The Bridges of Madison County (Love Theme) - LENNIE NIEHAUS

En 1995 Clint Eastwood vuelve a sorprender al público con una película como "Los Puentes de Madison". Acostumbrados a sus papeles en cine de acción y ese arquetipo de tipo duro que le acompañaba desde sus inicios en el western o la saga policiaca de Harry Callahan; un papel en una drama romántico como la adaptación de la novela "The Bridges of Madison County" parecía no encajar mucho en el cine de Eastwood. Sin embargo nada más alejado de la realidad. Con este film consigue una de las joyas cinematográficas más importantes de los últimos tiempos, demostrando que su cine estaba madurando de una manera magnífica, tal como ha seguido demostrando en sus últimas películas, alcanzando unas cotas de genialidad que solo se da en los grandes maestros del cine de los que sin duda forma parte.

Una historia de amor maduro como esta, de emociones contenidas, aun con la sombra de un adulterio de fondo, no distorsiona y consigue llevar al espectador al mundo de los sentimientos de una manera sencilla y elegante, rematando con un final bellísimo que te deja sin respiración.

La dirección de Clint Eastwood es impecable, haciendo gala de una impresionante mezcla de sensibilidad y fuerza que tanto caracteriza su cine, consiguiendo convertir momentos tan sencillos como el nerviosismo de la pareja en sus encuentros, sus miradas y el simple roce de sus manos, en momentos memorables. 

Tanto Clint Eastwood, como Meryl Streep están extraordinarios, sensacionales, formando una de esas parejas que pasará a la historia del cine. Meryl Streep aparece fascinante encarnando a la perfección el papel de esa ama de casa que durante unos días vivirá una pasión y un amor de los que solo se vive una vez en la vida. Por otra parte Eastwood, ofrece otro de sus papeles memorables muy alejado de lo que había realizado hasta entonces. Nunca un tipo tan duro ha estado tan sensible.
Una de esas películas en las que brillan y se hacen memorables dialogos como este:

     - No quiero necesitarte

     - ¿Por qué?

     - ¿Por qué?, porque no puedo tenerte

Para la banda sonora Eastwood sigue echando mano de su compositor habitual, Lennie Niehaus y reservándose el propio Eastwood la composición del tema principal, un maravilloso tema romántico que se desarrolla en el resto de la banda sonora. 

Derivado de su ya legendaria afición al mundo del jazz, la banda sonora también incluye varias canciones de la época en la impresionante voz de Johnny Hartman, como la que suena por la radio mientras la pareja baila en su primera cita. 

He escogido el siguiente tema, porque acompaña a la escena más impresionante de toda la película, la escena final bajo la lluvia en la que solo con las expresiones de sus caras y sus gestos transmiten ese amor contenido, el desconsuelo y el alivio en un final memorable. Una escena en las que las imágenes y la música que las acompaña demuestran la grandeza del cine.

El Secreto De Sus Ojos (Estación Retiro) - FEDERICO JUSID, EMILIO KAUDERER

El Secreto de Sus Ojos no es que sea una de las películas argentinas más taquilleras, más premiadas tanto en su pais como internacionalmente y la mejor obra de su director Juan José Campanella, es sobre todo una obra maestra del cine, del cine con mayúsculas. Una de esas películas en la que confluyen un guión magnífico, una excelente dirección a cargo de uno de los realizadores más notables del panorama actual, unos actores que sencillamente están espléndidos tanto en los papeles principales como los secundarios y como no, una banda sonora magnífica. 

Juan José Campanella, argentino pero que ha desarrollado parte de su carrera en Estados Unidos, con esta sencilla historia, narrada con un lenguaje muy de la calle y apoyado en el trabajo de unos magníficos actores consagrados en su país, ha conseguido emocionar al público no solo de habla hispana, sino llegar también al mercado americano y del resto del mundo a tenor del gran éxito de taquilla y de los premios cinematográficos conseguidos.

Los dos protagonistas principales de esta película, Ricardo Darín y Soledad Villamil están grandiosos en sus papeles, consiguiendo hacernos vivir su historia, emocionarnos y conmovernos.

Una película completa que combina a la perfección cine negro, drama romántico, thriller, humor y hasta un retazo histórico, político y social de la Argentina de los años 70. 

