Summer of 42 - MICHEL LEGRAND ( ..... y felices vacaciones de verano)

Atendiendo a las fechas en las que estamos, no se me ha ocurrido mejor tema para cerrar durante unas semanas por las vacaciones, que uno de los más bellos temas compuestos por Michel Legrand para "Summer of 42", película del año 1971 dirigida por Robert Mulligan. 

Merecidamente la banda sonora ganó el Oscar y se ha convertido en uno de los grandes clásicos de la música romántica. Versionado tanto en su versión instrumental como vocal en infinidad de ocasiones, es de esas melodías mágicas que ha quedado ligada a esa triste pero tan hermosa historia de amor de verano.

Una delicia de película y de música.  FELIZ VERANO.

El Minimalismo en la Música de Cine (III) - El Porqué de las Cosas (CARLES CASES)

Mi tercera elección de música minimalista en el cine, es la banda sonora compuesta por Carles Cases para la película "El porqué de las cosas". 

Dirigida por Ventura Pons en el año 1995 y basada en un libro de Quim Monzó, uno de los máximos representantes de la narrativa escrita en catalán, la película adapta los diferentes relatos que componen su obra "El perquè de tot plegat". A través de quince episodios con títulos como amor, fe, duda, celos, ego, pasion, deseo,..., que no dejan de ser quince pasajes de vida, Ventura Pons nos muestra varios ejemplos del comportamiento humano, centrándose sobre todo en las relaciones sentimentales, conformando una película con cierto aire de minimalismo.

La aportación de Carles Cases en la banda sonora es el complemento perfecto al desarrollo de todas esas pequeñas historias, y nos encontramos con una partitura al más puro estilo minimalista en unas composiciones repetitivas para describir cada uno de los temas que se abordan en los diferentes episodios.

Los siguientes son los temas "Voluntat" y "Dubte" que pertenecen a los episodios del mismo título con los que se abre y cierra la película, y cuyo sonido desde las primeras notas no deja lugar a dudas: minimalismo puro.

Nos encontramos pues, ante una magnífica banda sonora de uno de los más interesantes y brillantes compositores del panorama nacional, y del que también os recomiendo la bellísima música de "Amic, amat" otra colaboración con Ventura Pons que ya comenté en un post anterior : 

Amic, amat (Carles Cases)

El Minimalismo en la Música de Cine (II) - The Hours (PHILIP GLASS)

Mi siguiente comentario sobre música minimalista en el cine, es la banda sonora compuesta por Philip Glass para "Las horas" (The Hours) película del año 2002 dirigida por Stephen Daldry.

"Las horas" es una adaptación de la novela homónima del dramaturgo Michael Cunningham, ganadora del premio Pulitzer en 1999.

Partiendo de un relato literario tan importante y teniendo en cuenta que no es una historia fácil, el traslado del papel a la pantalla se resuelve de una manera muy correcta y muy sólida.

Toda la historia transcurre en un solo día, abordando tres relatos de tres mujeres diferentes, en diferentes épocas y generaciones, aparentemente desconectados entre si que poco a poco interactúan dando sentido a todo lo que ocurre en sus vidas. La conexión entre ellas es la novela de Virginia Wolf, Mrs Dalloway, siendo el personaje de la propia Virginia Wolf (Nicole Kidman) la protagonista de la primera de las historias en la etapa en la que escribió esa novela. La segunda historia aborda la vida de una infeliz esposa  (Julianne Moore) que lee el libro en 1951; y por último la historia actual de una editora homosexual neoyorquina (Meryl Streep) que como una Mrs Dalloway moderna cuida a un amigo escritor enfermo de sida al que está preparando una fiesta por un premio literario que le han otorgado.

Tres mujeres que comparten sus anhelos y sus miedos y cuyo destino está unido de alguna manera incierta.

Un magnífico reparto muy bien dirigido, una coherencia narrativa imponente, una sólida realización técnica y una banda sonora excelente componen una gran película, que consiguió un importante éxito avalado por un buen número de nominaciones y premios internacionales. Entre sus nueve nominaciones a los Oscar (incluyendo la banda sonora), Nicole Kidman lo consiguió en el apartado a mejor actriz, con una interpretación portentosa como Virginia Wolf y con una caracterización sorprendente que la hacía prácticamente irreconocible, en la que seguramente sea su mejor interpretación hasta la fecha.

