Cyrano de Bergerac (End Titles) - JEAN-CLAUDE PETIT

El "Cyrano de Bergerac" de Jean-Paul Rappeneau, puede considerarse una de las mejores adaptaciones cinematográficas de un clásico de la literatura y uno de los pocos ejemplos en los que utilizar el lenguaje original en verso en el cine fue todo un acierto. Estamos ante una película que es una obra maestra del cine, en la que tanto los actores, el guión, la puesta en escena, la fotografía, el vestuario y la música son perfectos. Una película que demuestra que se puede entretener respetando los clásicos y que destaca sobre todo por su sencillez, consiguiendo hacer creíble y tremendamente actual una historia escrita hace un siglo y en la que Rappeneau consiguió mejorar bastante la versión norteamericana rodada en los años 50.

La historia estás basada en la conocida obra de teatro de Edmond Rostand, en la que tres hombres buscan el amor de Roxana, uno de ellos que representa el poder encarnado en el conde de Guiche; otro tiene la belleza encarnado por el joven Christian y por ultimo Cyrano que  tiene el talento literario. Cyrano, capitan de un regimiento de mosqueteros está perdidamente enamorado de Roxana, pero acomplejado por su enorme nariz y sabiendo que su amor es imposible, ve en el joven Christian, un nuevo cadete a su servicio, la oportunidad de transmitir todo su amor a Roxana. La belleza de Christian compensa su poca habilidad poética y Cyrano se ofrece a escribirle los versos para conquistarla, siendo esta la manera que tiene de poder transmitirle a Roxana sus propios sentimientos. Todo ello configura un triángulo amoroso que da lugar a momentos de humor, de amor y de tragedia. El papel de Cyrano ha quedado ya totalmente ligado a un magnífico Gerard Depardieu que realiza una de las interpretaciones más  importantes de su carrera, consiguiendo crear un personaje enérgico, vitalista y apasionado difícil de olvidar. 

La película acaparó en su momento la mayor parte de los Cesar, los premios del cine francés y consiguió un Oscar al mejor vestuario de sus cinco nominaciones, incluyendo la de mejor actor.

Una película para disfrutar, emocionarse y aprender de los clásicos.

La música de Jean-Claude Petit, uno de los grandes nombres franceses de la banda sonora, consigue transportar al espectador a esa época, incrementando la belleza de las imágenes en todos sus aspectos. La banda sonora reúne por una parte la música habitual de las cintas de aventuras con una poderosa carga romántica, todo ello ambientado con el sonido barroco de la época en la que transcurre la historia. 
El primer fragmento es el tema principal de la banda sonora, una música enérgica que describe perfectamente la compleja personalidad del protagonista, y los sentimientos que lo envuelven y el segundo es el de los títulos finales, que comienza con un suave epílogo y nos deja al final el tema principal de Cyrano. Una obra maestra.

Para poder admirar todavía más la música, he encontrado este trailer que contiene fragmentos de la película con varios de los temas musicales.

The Holiday (Maestro / Iris and Jasper) - HANS ZIMMER

Aunque "The Holiday" no deja de ser una sencilla comedia romántica con un reparto aceptable y dirigida a un público que no pide mucho a la hora de sentarse durante un par de horas para divertirse, creo que en fondo esconde algo más. Si rascamos un poco bajo esa apariencia de típica película con ambiente navideño hecha para arrancar la lágrima fácil, podemos encontrar bastantes referencias al CINE, porque sin pretenderlo o no y salvando las distancias, esta película podría ser una actualización de las grandes comedias del Hollywood dorado de los años 40. En su conjunto la historia, los personajes e incluso la música esconden en mayor o menor medida homenajes al mundo del cine. 