La música que Federico Jusid ha compuesto para esta película, contando con la interpretación al piano de Emilio Kauderer, transmite perfectamente los sentimientos de soledad, tristeza y melancolía que se muestran en esta historia. El tema "Estación Retiro" que suena en la despedida entre los protagonistas en la estación del tren contiene dos interpretaciones del tema principal de la banda sonora, la primera parte con la interpretación de los violines y el resto de cuerdas y la segunda parte al piano junto con las cuerdas, una música perfecta para mostrar una escena como esa... la tragedia de no confesar un amor, la cobardía de huir y la falsa esperanza de que el tiempo lo cura todo. 

Pongo dos videos, por una parte el del tema musical solo y por otra la escena real de la película sobre la que se escucha esta música, dos minuto y medio de puro cine y pura música de cine.

Finding Neverland (Neverland, Piano Variation In Blue) - JAN A.P. KACZMAREC

Esta conmovedora película esta basada en la vida del escritor James Barrie y en la creación de una de sus más famosas obras. 
Barrie un reputado literato de la sociedad inglesa del siglo XIX, buscando la inspiración para su nueva novela tropieza casualmente durante un paseo por unos jardines con la familia Llewelyn Davies, cuatro niños y su bellísima madre que acaba de quedarse viuda. De manera asombrosa Barrie traba una fuerte amistad con la familia a pesar del resentimiento de su propia esposa. La relación con los niños y en especial con uno de ellos, Peter, transforma su vida creando para ellos un mundo de fantasía y de magia, que culminará en su obra de teatro más atrevida y original, "Peter Pan". 
Johnny Deep en el papel de Barrie, da al personaje ese aire de fantasía infantil tan propia de muchas de sus actuaciones sobre todo en los films de Tim Burton en los que tanto ha contribuido. Igualmente Kate Winslet en el papel de la señora Davies, crea un personaje tierno y encantador, así como el grupo de niños sobre los que recae alguno de los momentos fundamentales del film.

Una película exquisita en su aspecto formal, contada como si de un cuento se tratara, ingeniosa, llena de sensibilidad y con unas magníficas actuaciones, pero que a pesar de ello  también deja lugar para el drama, los conflictos afectivos y el dolor, dotándola también de una buena dosis de realidad.  La historia de un hombre que al igual que el personaje de su obra, nunca se resistió a dejar de ser niño.

La bella partitura de Jan A. P. Kaczmarek ganadora del oscar a la mejor música original en el año 2004, ensalza los pasajes más bellos de esta historia, y la convierte en una obra imprescindible entre las composiciones de su autor, una verdadera joya. La banda sonora se sustenta en un maravilloso tema orquestal con el piano como protagonista con un sonido que transmite esa mezcla de realidad y fantasía que tiene la historia. Este tema como su propio nombre indica es una variación al piano solista del tema principal, con un leve toque de improvisación, interpretado con una delicadeza asombrosa. Una música que al escucharla, fácilmente te traslada al "pais de Nunca Jamás".

The Pink Panther (Royal Blue / The Lonely Princess) - HENRY MANCINI

Como ya comentaba en mi primer post, hay melodías muy estrechamente ligadas a las películas para las que fueron compuestas. Y este es el caso de la música que Henry Mancini compuso para "La Pantera Rosa", siguiendo las disparatadas investigaciones  del inspector Clouseau en esta y en todas las películas que se hicieron sobre este personaje. 
La película presentaba unos magníficos títulos de crédito animados donde aparecían el inspector Clouseau y la Pantera Rosa, llamando este personaje tanto la atención que se convertiría a partir de entonces en un verdadero icono de los dibujos animados independientemente de la película. 
La cinta es una gran comedia, que se desarrolla con un ritmo vertiginoso sobre todo gracias a la interpretación de Peter Sellers, en un papel que es una perfecta extensión en carne y hueso del personaje animado que aparece al principio. Un personaje al que Peter Sellers ha quedado ligado para siempre.

