100 bandas sonoras de películas compuestas, Francis Lai ha abarcado casi todos los géneros cinematográficos, aportando su estilo personal y consiguiendo temas tan maravillosos como los dos que voy a comentar hoy.

"The Games", titulada en España "La Prueba del Valor" es una película del año 1970 dirigida por Michael Winner y protagonizada por Michael Crawford, Ryan O´Neal y Charles Aznavour. La película, un drama deportivo ambientada en los Juegos Olímpicos de Roma de 1960 nos presenta la historia de cuatro atletas que participan en la maratón con diferentes historias personales: un inglés con un entrenador muy exigente, un norteamericano que participa pese a sus problemas de salud, un checo que busca la gloria para su país y un australiano aborigen que busca salir de la miseria y reivindicar a su pueblo. 

La música compuesta por Francis Lai para esta historia refleja perfectamente la emoción propia de la competición deportiva y las situaciones de cada uno de los personajes, como en el tema que he elegido, "Vendek Theme", una composición magnífica con ese estilo tan particular suyo. 

La siguiente película es "Madame Claude II", película francesa de género erótico del año 1981 dirigida por François Mimet. La película, secuela de "Madame Claude" (1977, Just Jaeckin) pretendía generar otra saga dentro de este género tan popular en los años 70 y 80 al estilo de "Emmanuelle",  y estaba basada en la historia real de Madame Claude, una poderosa dueña de uno de los burdeles más famosos de la historia por haber acogido a personajes acaudalados y famosos. Un drama erótico al uso sin muchas pretensiones y que no deja de ser una mala película, con la única salvedad de la música de Francis Lai.

Como ya ocurriera con la segunda parte de Emmanuelle, Lai compone una magnífica banda sonora con temas tan extraordinarios como "Amour, Delices et Violoncelle", una evocadora y sensual melodía con el violonchelo como solista, que es una delicia. 

La Música de Francis Lai (I) - UN HOMME QUI ME PLAIT / DISPERATAMENTE GIULIA

Francis Lai es uno de mis compositores preferidos. Como comenté en mi primera entrada de este blog, la banda sonora de "Un hombre y una mujer" fue el primer disco de música cinematográfica que compré hace ya muchos años, un viejo vinilo que escuché cientos de veces y que fue uno de los "culpables" de mi afición por la música de cine. 

Autor de un buen número de bandas sonoras muy famosas y tremendamente populares (Love Story, Un hombre y una mujer, Bilitis, Vivir para vivir, Los unos y los otros, etc.) es quizás, unos de los grandes artífices del romanticismo en la música para el cine y domina la melodía como pocos; de una manera sencilla, pero mágica. En las siguientes entradas me gustaría comentar algunas de sus composiciones, que aunque menos conocidas son solo un pequeño ejemplo de la calidad de este gran compositor. 

"Un Homme qui me Plait", es una película francesa del año 1969 dirigida por Claude Lelouch, director con el que Francis Lai ha estado ligado en buena parte de su carrera, desde que colaboraran con tan gran éxito en "Un hombre y una mujer". La película una historia romántica con el cine dentro del cine como telón de fondo, nos presenta la historia de una conocida actriz francesa (Annie Girardot) que a su llegada a Estados Unidos para el rodaje de una película, se enamora del compositor de su misma nacionalidad encargado de hacer la banda sonora (Jean-Paul Belmondo). En ese ambiente del rodaje en un país que les es ajeno en su forma de vida y costumbres, vivirán una apasionada historia de amor e infidelidades.

"Concerto pour la fin d´un amour" es uno de los temas principales de la banda sonora, una melodía romántica con el piano como protagonista, que es una maravilla. 

"Disperatamente Giulia" es una miniserie de televisión italiana del año 1989, dirigida por Enrico Maria Salerno y protagonizada por Tahnee Welch y Fabio Testi. Drama sentimental basado en una novela que había sido un best-seller en Italia, narra la historia de amor de Giulia con un joven que la rechazará para casarse con una rica heredera, y aunque conseguirá reencontrase con su gran amor años más tarde, el destino y la historia familiar de ambos les llevarán a un dramático final.

La música de Francis Lai, basada en un sencillo tema principal acompañado por el suave tarareo de una voz femenina, es tremendamente melancólico y romántico y de una gran belleza. Una música perfecta para acompañar una historia de amor como esta.

Una música muy "azucarada", que a algunos les podrá resultar algo empalagosa, pero al fin y al cabo....... "el amor es así".

Dans Le Maison ("En la Casa") - PHILIPPE ROMBI

"Dans La Maison" (En la Casa), es una de esas gratas sorpresas cinematográficas a las que nos tiene acostumbrado el cine francés en los últimos años. Ya sea en el drama, la comedia o el thriller, lo cierto es que un buen número de producciones francesas han logrado enormes éxitos no solo en su país, si no que han logrado conquistar el mercado internacional. Todo ello avalado por un enorme éxito de taquilla y el reconocimiento de los más importantes premios cinematográficos.