Amanda (Cameron Diaz) e Iris (Kate Winslet) dos mujeres totalmente distintas pero que comparte su mala suerte con los hombres, intercambian sus casas por internet en un momento de desesperada necesidad de evasión durante las vacaciones de navidad. Amanda se desplaza hasta un pueblecito de Inglaterra a la sencilla pero idílica casa de Iris, y esta se instala en la suntuosa mansión de Amanda en Los Angeles. Pero aunque lo último que ambas desean es un nuevo amor, la aparición de Grahan (Jude Law) el hermano de Iris y Miles (Jack Black) un amigo de Amanda, supondrá un cambio en sus vidas.

Los cuatro protagonistas están muy correctos, mientras que Cameron Díaz explota su facilidad para la comedia, Kate Winslet demuestra que tendría que dejarse caer más a menudo en este género y por otra parte Jack Black aunque hace de sí mismo una vez mas, irresistiblemente cae bien desde el primer momento y por último Jude Law con el atractivo que tienen las grandes estrellas, es lo mejor del reparto. También es destacable un entrañable Elli Wallach en el papel de un octogenario vecino de la mansión de Amanda, un afamado guionista de Hollywood retirado que entablará una tierna amistad con Iris, en uno de los guiños-homenaje que comentaba anteriormente. 

Para esta ocasión Hans Zimmer autor de la banda sonora también incluye un claro homenaje a uno de los más grandes compositores de la música cinematográfica, Ennio Morricone. El corte "Maestro" con el que se abre la película la referencia a Morricone es clarísima tanto en los compases iniciales (el "Deborah´s theme" de la música de "Erase una vez en América") como en el propio nombre del tema. Hans Zimmer sigue aportando su granito de arena al genero de la comedia romántica y compone una música de una sensibilidad exquisita, creando unos temas melódicos emotivos que encajan perfectamente en esta historia y que gustan más con cada audición. En conjunto una banda sonora que recomiendo en su totalidad.   

Joyeux Noël (Fraternizer´s Hymn: "I´m Dreaming of Home") - PHILIPPE ROMBI

Las Navidades han sido siempre un tema recurrente en el cine. La alegría, la emotividad y las emociones que se viven en esta época del año, ha estado presentes en innumerables películas ambientadas en diferentes épocas, países y situaciones. "Joeux Noël" es una película francesa del año 2005 inspirada en unos hechos reales ocurrido durante la Nochebuena de 1914 en varias zonas del frente en plena Primera Guerra Mundial. En ese día soldados alemanes, franceses y escoceses abandonaron sus trincheras y se encontraron inmersos en un episodio de confraternización sin precedentes dejando un lado sus fusiles y enterrando sus diferencias y sus muertos para jugar al fútbol, estrechar la mano de su enemigo, compartir un cigarrillo y desearse Feliz Navidad. El episodio puede resultar inverosímil, exagerado y hasta surrealista pero refleja tal como se muestra en la película la posición de quienes se tiene que matar en el campo de batalla sin motivos concretos y solo porque alguien que no está allí, lo obliga. La cinta es un claro alegato antibelicista para hablar de lo absurdo de la guerra y resalta el aspecto humano de los que se enfrentan en el campo de batalla, consiguiendo algunos momentos de emoción acompañados de situaciones de humor y camaradería a pesar de la dramática situación, pero sin recrearse en la tragedia. Una película positiva y agradable con una puesta en escena brillante donde se demuestra que el cine con estas historias tiene muchas cosas que decir.

Como no podía ser de otro modo, la música para este tipo de películas suele estar basada en los sonidos típicos de la Navidad. Si bien es cierto que sobre todo las mil versiones de los villancicos que se interpretan en todas las zonas del mundo han sido la base fundamental de la música de estas películas, muchos autores han compuesto músicas de ambiente navideño de una gran calidad. Este es el caso de la música compuesta por Philippe Rombi, uno de los mejores compositores europeos de música cinematográfica y este magnífico "villancico", una interpretación coral del tema principal que se escucha en uno de los momentos más emotivos y que es efectivamente, un verdadero himno a la confraternización. Sin duda una obra bellísima, llena de emoción y ternura que transmite el espíritu de la Navidad, la tolerancia, la amistad, el amor y la paz.