Mancini compuso dos temas fundamentales, uno para la Pantera Rosa y otro para Clouseau, dos temas clásicos inolvidables que han acompañado a los personajes tanto en las diferentes secuelas como el la serie de dibujos animados. Pero sería injusto reconocer esta banda sonora y las que creó para las otras películas de la Pantera Rosa solo por estos temas. Henry Mancini ha sabido imprimir en sus composiciones cinematográficas una sofisticación y una elegancia casi sin igual. 
Crea unas melodías perfectamente orquestadas y usa los instrumentos solistas, la voz y los coros de una manera realmente asombrosa, como se puede apreciar en la música de grandes películas como "Desayuno con Diamantes", "Charada", "Dos en la Carretera" y otros muchos títulos, y como no también en la música para la banda sonora de "La Pantera Rosa". 

Los dos temas que pongo a continuación que se utilizan en la trama en los momentos más románticos, son el mejor ejemplo de ello. Una música con tantos quilates como el diamante protagonista de la película.

Le Diner de Cons (Le Diner de Cons) - VLADIMIR COSMA

La Cena de los Idiotas, es una espléndida comedia francesa basada en una obra teatral del propio director de la películas, Francis Veber. 

Unos amigos de manera muy cruel, se reúnen un día a la semana a cenar llevando cada uno como invitado a un tipo, siendo el ganador el que consigue llevar al más idiota. Una noche Pierre Brochant uno de los organizadores, está pletórico porque ha conseguido como invitado a una auténtica joya, el campeón de los idiotas, François Pignon un funcionario de Hacienda que hace construcciones con cerillas. Pero Pignon a pesar de su buena fe, resulta ser un auténtico gafe y para desgracia de Brochant le provocará un sinfín de desgracias (una lumbagia, consigue que su mujer le deje, que le investigue un inspector de hacienda y varias cosas más)  convirtiendo esa invitación en una de las peores decisiones de su vida, una auténtica pesadilla. La crueldad inicial de Brochant al final se queda en nada comparada con la crueldad que de manera inocente le aplica su idiota invitado.

La historia es una crítica despiadada a una sociedad en la que no es fácil saber quien es el verdadero idiota. Un brillante guión con unos magníficos interpretes, que asegura la carcajada de una manera inteligente. Una cinta que en su momento sorprendió y que recomiendo a quien no la haya visto.

En el apartado musical, la banda sonora corre a cargo de Vladimir Cosma, uno de los más grandes y prolíficos compositores franceses. Para esta película Cosma compone una música satírica y divertida como se puede apreciar en este tema principal en su versión orquestal acompañado por la magnífica interpretación a la guitarra de Phillipe Catherine, en un juego musical que describe perfectamente el tono burlesco de la historia. 

Una música alegre y divertida para una comedia excelente.

Segunda Piel (Tema principal) - ROQUE BAÑOS

"Segunda Piel" es un largometraje del año 2000 dirigido por Gerardo Vera, escenógrafo, director de teatro y ópera y director de cine.  Entre su escasa filmografía destaca esta fascinante película, que el mismo definió como una radiografía de la fragilidad del amor. La historia plantea un triángulo amoroso entre dos hombres y una mujer con uno de los personajes masculinos como vértice común, reflejando la complicada relación entre los tres. Alberto (Jordi Mollá) está casado con Elena (Ariadna Gil) tienen un hijo y una vida acomodada, pero  él mantiene una relación amorosa con Diego (Javier Bardem), lo que hará saltar por los aires su cómoda existencia. Con este planteamiento quedan servidos el engaño, la duda, la frustración, la pasión y el amor. Unos personajes que por no ver cumplidos sus deseos sufren por un amor puro, pero inviable para satisfacer a todos y que nadie salga dañado. 

Gerardo Vera consiguió reclutar un reparto de lujo, un Jordi Mollá que se mete en la piel de un personaje complejo y atormentado, un Javier Bardem como el amante frágil pero ilusionado y entregado a ese amor y Aridana Gil muy convincente como la esposa que ve que su vida se desmorona por algo imprevisible. Un drama, sobrio e impactante, no exento de cierto morbo, que consigue transmitir emoción e intensidad gracias sobre todo a sus magníficos interpretes.

La música de esta película compuesta por Roque Baños, es mi banda sonora preferida de este autor. Una música que contiene toda la carga dramática y pasional de esta historia. 