Dirigida por François Ozon, "Dans La Maison" es una producción del año 2012 que se mueve entre el drama y la intriga, cuyo guión es una adaptación de la obra "El chico de la última fila" del dramaturgo español Juan Mayorga, uno de los autores teatrales actuales más interesantes. La historia que nos cuenta es un entretenido y hábil juego entre la literatura y la vida. Un profesor de literatura francesa desencantado con sus alumnos, descubre que el chico que se sienta al fondo de la clase muestra en sus trabajos de redacción un agudo y sutil sentido de la observación, lo que le lleva a sentir una extraña fascinación por la historia que relata, la vida de la familia de uno de sus compañeros. El profesor atraido por la calidad de sus escritos e intrigado por la historia que cuenta, en la que es difícil distinguir entre realidad y ficción, animará a su alumno a seguir con su relato, y lo que empieza como un juego ilusionante se convertirá en una obsesión casi enfermiza con trágicas consecuencias. 
Dirigida de forma singular y brillante, consigue intrigar al espectador, con un guión bien hilado y un argumento absorbente, donde se va creando una atmósfera que consigue mantener al público pegado al asiento. Una verdadera oda al voyeurismo en la que queda patente esa irresistible atracción por conocer "la vida de los otros", como queda patente en la última escena de la película en un claro guiño a "La Ventana Indiscreta". 
La historia se sustenta en buena medida en las actuaciones de todo el reparto, que lo hacen realmente bien, y en la que destacan los dos protagonistas, Fabrice Luchini como el intrigado profesor y Ernst Umhauer como su alumno.
La película ha sido la última Concha de Oro del Festival de San Sebastián y se ha convertido en una de las cintas más originales e inteligentes del cine europeo del pasado año.

Para la banda sonora François Ozon vuelve a contar con la colaboración de Philippe Rombi, en lo que parece se va a convertir en uno de esas grandes asociaciones director-compositor tan habitual en el mundo del cine. 
La banda sonora transmite perfectamente ese tono de intriga que tiene la historia, y los temas que Rombi ha creado, aportan un clima sonoro hipnótico y perturbador que refuerza el misterio de la película. Una música que al igual que la película resulta sobria, elegante y refinada con momentos verdaderamente inquietantes.
Estos son los dos temas principales de la banda sonoro, el tema inicial y el tema final, dos melodías de una gran belleza con una orquestación magnífica y con la participación al piano del propio Rombi, que como suele ser habitual en sus bandas sonoras, compone, orquesta dirige e interpreta. Un músico absoluto que me ilusiona y me gusta mas con cada nueva banda sonora.

Summer of 42 - MICHEL LEGRAND ( ..... y felices vacaciones de verano)

Atendiendo a las fechas en las que estamos, no se me ha ocurrido mejor tema para cerrar durante unas semanas por las vacaciones, que uno de los más bellos temas compuestos por Michel Legrand para "Summer of 42", película del año 1971 dirigida por Robert Mulligan. 

Merecidamente la banda sonora ganó el Oscar y se ha convertido en uno de los grandes clásicos de la música romántica. Versionado tanto en su versión instrumental como vocal en infinidad de ocasiones, es de esas melodías mágicas que ha quedado ligada a esa triste pero tan hermosa historia de amor de verano.

Una delicia de película y de música.  FELIZ VERANO.

El Minimalismo en la Música de Cine (III) - El Porqué de las Cosas (CARLES CASES)

Mi tercera elección de música minimalista en el cine, es la banda sonora compuesta por Carles Cases para la película "El porqué de las cosas". 

Dirigida por Ventura Pons en el año 1995 y basada en un libro de Quim Monzó, uno de los máximos representantes de la narrativa escrita en catalán, la película adapta los diferentes relatos que componen su obra "El perquè de tot plegat". A través de quince episodios con títulos como amor, fe, duda, celos, ego, pasion, deseo,..., que no dejan de ser quince pasajes de vida, Ventura Pons nos muestra varios ejemplos del comportamiento humano, centrándose sobre todo en las relaciones sentimentales, conformando una película con cierto aire de minimalismo.

La aportación de Carles Cases en la banda sonora es el complemento perfecto al desarrollo de todas esas pequeñas historias, y nos encontramos con una partitura al más puro estilo minimalista en unas composiciones repetitivas para describir cada uno de los temas que se abordan en los diferentes episodios.

Los siguientes son los temas "Voluntat" y "Dubte" que pertenecen a los episodios del mismo título con los que se abre y cierra la película, y cuyo sonido desde las primeras notas no deja lugar a dudas: minimalismo puro.

Nos encontramos pues, ante una magnífica banda sonora de uno de los más interesantes y brillantes compositores del panorama nacional, y del que también os recomiendo la bellísima música de "Amic, amat" otra colaboración con Ventura Pons que ya comenté en un post anterior : 

Amic, amat (Carles Cases)

El Minimalismo en la Música de Cine (II) - The Hours (PHILIP GLASS)

Mi siguiente comentario sobre música minimalista en el cine, es la banda sonora compuesta por Philip Glass para "Las horas" (The Hours) película del año 2002 dirigida por Stephen Daldry.