Damage (Damage / The Last Time) - ZBIGNIEW PREISNER

En su penúltima película antes de morir, Damage ("Herida"), Louis Malle nos dejo uno de los grandes dramas románticos de los noventa. La historia una adaptación de la novela homónima de Josephine Hart, narra la tortuosa relación entre un maduro y respetable miembro del gobierno inglés y la novia de su hijo; una pasión amorosa que irremediablemente llevará a sus protagonistas a un trágico final. Esta relación destructiva, marcará profundamente a sus protagonistas, provocando una "heridas" imposibles de cicatrizar.

Louis Malle consigue plasmar en las imágenes toda la pasión, intensidad, sordidez, tristeza, erotismo y sensualidad de una historia como esta, apoyado fundamentalmente por la espléndida interpretación tanto de Jeremy Irons (Stephen) como Juliette Binoche (Anna) en el que creo es el mejor papel de su carrera. Él como el político de prestigio, perfecto marido y padre, un hombre metódico, frio, cortés pero viviendo una vida vacía, sin pasión, que se encontraba "muerto" antes de conocer a Anna; y ella como esa mujer enigmática, provocadora, melancólica, oscura y con un magnetismo que atraerá sin remedio a un comedido Stephen.

La película está repleta de momentos impactantes, desde el primer encuentro de ambos personajes en una secuencia que presagia el devenir de los acontecimientos, pasando por los encuentros sexuales llenos de un erotismo y una sensualidad a flor de piel en escenas prácticamente sin dialogos; y sobre todo la tremenda escena final como el epílogo de una tragedia irremediable. Una película que es uno de los mejores retratos jamás filmados sobre la obsesión amorosa. Como bien define Anna en un momento de la cinta: 

"La gente herida es peligrosa, sabe que puede sobrevivir".

La música, de Zbigniew Preisner, uno de los grandes compositores polacos de música cinematográfica, es tan impactante como la propia historia. Preisner consigue emocionar con unas melodías que reflejan perfectamente la tristeza, la desesperación, la pasión y la sensualidad de los personajes. Los dos temas que pongo son el tema principal, un tema muy breve con una suave introducción que da paso a la melodía principal con toda la orquesta; y el segundo tema que es una variación de la melodía principal interpretada por una pequeña formación de jazz con el piano y la trompeta como protagonistas. Una música maravillosa.

Y como la música junto a las imágenes es todavía mas emocionante, esta es la escena final de la película donde suena el tema principal. Impresionante.

Masada (Main Theme) - JERRY GOLDMISTH

"Masada" es una miniserie de televisión del año 1981 basada en uno de los episodios más heróicos del pueblo judio. Masada es el término en hebreo de "fortaleza" pero también es el nombre de la fortaleza que se encuentra en el desierto de Judea y que se consideraba un lugar inexpugnable. Esta fortaleza construida por el rey Herodes sirvió como base a la resistencia de la secta de los zelotes contra los romanos. Asediada por una legión romana, los 900 judios que se encontraban en Masada, resistieron durante dos años y optaron por suicidarse colectivamente antes que rendirse al enemigo. 

La serie de televisión dividida en cuatro episodios, narra principalmente el asedio y caída final de dicha fortaleza entrelazada con la historia de amor entre el general romano y una esclava judía. El telefilme fue dirigido por Boris Sagal, un reputado director de televisión ya famoso por otras series como "Hombre rico, hombre pobre" y rodado integramente en escenarios naturales de Israel con un gran presupuesto. Para los papeles principales se contó con   Peter  O´Toole en el papel del general romano al mando de la legión que realizó el asedio y de Peter Strauss como el lider de los zelotes, que supieron mostrar un gran duelo interpretativo entre dos personalidades, enfrentando la tranquila educación de la cultura imperialista de Roma con la irascible actitud batalladora del lider de los rebeldes.

La banda sonora es obra de Jerry Goldsmith que compuso la música de los dos primeros episodios y de Morton Stevens que compuso la de los dos restantes. El tema principal es un himno épico para representar el espíritu indomable de la resistencia del pueblo judio con sonido típicos del folclore israelí, con un sonido y una fuerza espectacular. Un verdadero prodigio de lirismo y orquestación.