Este es el tema principal de la banda sonora, que podemos escuchar al comienzo de la película en los magníficos títulos de crédito. Una obra maestra de uno de los grandes compositores españoles actuales.

The Other Boleyn Girl (OpenIng Titles / Final) - PAUL CANTELON

"The Other Boleyn Girl" supone otra revisión cinematográfica de una parte de la agitada vida del rey Enrique VIII de Inglaterra. En esta ocasión la trama se centra en como las dos hermanas  Bolena, Ana y María, presas de las ciegas ambiciones de su familia compiten por el amor del apasionado rey. Las buenas intenciones de las hermanas para conseguir mejorar el nivel social y el poder de su familia desembocará en una rivalidad sin cuartel por conseguir el amor del monarca. Ambas compartirán el lecho del rey pero solo una será reina durante un breve y turbulento periodo que terminará bajo la espada del verdugo.

Por si solo el atractivo que desprende la imagen del cartel de la película con Scarlett Johansson y Natalie Portman flanqueando a Eric Bana, ya es un aliciente para ver esta nueva aproximación a uno de los temas más conocidos de la historia inglesa.

A priori el magnífico elenco de actrices que interpretan a las dos hermanas, hacia presagiar un duelo interpretativo que no llega a plasmarse en la pantalla, aunque ambas consiguen una ajustada interpretación. Por otro lado si es de destacar el magnífico trabajo de fotografía y de vestuario que siempre ayudan en películas de época como esta.

La excelente banda sonora de Paul Cantelón un joven compositor americano, es otro de los alicientes de esta cinta. La música es de corte clásico muy inspirada, como se puede apreciar en los dos cortes siguientes, el primero con el que comienza la película con una introducción muy bucólica que da paso al tema central con una preciosa melodía al piano y el corte final donde se desarrolla más orquestalmente este mismo tema. Música que por si sola justifica por supuesto oir esta banda sonora y ver esta película.

3:10 To Yuma (Ben Takes The Stage/Dan´s Burden) - MARCO BELTRAMI

"3:10 To Yuma" es un aceptable remake del film del mismo título del año 1957 protagonizado por Glen Ford y que en esta ocasión interpreta muy acertadamente Russell Crowe. La historia como en muchos de los westerns clásicos nos presenta el enfrentamiento entre el bien y el mal, un granjero con moral y valores que se mantendrá firme hasta el final y un forajido violento y despiadado que utilizando su aspecto encantador será capaz de manipular cualquier situación y sacar partido del menor asomo de debilidad. 

Al ranchero Dan Evans (Christian Bale), agobiado y a punto de perder su rancho se le presenta la ocasión de aliviar sus penurias económicas colaborando en el traslado de un peligroso forajido recién capturado, Ben Wade (Russell Crowe). Junto a otros hombres deberá escoltar a Wade hasta un pueblo donde tomar el tren de las 3:10, que lo llevará a la prisión de Yuma. El viaje se convertirá en una pesadilla, una carrera de obstáculos en la que todos y cada uno irán abandonando al héroe que se mantendrá firme en su convicción ética, derivando la misión en una espiral de violencia. Un argumento que cumple perfectamente con lo más básico de un western "la historia de un hombre contra los elementos, de un hombre contra otro hombre, de un hombre contra sí mismo". 
En resumen, un film emocionante, impecablemente realizado y con unas actuaciones de lujo. 

Con la música de esta película, ocurre lo mismo, Marco Beltrami crea una partitura brillante y enérgica con un sonido fresco y moderno, pero sin renunciar a los cánones establecidos del género. Son evidentes los guiños al sonido Morricone, apreciables perfectamente en este tema con la utilización de la trompeta, la guitarra acústica,  el punteo con la guitarra eléctrica y la intensidad de la cuerda en una vibrante progresión.

Un magnífico trabajo que logró la primera  y merecida nominación a los Oscar a su autor.

"3:10 To Yuma" es de esas películas que devuelven la pasión tanto por un género cinematográfico como musical algo olvidados en el cine actual.