"Las horas" es una adaptación de la novela homónima del dramaturgo Michael Cunningham, ganadora del premio Pulitzer en 1999.

Partiendo de un relato literario tan importante y teniendo en cuenta que no es una historia fácil, el traslado del papel a la pantalla se resuelve de una manera muy correcta y muy sólida.

Toda la historia transcurre en un solo día, abordando tres relatos de tres mujeres diferentes, en diferentes épocas y generaciones, aparentemente desconectados entre si que poco a poco interactúan dando sentido a todo lo que ocurre en sus vidas. La conexión entre ellas es la novela de Virginia Wolf, Mrs Dalloway, siendo el personaje de la propia Virginia Wolf (Nicole Kidman) la protagonista de la primera de las historias en la etapa en la que escribió esa novela. La segunda historia aborda la vida de una infeliz esposa  (Julianne Moore) que lee el libro en 1951; y por último la historia actual de una editora homosexual neoyorquina (Meryl Streep) que como una Mrs Dalloway moderna cuida a un amigo escritor enfermo de sida al que está preparando una fiesta por un premio literario que le han otorgado.

Tres mujeres que comparten sus anhelos y sus miedos y cuyo destino está unido de alguna manera incierta.

Un magnífico reparto muy bien dirigido, una coherencia narrativa imponente, una sólida realización técnica y una banda sonora excelente componen una gran película, que consiguió un importante éxito avalado por un buen número de nominaciones y premios internacionales. Entre sus nueve nominaciones a los Oscar (incluyendo la banda sonora), Nicole Kidman lo consiguió en el apartado a mejor actriz, con una interpretación portentosa como Virginia Wolf y con una caracterización sorprendente que la hacía prácticamente irreconocible, en la que seguramente sea su mejor interpretación hasta la fecha.

Philip Glass es otro de los más importantes compositores de música minimalista, a pesar de que el mismo siempre ha rehusado encuadrarse en este movimiento musical. Pero es evidente que su música, y el así lo ha reconocido se basa en estructuras repetitivas, una de las características principales del minimalismo. 
Para "Las horas", Glass compone una música que enlaza perfectamente entre las diferentes historias, que va avanzando a través del tiempo y el espacio mientras las historias se mezclan. En esta ocasión el minimalismo se basa en unas suaves melodías que identifican perfectamente las sensaciones y los estados de ánimo presentes en cada una de las historias.

El siguiente tema es el que abre la banda sonora "The Poet Acts", donde se presenta la melodía principal con el violonchelo como solista. 

El segundo tema es "The hours", el tema que a modo e epilogo cierra el album. En esta ocasión el piano es el protagonista, en un ejemplo de pura delicadeza y minimalismo.

Una música bellísima hecha a medida para esta gran película.

El Minimalismo en la Música de Cine (I) - El Cocinero, El Ladrón, Su Mujer y Su Amante (MICHAEL NYMAN)

El minimalismo como movimiento cultural y artístico surgido en los años 60 y aplicado por primera vez en el mundo de la pintura y el diseño, tuvo rápidamente también su desarrollo en el mundo de la música. Muchos de los compositores que empiezan a formar parte de este movimiento, como Michael Nyman, Philips Glass, Wim Mertens o Yann Tiersen han realizado buena parte de su trabajo para el cine y de ahí han surgido magníficas bandas sonoras que han contribuido a marcar de una manera especial a las películas de las que forman parte.

"El cocinero, el ladrón , su mujer y su amante"  del año 1989 dirigida por Peter Greenaway, es una de las películas más destacadas de la filmografía de este controvertido cineasta, una de las figuras del "cine de autor" que se ha movido siempre en propuestas visuales que rozan el exceso. En este caso Greenaway firma una inclasificable historia en torno a la comida, el amor y el erotismo, no apta para paladares sensibles, que como suele ser habitual en su filmografía levanta tanto odios como pasiones. Lo que si que hay que destacar es todo lo referente a la estética del film, un cuidadoso tratamiento de la luz y una magnífica escenografía, con planos en los que todos los detalles están cuidadosamente colocados como si la propia escena fuera un cuadro.

La música para la banda sonora de esta película compuesta por Michael Nyman es el más claro ejemplo de música minimalista. Nyman ha desarrollado una estrecha colaboración con Peter Greenaway desde sus inicios, y su música forma parte de manera indiscutible de  esas extravagantes imágenes que componen sus películas. El tema principal de esta película es fantástico, una musica que como la propia película, roza el exceso y que a pesar de su extensa duración te engancha desde el primer compás. Una música que cumple a rajatabla las características que se aplican a este movimiento musical: repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un periodo largo de tiempo y manteniendo un pulso constante. Minimalismo cien por cien, en 12 minutos de puro disfrute musical.