Love Actually (Love Theme) - CRAIG ARMSTRONG

Antes de nada he de decir que me gusta especialmente esta película, por una sencilla razón, me hace sentir bien. De entre todas las sensaciones que te puede transmitir una película a través de la historia que cuenta creo que hacerte sentir bien es la mejor de todas ellas. Es una película que siempre he recomendado cuando uno está desanimado o triste, porque es una historia, o mejor dicho un montón de pequeñas historias con las que en algunas de ellas nos podemos ver reflejados y con un tono general que genera un subidón de moral. Y el fondo de todas esas historias y creo que en la vida misma, está la frase principal de la película : "el amor está en todas partes".

La película es el debut como director del famoso guionista Richard Curtis, autor de "Cuatro bodas y un funeral", "Bridges Jones" o "Nothing Hill", y contó con un completo y destacado reparto.

"Love Actually" es una comedia romántica perfecta en la que se mezclan de una manera muy acertada una serie de historias con personajes entrecruzados, en plena época navideña y con el amor como eje común. Porque nos habla de todo tipo de amor, amor entre padres e hijos, amor entre amigos, amor entre hermanos, amor pasional, amor imposible, amor puro, .... e incluso de desamor.

Aunque la crítica en su momento la consideró una película bastante empalagosa, creo que es una película muy entretenida y que sabe conmover con cada una de sus pequeñas historias. Y aunque podría parecer que es completamente irreal, a quien le importa eso, el fondo es lo que importa, porque verdaderamente creo que "el amor está en todas partes".

La banda sonora de la película, por un parte contó con un buen número de canciones muy a tono con las seceuncias en las que se escuchan (como la emotiva escena de Emma Thompson en la que suena "Booth Sides Now" de Joni Mitchel) y por otra parte la preciosa música de Craig Armstrong. 

Armstrong compone tres temas de amor, "Glasgow Love Theme", "Portuguese Love Theme" y "PM´s Love Theme". Los dos primeros unas bellísimas melodías al piano y el ultimo con la cuerda y la orquesta de manera más intensa. Una música que junto a las imágenes a las que acompañan en los diferentes momentos en las que suena, consigue emocionar de manera muy especial. 

Para los que no hayáis visto la película, no dejéis de verla y para los que ya la habéis visto recordadla con esta magnífica música.

Mr. Holland´s Opus (An American Symphony) - MICHAEL KAMEN

Hay películas donde la música y el cine se funden de manera muy especial y esta es una de ellas. La historia cuenta la vida de un músico a lo largo de más de 30 años, desde sus inicios como pianista en fiestas privadas cuyo sueño es componer una gran obra, y toda su evolución personal y profesional en la que encontrará su verdadera vocación y compondrá su gran sinfonía musical y vital. 

El protagonista verá frustrada su carrera como músico para sacar adelante a su familia, pero descubrirá como profesor de música en un pequeño instituto como utilizar la música para enseñar a entender la vida. Esta entrega total a su labor educativa marcará la vida de sus alumnos sobre los que dejará una huella imborrable y le ayudará a el mismo a afrontar los avatares de su vida personal, como la paradójica situación de la sordera de su hijo.

Richard Dreyfuss que obtuvo una nominación a los Oscar, está magnífico en su papel, desarrollando un amplio registro emocional a lo largo de toda la película.

A pesar de ser lo que coloquialmente se denomina una "americanada", por su intensidad dramática y los típico personajes que se han visto en cientos de películas , lo cierto es que es una película que conmueve y que en algún momento provoca la emoción suficiente para arrancar unas lágrimas. Una película que deberían ver tanto alumnos como profesores ya que encierra aquella máxima famosa de un pensador francés que decía que "enseñar es aprender dos veces".