Philip Glass es otro de los más importantes compositores de música minimalista, a pesar de que el mismo siempre ha rehusado encuadrarse en este movimiento musical. Pero es evidente que su música, y el así lo ha reconocido se basa en estructuras repetitivas, una de las características principales del minimalismo. 
Para "Las horas", Glass compone una música que enlaza perfectamente entre las diferentes historias, que va avanzando a través del tiempo y el espacio mientras las historias se mezclan. En esta ocasión el minimalismo se basa en unas suaves melodías que identifican perfectamente las sensaciones y los estados de ánimo presentes en cada una de las historias.

El siguiente tema es el que abre la banda sonora "The Poet Acts", donde se presenta la melodía principal con el violonchelo como solista. 

El segundo tema es "The hours", el tema que a modo e epilogo cierra el album. En esta ocasión el piano es el protagonista, en un ejemplo de pura delicadeza y minimalismo.

Una música bellísima hecha a medida para esta gran película.

El Minimalismo en la Música de Cine (I) - El Cocinero, El Ladrón, Su Mujer y Su Amante (MICHAEL NYMAN)

El minimalismo como movimiento cultural y artístico surgido en los años 60 y aplicado por primera vez en el mundo de la pintura y el diseño, tuvo rápidamente también su desarrollo en el mundo de la música. Muchos de los compositores que empiezan a formar parte de este movimiento, como Michael Nyman, Philips Glass, Wim Mertens o Yann Tiersen han realizado buena parte de su trabajo para el cine y de ahí han surgido magníficas bandas sonoras que han contribuido a marcar de una manera especial a las películas de las que forman parte.

"El cocinero, el ladrón , su mujer y su amante"  del año 1989 dirigida por Peter Greenaway, es una de las películas más destacadas de la filmografía de este controvertido cineasta, una de las figuras del "cine de autor" que se ha movido siempre en propuestas visuales que rozan el exceso. En este caso Greenaway firma una inclasificable historia en torno a la comida, el amor y el erotismo, no apta para paladares sensibles, que como suele ser habitual en su filmografía levanta tanto odios como pasiones. Lo que si que hay que destacar es todo lo referente a la estética del film, un cuidadoso tratamiento de la luz y una magnífica escenografía, con planos en los que todos los detalles están cuidadosamente colocados como si la propia escena fuera un cuadro.

La música para la banda sonora de esta película compuesta por Michael Nyman es el más claro ejemplo de música minimalista. Nyman ha desarrollado una estrecha colaboración con Peter Greenaway desde sus inicios, y su música forma parte de manera indiscutible de  esas extravagantes imágenes que componen sus películas. El tema principal de esta película es fantástico, una musica que como la propia película, roza el exceso y que a pesar de su extensa duración te engancha desde el primer compás. Una música que cumple a rajatabla las características que se aplican a este movimiento musical: repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un periodo largo de tiempo y manteniendo un pulso constante. Minimalismo cien por cien, en 12 minutos de puro disfrute musical.

Las Amistades Peligrosas - GEORGE FENTON

De entre las distintas adaptaciones pare el cine y la televisión que se han hecho de la famosa novela escrita por Pierre Chloderlos de Laclos publicada en 1782, Les Liaisons Dangereuses, la versión rodada en 1988 por Stephen Frears, merece estar, sin duda, en esas listas que habitualmente se hacen de las mejores películas de la historia del cine. 

Tomando como base la adaptación teatral que con gran éxito había realizado el escritor, guionista y también director de cine inglés, Christopher Hampton, Las Amistades Peligrosas es una de esas películas redondas y una obra maestra absoluta. 

Lujo, seducción, erotismo y venganzas al más alto nivel se dan cita en este espléndido drama de época ambientado a finales del siglo XVIII.

La Marquesa de Merteuil (Glenn Close) y el Vizconde de Valmont (John Malkovich), que en tiempos habían sido amantes, se mueven como pez en el agua en un ambiente de lujo, ocio y perversión tan propio de la alta aristocracia en los años previos a la Revolución Francesa. Dos seres perversos, amorales y depravados capaces de cualquier cosa para conseguir sus propósitos.