The Russia House - JERRY GOLDSMITH

En 1990 "The Russia House", fue la primera película que se rodó en escenarios naturales de Rusia, tras la disolución del estado socialista. Basada en la novela homónima de John Le Carré, la historia se ambienta en la época inmediatamente anterior a la ruptura de la antigua Unión Soviética durante la perestroika y desarrolla una trama de espionaje y contraespinoaje entrelazada con una entrañable historia de amor. Hay una gran puesta en escena, gracias en parte a la dirección de Fred Schepisi (seguramente su mejor película), las magníficas imágenes de Rusia en un trabajo excelente de fotografía y sobre todo por la elección de los actores. 

Sean Connery da la talla en uno de esos personajes ya entrado en años, un vividor aficionado a la bebida que se ve implicado por su trabajo como editor de libros de autores rusos y reclutado por el servicio secreto británico para que viaje a Rusia y entre en contacto con Katya. Michelle Pfeiffer, bellísima en esta película, es Katya la editora rusa enlace entre el personaje de Connery y un científico ruso que ha escrito unos diarios que poseen una relevancia mundial y sobre los que gira la intriga. Pero cuando ambos se conocen, las cuestiones de espionaje pasan a un segundo plano...

Ambos actores hacen muy creíbles sus papeles, comedidos, llenos de matices y, en suma, perfectos. Por un lado Connery se aleja de ese aspecto de duro al estilo de su James Bond para mostrar un personaje antítesis del héroe, individualista, alcohólico, descreído, pragmático y bastante pesimista. Por la otra parte está Michelle Pfeiffer, que pese a su aspecto tan frágil se enfrenta valiente y decididamente a la peligrosa situación en la que se ve envuelta. 

En el apartado musical, la hermosa banda sonora de Jerry Goldsmith mezcla perfectamente la intriga y el romanticismo con un sonido típico de ambientación rusa. Goldsmith utiliza principalmente la cuerda acompañada por un saxo interpretado maravillosamente por Branford Marsalis que aporta el adecuado toque nostálgico, entristecido y de suspense, idóneo tanto para los personajes como para el lugar donde se desarrolla la acción. El tema de "Katya" de una belleza extraordinaria, es el tema dedicado a la protagonista en esa impactante primera escena de Michelle Pfeiffer  bajo la nieve. Una música magistral que es sin duda una de las grandes creaciones melódicas del compositor.

Y el "Love Theme" una variación más orquestal del tema anterior. Una música exquisita.

El Invierno en Lisboa (Magic Summer) - DIZZY GILLESPIE

"El Invierno en Lisboa" supone una de las más interesantes incursiones de un músico de jazz en la composición para el cine, más aun si cabe tratándose de una pequeña, pero muy interesante producción española del año 1991 dirigida por Jose Antonio Zorrilla. La cinta basada en la novela de Antonio Muñoz Molina, es sobre todo una historia de amor, fatalidad y deseo, música de jazz, humo y alcohol con trasfondo en San Sebastian y Lisboa. Un claro homenaje al cine negro americano y a los tugurios en los que los grandes músico inventaron el jazz.

La banda sonora corre a cargo de Dizzy Gillespie, uno de los grandes músicos de jazz americano, que interpreta también uno de los papeles principales. Su historia es la de un célebre músico que jamás ha dejado que lo graben (una referencia a las excentricidades de muchas estrellas de la música). "Mi música está aquí hoy y se irá mañana conmigo", dice en una de las escenas de la película. Al fin y al cabo, la música es así. Existe mientras suena, y el jazz es en esencia música en vivo. Pero esto es solo el telón de fondo, donde se mueven personajes tan clásicos del género como el pianista, la mujer fatal, el mafioso marido de esta y el dueño del local donde transcurre buena parte de la película. Con este fondo de cine negro e historia de amor imposible, le viene de maravilla el jazz como banda sonora. Casi todos los temas de la película son baladas, y esto marca el ritmo de la acción durante toda la cinta.

La música muestra a un Gillespie espléndido, en la cima de su carrera, y solo por su presencia como actor/interprete hace que valga la pena revisar esta película que ha pasado bastante desapercibida.

El tema que pongo a continuación, "Magic Summer" es el tema principal de la película, que aperece en la banda sonora en tres versiones diferentes, con orquesta, vocal y  en esta versión al piano. Magnífico tema que une perfectamente el jazz y el cine en una banda sonora ESPLÉNDIDA.