La banda sonora del compositor Michael Kamen es excelente, y en ella se desarrollan los temas que compondrán esta "Sinfonía Americana" que forma parte del argumento y en la que el protagonista como compositor volcará toda su vida. Aunque con un fondo clásico la música añade unos toques modernos con el uso de la batería y la guitarra eléctrica perfectamente fusionados con el resto de la orquesta y que quedan más que justificados con el visionado de la película. Esta "sinfonía" que se va desarrollando en diferentes melodías, suenan a lo largo de toda la película como pequeños fragmentos en la mente de su autor y terminará de una manera espectacular en la interpretación que hará la orquesta del instituto en el concierto final como homenaje a su profesor. Unos minutos finales que tanto en el discurso que le hacen, como en el momento en el que el profesor sube a la tarima y dirige por primera vez su obra ya terminada, es de una emoción indescriptible. 

A continuación pongo el tema incluido en la edición discográfica interpretado por la London Metropolitan Orchestra, y por otro lado el fragmento de la película en la que suena el mismo tema interpretado por la orquesta del instituto, en los que las imágenes refuerzan la intensidad de la música. Música y cine en una perfecta conjunción.

Una de sus antiguas alumnas en el discurso final afirmará lo siguiente: 

"Nosotros somos su sinfonía. Nosotros somos las notas y las melodías de su opus. Nosotros somos la música de su vida". 

Unas pocas palabras que encierran la grandeza de esta película.

Foul Play (Ready To Take A Chance Again) - CHARLES FOX

Foul Play (Juego Peligroso), es una divertida comedia de enredo del año 1978, que si bien no es una gran película, es una pena que pasase tan desapercibida. Vista hoy con el paso del tiempo resulta simpática y bastante divertida. La película es una comedia de enredo con toques de thriller en la que una joven que acaba de divorciarse, por una serie de curiosas circunstancias se ve envuelta en un complot organizado para asesinar al Papa. Todo ello con la correspondiente persecución a que se ve sometida por un extraño individuo albino, la mafia y la participación de un policia que pretende protegerla. En resumen una rocambolesca historia con un ritmo frenético en la que se mezclan la intriga, el humor y el amor.

Una película que en su conjunto pretende emular la puesta en escena del cine de Hitchcock, en esas historias de personajes corrientes que se ven envueltos en algo que les sobrepasa, pero que con naturalidad y bastante suerte consiguen superar.
   

Muy destacable la interpretación de Goldie Hawn en el papel principal, aunque su compañero Chevy Chase, en su primer papel protagonista, es soportable, pero de lejos lo peor de la película. Según parece se está preparando en los últimos años un remake que parece no cuajar y que podría estar interpretado por Kate Hudson, hija de Goldie Hawn con lo cual habría cierta curiosidad añadida a esta nueva película. 

La banda sonora de la película es de Charles Fox y obtuvo una nominación al Oscar  para la canción basada en este tema e interpretada por Barry Manilow. 

Charles Fox es un compositor norteamericano de música para cine, televisión y autor de magníficas canciones para innumerables artistas, entre las que destaca sobre todo un clásico de Roberta Flack como es "Killing Me Softly" con la que Fox ganó un Grammy.

La banda sonora mezcla acertadamente una música de intriga, algún tema con sonido "disco" muy típico de esos años y este precioso "Ready To Take A Chance Again" en su version instrumental como tema de amor  de la película. Una banda sonora que al igual que la película es muy recomendable recordar y que con el paso de los años suena de una manera muy especial, quizás por ese sonido típico revival de los años 70 tan agradable.

Podeis ver el video de la canción en la voz de Barry Manilow en mi otro blog, en el siguiente enlace: Ready To Take A Chance Again (Barry Manilow)

Profumo Di Donna (In The Dark) - ARMANDO TROVAIOLI

Profumo di donna (Perfume de Mujer), es una comedia italiana del año 1974, dirigida por Dino Risi, donde se mezcla lo cinico y picaresco con el drama y los sentimientos en una conmovedora historia. Una película que es ya un clásico del cine italiano, que recibió dos nominaciones a los Oscar y que gano el premio al mejor actor en el festival de Cannes. 