Con el objeto de vengarse de su último amante, la marquesa de Merteuil convence a su viejo amigo Valmont para que seduzca a la joven prometida de este y así no pueda casarse con honra. En este juego de traiciones y venganzas se verá también involucrada de manera dramática Madame de Tourvel (Michelle Pfeiffer), una piadosa y virtuosa mujer casada a la que Valmont está intentando conquistar y de la que verdaderamente se enamorará. La trama de venganza, celos y maquinaciones llevará a los personajes a un dramático final en el que cada uno pagará por sus pecados y encontrará su merecido castigo. En el caso de la marquesa de la manera más cruel posible para ella, el desprecio de su ambiente social en una secuencia final de la película, antológica.

GlennClose y John Malkovich están enormes en sus papeles, y nos brindan unas actuaciones memorables, junto a una comedida Michelle Pfeiffer que irradiaba toda la belleza, dulzura y fragilidad de su personaje, a la que verdaderamente se le sentía sufrir mientras Valmont le replicaba ..."no puedo evitarlo", tras romper su relación después de haberla seducido.

Injustamente tratada en los Oscar de ese año, de sus siete nominaciones incluyendo película, mejor actor y mejor actriz (que hubieran sido merecidísimos)  solo recibió tres premios menores, dirección artística, vestuario y guión adaptado, que verdaderamente supieron a poco.

En definitiva, una excelente película, recomendable cien por cien, que me encanta.

Aun tratándose de una producción norteamericana, de entre la parte del equipo de origen ingles, nos encontramos con George Fenton en la composición de la banda sonora. 
Junto a un buen número de temas clásicos de música barroca, Fenton crea una obra magistral adaptada al estilo musical de la época en la que transcurre la historia, con el uso de la orquesta y la instrumentación típica del barroco, como el clavecin y el órgano. 
Los dos siguientes temas son el "Tema principal" con el que se abre la película con unos compases iniciales espectaculares, que dan paso a un suave adagio sobre las imágenes que nos muestra a la marquesa de Merteuil y al vizconde de Valmont mientras se arreglan ayudados por su corte de sirvientes. Y el segundo tema el dedicado a "Madame de Tourvel", una música que describe perfectamente la delicadeza del personaje.

 

Y como supongo que ya no voy a chafar el final a nadie y además.... "no puedo evitarlo", esta es la excepcional escena final.

Iron Man 3 - BRIAN TYLER

El filón que ha encontrado el cine con los heroes de Marvel está consiguiendo en los últimos años llenar las salas, por una parte de aquellos que por una edad leyeron ávidamente los comic en su época y que imaginaron siempre como quedarían en la pantalla grande y por otra la de una buena parte de los jóvenes de nuestros días que han descubierto la fascinación que ejercen estos personajes con el uso de la magia digital, los efectos especiales y el 3D.

Entre todos los personajes Marvel que han visto sus hazañas trasladadas al celuloide, Iron Man ha conseguido enganchar al gran público de una manera especial. La buena acogida de las dos primeras películas se ha visto confirmada con el éxito del estreno de la tercera parte consiguiendo batir los records de recaudación en los primeros días de exhibición en todo el mundo. 

Sin entrar a valorar la calidad cinematográfica de películas como esta, lo que si que hay que reconocer es que son un puro entretenimiento que para empezar no está mal. Las nuevas aventuras del industrial playboy, egocéntrico y socarrón Tony Stark, nos muestran a un personaje más humanizado que parece empieza a controlar mejor su condición de héroe, sin dejar de verse envuelto en una vorágine de peleas con el villano de turno, explosiones y efectos especiales llevados al límite.

A destacar como en las dos entregas anteriores  la interpretación de Robert Downey Jr. en un papel hecho a su medida, que marcó su recuperación para el cine y que junto al nuevo Sherlock Holmes creo que nos va a ofrecer una buena colección de películas en el futuro.

Una de las grandes sorpresas de esta película ha sido sin duda la banda sonora de Brian Tyler. Sin menospreciar la música compuesta para las dos películas anteriores por Ramin Djawadi (Iron Man) y John Debeney (Iron Man 2), Tyler un reputado músico especializado en cintas de acción ha creado una banda sonora tan potente  y espectacular como requiere una película como esta, pero también creo que ha creado el leitmotiv musical del personaje. Como está ocurriendo con la mayoría de sagas de los heroes de Marvel, en su mayoría carecen de un motivo musical que los distinga debido en muchos casos al cambio en el compositor de la banda sonora asignado en las diferentes secuelas, detalle que aportaría más entidad a cada uno de los personajes.

Tras el visionado de Iron Man 3, encontramos un tema principal brillante, con una carga sinfónica contundente, reforzada con un acompañamiento de un coro que aporta el tono épico perfecto. En principio una tema musical clásico, tan apropiado como los utilizados en las dos películas anteriores, que quedaría eclipsado y atrapado por la espectacularidad de las imágenes como en los dos casos anteriores, si no fuera por el acertado uso que el compositor hace de este tema en los títulos finales de la película.

Con este tema final titulado "Can You Dig It", Tyler define al personaje con una versión trepidante y ligera muy estilo pop del tema principal, una música pegadiza que tras varias escuchas por lo menos en mi caso, ya ha quedado asociado a Tony Stark y su alter-ego, Iron Man.

Música para lobos y vampiros (III) - La Saga "Crepúsculo" (CARTER BURWELL / ALEXANDRE DESPLAT / HOWARD SHORE)

El cine de vampiros y hombres lobo tiene con la saga "Crepúsculo" uno de los mayores éxitos comerciales  del cine de los últimos años. Éxito comercial que paradójicamente no se corresponde con la calidad cinematográfica que debiera si hacemos caso de la crítica especializada, que incluso la ha clasificado entre las peores películas de la historia. Partiendo de una afamada saga literaria de la escritora norteamericana Stephenie Meyer, formada por cuatro novelas de la que se han vendido más de 100 millones de copias en todo el mundo, el traslado al cine estaba cantado. 

Totalmente enfocada a un público juvenil la unión de los vampiros y los hombres lobo conviviendo en la época actual y con todos los tópicos asociados a ambos tipos de personajes, solo faltaba una bella historia de amor y unos buenos efectos especiales. 

La historia bastante simple nos presenta a "Bella" la joven y delicada mortal que quedará prendada de "Edward" ese compañero de instituto algo pálido, escuálido y de extraña familia, y un tercero en discordia "Jacob", otro amigo de la infancia más moreno y cachas con una también extraña familia de origen indígena. Entre ambos además del típico enfrentamiento por el amor de la chica, surgirá el eterno conflicto ancestral entre sus familias, los vampiros y los hombres lobo.

Esta historia ha emocionado a un público adolescente consiguiendo encandilarlo de manera que leyeran avidamente las cuatro novelas y que acudieran en masa a los cines a ver en imágenes una historia de amor llevada de alguna manera "más allá de la muerte". La historia se alarga demasiado una vez que Bella y Edward se enamoran, por la indecisión de ella en ir más allá y los reparos de el porque Bella pase de ser una simple mortal a ser un muerto en vida (la esencia del personaje del vampiro), todo ello salpicado de espectaculares batallas entre familias de vampiros y entre vampiros y sus enemigos los lobos.

La saga de películas tambien ha supuesto el lanzamiento al estrellato de sus tres protagonistas, Kristen Stewart (Bella), Robert Pattinson (Edward) y Taylor Lautner (Jacob) que por lo que parece y quieran o no van a cargar con el estereotipo de estos personajes en el resto de sus carreras.
Para bien o para mal la saga al completo ha sabido enganchar a ese público joven que es capaz todavía de llenar las salas de cine  y ha recuperado unos personajes y un género que aunque ha dado mejores momentos al cine, estaba algo oxidado.

Aunque como ya es consabido y sobre todo en películas para adolescentes, parte de la música la han formado canciones de moda de grupos independientes. Pero de lo que si no cabe duda es la acertada elección de los compositores encargados de hacer las bandas sonoras de cada uno de los films que componen esta saga. Y es que el trio formado por Carter Burwell, Alexandre Desplat y Howard Shore no es nada desdeñable y por lo menos con sus trabajos han aportado cierto grado de calidad que faltaba al conjunto. También es un caso curioso que no haya habido una continuidad en la elección de un único compositor para toda la saga, aunque como de un ciclo se tratara empezó y ha terminado con el mismo autor "Carter Burwell". 

 

En general y sin entrar a tratar cada score en particular, voy a poner un tema principal de cada una de las películas, piezas delicadas y melódicas que en todos los casos hacen referencia a esa parte romántica que discurre a lo largo de cada uno de los capítulos de la saga. Temas que en cada caso son un buen ejemplo de la música de cada uno de los tres compositores elegidos. 