El capitan Fausto Consolo, un militar retirado, bebedor, mujeriego y ciego a causa de una explosión accidental durante unas maniobras,  va a realizar un viaje para encontrar a un compañero de armas también ciego como el con el que tiene cuentas pendientes. El viaje lo hará en compañía de un joven recluta con poca experiencia de la vida, contratado por el ejercito para que ayude al capitán en lo que necesite. Pero su tarea no será fácil ya que el capitán es un hombre irascible, amargado y cínico al que no le gusta sentirse inválido, pero que a pesar de sufrir su mal carácter se convertirá en una experiencia única y del que aprenderá ciertas lecciones que no podrá olvidar.

La interpretación de Vittorio Gassman es sencillamente magistral, con esa capacidad innata de uno de los más grandes actores italianos, brindándonos un papel donde refleja perfectamente esa apariencia exterior orgullosa y cruel sin disimular el sufrimiento, su dolor interior y su falta de afecto y que con su actitud solo pretende llamar la atención y demostrar que está vivo.

Bellísima la protagonista, Agostina Belli, que personaliza ese perfume  que aportará la dulzura que necesita la vida de Fausto y le obligará a sacar sus sentimientos y su verdadera personalidad que oculta tras esa apariencia insoportable.

En 1992 se rodó un exitoso remake titulado "Esencia de Mujer" protagonizado por Al Pacino, que a pesar de su gran interpretación (por el que obtuvo un Oscar), se apartaba bastante del original. 

La música es de Armando Trovaioli uno de los más importantes compositores de bandas sonoras de la llamada "Commedia all´italiana". El tema central es este "In The Dark", un maravilloso tema romántico con un comienzo inquietante con el piano y la orquesta y que va dando paso a esa suave melodía con la trompeta que se entremezclan durante todo el tema. Una banda sonora que al igual que la película es  también un clásico de la música de cine italiano.

"A veces se vive una vida en un instante"

Amic-Amat (Amigo, Amado) - CARLES CASES

Amigo/Amado es una película del año 1999 del director catalán Ventura Pons, basada en una obra de teatro del dramaturgo catalán Josep María Benet. El protagonista de la película un maduro profesor universitario homosexual, viendo su muerte cercana a causa de una enfermedad, intenta decidir a quien dejar su herencia intelectual, un ensayo sobre una obra de Ramon Llull (uno de los padres de la literatura catalana) "El Libro del Amigo y del Amado". La decisión de este curioso legado recae en su mejor alumno, un joven del que está enamorado. Pero pronto descubrirá que su designado heredero, de un gran talento pero violento y desprovisto de cualquier tipo de principios y al que desea "salvar",  se gana la vida como chapero, ha dejado preñada a la hija de su mejor amigo y no tiene el menor deseo de ser salvado. 

El resultado es una historia estremecedora, donde se habla de los sentimiento sin pudor, una obra sensible, dura, terrible y realista. Quizás sea la mejor obra de Ventura Pons dentro de la evolución de este director en ese cine intimista y dramático que le caracteriza. 

Mención especial es también la interpretación de todo el reparto, pero fundamentalmente de su protagonista Josep Maria Pou, en un papel magnífico, con un saber estar ante la cámara que solo poseen esos grandes actores. 

En la banda sonora Ventura Pons cuenta de nuevo con Carles Cases, su compositor fetiche y con el que más veces ha colaborado. Cases crea una impresionante banda sonora, donde mezcla el sonido de la música barroca en un claro guiño al protagonista profesor de literatura medieval, y una música más intimista con el piano como protagonista.

Los siguientes dos temas de la banda sonora son los más representativos de estos dos aspectos musicales, el primero la "obertura" con ese aire barroco y el segundo tema de carácter exquisitamente melódico, donde el lirismo de la cuerda y el piano muestran lo más intimo de los sentimientos del protagonista, su dolor y ese vacío existencial en el que está inmerso, contagiándonos de su tristeza.