"Crepúsculo" - Carter Burwell ........................... Bella´s Lullaby

"Luna Nueva" - Alexandre Desplat ........................... Full Moon

"Eclipse" - Howard Shore ........................... Jacob´s Theme

"Amanecer" - Carter Burwell ........................... Bella Reborn

Música para lobos y vampiros (II) - Drácula (JOHN WILLIAMS)

Drácula, ha sido siempre el personaje de referencia en toda la filmografía dedicada a los vampiros. La novela de Bram Stoker, y su protagonista el conde Drácula, han sido desde los orígenes del cine una fuente inagotable para las película del género de terror. De entre las adaptaciones al cine que se han hecho, pocas han sabido plasmar mejor esta gran historia, y la siguiente es una de ellas.

"Drácula" dirigida por John Badham en 1979, supuso el resurgimiento del personaje del vampiro creado por Stoker, en un momento en el que el genero de terror estaba viviendo una segunda época dorada. Años antes la productora británica Hammer había exprimido al personaje al máximo con alguna buena película, pero con un buen número de secuelas de escaso interés, que acabaron por "enterrar" momentaneamente al personaje. Badham por entonces un joven realizador proveniente de la televisión, que había rodado solo tres películas para la gran pantalla, tras el éxito alcanzado con "Fiebre del sábado noche", consiguió convencer a los directivos de Universal para que le financiaran su próximo proyecto, una nueva adaptación de Drácula, movido sobre todo por la impresión que le había causado meses antes la adaptación de la obra en Broadway y la interpretación de Frank Langella, al que convenció para que fuese el protagonista de la película. 

Aunque se introdujeron algunos cambios en las relaciones de los personajes, la historia es creíble y se centra fundamentalmente en la historia de "amor", aunque manteniendo al mismo tiempo los ingredientes de la novela de Stoker.

La película contó con un gran presupuesto y un gran despliegue técnico con una puesta en escena tanto en interiores como en exteriores, impecable. Además contó con un excelente reparto en el que Langella supuso un gran descubrimiento en una de sus mejores interpretaciones, en la que su sola presencia fue capaz de eclipsar al resto del reparto, que incluía al gran Laurence Olivier como el doctor Van Helsing. 

Sin traicionar la esencia de la obra y en un claro homenaje al clásico de Bela Lugosi de los años 30, este "Drácula" es una extraordinaria película de terror y una de las más atrevidas, fascinate y original versión que se ha hecho sobre este personaje.

La película contiene una impresionante y bellísima banda sonora compuesta por John Williams, una obra injustamente olvidada y eclipsada quizás por otras grandes obras de su autor de la misma época como "Star Wars", "Tiburón" o "Encuentros en la tercera fase", pero de una innegable calidad. La música que compuso Williams es un referente del personaje de Drácula, una creación sinfónica con un imponente tema principal con una música turbadora pero con un halo melancólico y romántico como corresponde a un personaje atormentado y oscuro que se debate entre el amor y su terrible sed de sangre. 

Musica para lobos y vampiros (I) - Wolf (ENNIO MORRICONE)

Vampiros y licántropos es uno de los temas más recurrentes en el cine de terror desde sus inicios. El propio personaje de Drácula (basado en la famosa novela de Bram Stoker) es uno de los personajes de ficción con más adaptaciones y apariciones en el cine. Hombres lobo y vampiros han sido llevados al cine desde los mismos orígenes del cine mudo, teniendo una época dorada durante la década de los 50 con la productora Hammer Films con innumerables películas y sin olvidar la época actual en la que dando una vuelta de tuerca más al género, la famosa saga Crepúsculo vuelve a ponerlos de moda y unir a ambos personajes con un discutible "gran éxito". Echando una mirada a las bandas sonoras de películas con vampiros y/o lobos como protagonistas, me ha parecido bien recordar algunos temas que han podido pasar desapercibidos y que se encuentran entre lo mejor que se ha compuesto para este género. 

Wolf película de 1994, dirigida por Mike Nichols es una revisión diferente del mito del hombre lobo, llevando el tema hasta un punto más dramático. La propia transformación del personaje, un ejecutivo de mediana edad, apocado e inseguro por la mordedura de un lobo no es una simple exposición física, sino sobre todo psicológica y es la excusa para mostrarnos una historia acerca del poder y la competitividad en los negocios y en el amor. No solo se produce un cambio físico en las noches de luna llena, sino que el personaje adquiere vitalidad, energía y una seguridad y confianza en sí mismo recuperando ese espíritu de juventud que creía perdido.

Sin grandes estridencias en el maquillaje y los efectos especiales y sin grandes escenas de acción y sangre, la historia nos lleva más por un camino entre lo sombrío y lo melancólico, y queda finalmente muy lejos de lo que se consideraría un clásico del cine de terror.

En cuanto a las interpretaciones está claro que Jack Nicholson, borda un papel que le va como anillo al dedo. Una gran actuación en el que el histrionismo típico de los personajes con aspecto de loco en los que el actor es especialista convierte su actuación en lo mejor de la película. Michelle Pfeiffer, bellísima y más atractiva que nunca, secunda de manera correcta al personaje de Nicholson, y la química entre ambos es innegable.

"Wolf" no es una película que vaya a pasar a la historia del género, y aunque no fue muy bien tratada por la crítica en su momento, no deja de ser una nueva versión del mito actualizada, bastante entretenida, con un buen reparto y en la que quizás lo más flojo sea su desenlace un tanto rebuscado.

Junto a la interpretación de Nicholson, la otra gran baza de esta película es sin duda la música compuesta por Ennio Morricone. Muy ajustado al carácter dramático y melancólico de la película la música de Morricone se ciñe perfectamente a estas premisas y consigue al igual que lo hace Mike Nichols con la película, crear una banda sonora que consigue revisar también la música del género. La música es radiante y hermosa sobre todo en los cortes asociados al personaje de Michelle Pfeiffer, como en el siguiente tema titulado "Wolf and love".
Una música más para enamorar que para aterrorizar.

Elsa y Fred - LITO VITALE

"Nunca es tarde para vivir", esta es la frase que mejor podría definir la historia que cuenta esta película. "Elsa y Fred" son dos personajes que en la última etapa de su vejez son capaces de enamorarse e ilusionarse de una manera tan arrebatadora como lo harían dos adolescentes, demostrando que aunque el cuerpo envejece, las ideas y los sueños no lo hacen nunca.

"Elsa y Fred" es una coproducción hispano-argentina del año 2005 dirigida por Marcos Carnevale, un realizador de gran proyección en su pais, Argentina, que es además el guionista de esta brillante e inteligente historia que reúne, amor, humor, emoción y sobre todo "alegría de vivir".

Elsa es una mujer que a sus 82 años sigue siendo un torbellino de vitalidad y que todavía mantiene el sueño de su vida, poder ir a Roma y rememorar la escena de Anita Ekberg en la Fontana de Trevi de la película "La doce vita". Por casualidad Elsa conoce a su nuevo vecino Alfredo, un anciano viudo y angustiado que acaba de mudarse a un pequeño apartamento y desde ese momento todo se transforma. Elsa va a entrar de una manera arrebatadora en la vida de Alfredo, contagiándole la alegría de vivir y demostrándole que el tiempo que les queda es una bendición y que deben aprovecharlo. Por encima de los convencionalismos y de la familia de ambos, estos dos personajes vivirán en sus últimos días una hermosa y loca historia de amor.

Una película muy bien dirigida y con un guión excelente, lleno de escenas divertidas y momentos emocionantes, en donde cada encuentro, cada gesto y cada diálogo entre Elsa y Fred no tiene desperdicio, y con un final que aunque previsible, fluye de manera natural como la vida misma.

Maravillosas las interpretaciones de China Zorrilla (Elsa), la gran actriz uruguaya y de Manuel Alexandre (Alfredo) uno de los grandes secundarios del cine español, en unos de los mejores papeles de sus respectivas carreras. Ambos están enormes en sus papeles, tanto en sus momentos dramáticos como cómicos, y sobre todo consiguiendo emocionar con cada uno de sus gestos.

A pesar de su sencillez el resultado es una gran película, una comedia divertida y entrañable que contagia ess alegría de vivir por los cuatro costados.

Otro de los aportes argentinos a la película, es la espléndida banda sonora de Lito Vitale, un trabajo que el propio autor ha reconocido como un privilegio y como una experiencia muy especial. Lo cierto es que Vitale crea una musica magnífica, basada fundamentalmente en dos temas principales, "Juntos por única vez" una melancólico tema con el piano y el saxo soprano y el tema de "Elsa y Fred" un clásico y romántico tema de amor que en su interpretación solo al piano es de una belleza desgarradora. Y este es el tema que pongo a continuación, una musica perfecta para una historia de amor simplemente deliciosa.