El Manantial de las Colinas (Jean de Florette / Manon des Sources) - JEAN-CLAUDE PETIT

"El Manantial de las colinas" (Jean de Florette) es una de las grandes producciones francesas de los años 80. Dirigida por Claude Berri, la película es la primera de las dos producciones que el director francés realizó sobre la saga literaria de su compatriota, el dramaturgo y también cineasta Marcel Pagnol, formada por las novelas "Jean de Florette" y "Manon des Sources".

Ambientada en el mundo rural de la Francia profunda a principios del siglo XX, nos cuenta la historia de Jean de Florette (Gerard Depardieu) quien tras recibir una tierras en una herencia, abandona la ciudad con su mujer y su pequeña hija Manon y deciden comenzar una nueva vida como campesinos. Jean un hombre ingenuo y bondadoso pretende vivir en paz y libertad en ese nuevo lugar, por lo que pondrá todo su empeño y esfuerzo para conseguir hacer sus sueños realidad. Pero además de tener que enfrentarse a una terrible sequía, también tendrán que hacer frente a las malas artes de un despiadado terrateniente vecino apodado "La Papet" (Yves Montand) y su sobrino Ugolin (Daniel Auteil), que desean hacerse con sus tierras y que para conseguirlo ocultarán intencionadamente la existencia de un manantial propiedad de Florette y con el que podría salvar sus tierras. Todo ello llevará a los protagonistas irremediablemente a una situación con trágicas consecuencias.

La dirección es uno de los grandes aciertos de esta película. Berri describe perfectamente y con gran veracidad ese ambiente rural con sus costumbres y tradiciones, logrando además una perfecta armonía entre los actores y el entorno, demostrada  sobre todo en el duelo interpretativo entre Gerard Depardieu e Yves Montand, "todo un espectáculo". 

En el fondo la historia es una gran fábula donde se abordan muchas de las cuestiones básicas de la vida, la bondad y la maldad del ser humano, los sueños, el esfuerzo, la codicia, la verdad, la mentira, la traición, la familia, la venganza y tantas otras, en un guión tan simple y a la vez tan complejo.

La banda sonora es obra de Jean-Claude Petit, una obra que destaca por su recreación del idílico lugar donde transcurren los acontecimientos y que se ajusta perfectamente tanto a los momentos felices como tristes de esta historia. En el tema principal el autor utiliza un fragmento de un aria de "La Fuerza del destino" de Giuseppe Verdi interpretado por la armónica del gran Toots Thielman. Esta melodía aparece también en determinados momentos de la película cuando la toca el propio protagonista. 

Uno de esos temas que ya desde el comienzo de los títulos de crédito impresionan desde la primera nota. 

El Vaticano y la Música de Cine (III) - La Música de los Papas - ENNIO MORRICONE

Para terminar de completar los comentarios que he venido haciendo sobre la música de cine y el Vaticano y aprovechando el reciente nombramiento del nuevo Papa Francisco, voy a comentar la música de dos películas dedicadas a dos de los Papas más carismáticos de los últimos años: Juan XXIII y Juan Pablo II.

En los dos casos se trata de miniseries de TV italianas de tipo biográfico centradas en los acontecimientos más importantes de sus vidas, desarrollando la faceta más humana de unos hombres que llegaron a ostentar el más alto rango en la Iglesia Católica; y ambas cuentan con la extraordinaria participación en la composición de la banda sonora, de Ennio Morricone.

"Il Papa Buono" es una producción del año 2003 basada en la vida de Juan XXIII al que se le conoce con el cariñoso apelativo de "El Papa bueno". Su papado de tan solo cuatro años se desarrolló en un periodo de profundos cambios y en una época de grandes acontecimientos de tensión internacional y de cambios importantes en la Iglesia, siendo el Papa que abrió el Concilio Vaticano II que cambiaría profundamente al catolicismo. Dirigida por Ricky Tognazzi y protagonizada por Bob Hoskins, la historia nos presenta la niñez y juventud de Antonio Giuseppe Roncali y su lado más humano frente a las dos guerras mundiales y sobre todo de la barbarie nazi. La historia de un hombre que dejó un legado de humildad y sencillez como pocos en la historia.

Ennio Morricone es un autor que ha desarrollado un buen número de obras que podríamos considerar "sacras" en muchos tipos de películas. El siguiente tema es el tema principal de la serie, una música profundamente emotiva en la que Morricone utiliza la trompeta solista (instrumento que siempre ha estado en el corazón de Ennio Morricone ya que con él comenzó en el mundo de la música en su niñez) y un coro de hasta 70 voces, consiguiendo una melodía religiosa muy morriconiana y de un gran lirismo. El director Ricky Tognazzi creo que dio la mejor definición a esta banda sonora: "Quando la música e´emoziones del cuore".

La segunda producción es "Karol, Un Uomo Diventato Papa" del año 2005 y dirigida por Giacomo Battiato. En esta ocasión está basada en la vida de Karol Wojtyla el cardenal que ocupó la silla de Pedro en el año 1978 como Juan Pablo II, el "Papa viajero" como cariñosamente también apodaron sus fieles en todo el planeta.  Un hombre que jugó un importante papel en el siglo XX no solo para el mundo católico, sino que se ganó el respeto y la admiración del resto del mundo. La serie abarca desde su juventud en su Polonia natal bajo la ocupación nazi, hasta el mismo momento de ser nombrado Papa. 

En esta caso nos encontramos también con una partitura de Ennio Morricone, en la que nos presenta una música sin grandes artificios, muy variada y descriptiva de las diferentes situaciones vividas en la historia que se nos presenta y donde sobresalen melodías muy intimistas y  nostálgicas como en el tema "Karol and love", donde el uso de la viola y el piano dan lugar a uno de esos temas tan propios y característicos del autor.

Como siempre Morricone consigue en ambos casos una perfecta fusión entre melodía y espiritualidad. Acercándose a esta música desde un punto de vista religioso o no, lo cierto es que hay que reconocer que es una música hecha para el alma, y Morricone es para esto todo un "maestro".

Enlaces relacionados:
El Vaticano y la Música de Cine (I): Las Sandalias del Pescador
El Vaticano y la Música de Cine (II): Angeles y Demonios

Los Cowboys - JOHN WILLIAMS

Cuando parecía que John Wayne se las había visto con todas las facetas del "western", el género cinematográfico norteamericano por excelencia y del que fue su máxima estrella, aun tuvo ocasión en los últimos años de su vida de rodar este otro western tan original, que contribuyó a redondear una carrera como pocas ha habido en la historia del cine. 

"Los Cowboys" es una producción del año 1972 dirigida por Mark Rydell, centrada en la figura de John Wayne como pilar esencial de una historia en la que como si de un testamento sobre el género se tratara, un viejo vaquero transmitía su legado personal a unos jóvenes muchachos que se enfrentarán de una manera prematura a la dura vida del Oeste. Tan fuerte es la presencia e influencia del actor que la película ha tenido también el sobretítulo de "John Wayne & The Cowboys".
En plena época de la fiebre del oro, un ranchero se queda sin empleados para transportar su ganado y solo podrá echar mano de un grupo de niños del pueblo, entre los once y quince años, que pondrán más voluntad que experiencia en conseguir el propósito de cabalgar y dirigir más de mil reses a través de un largo y duro recorrido.

De alguna manera esta historia supuso una especie de epilogo del western clásico y aportaba una nueva manera de ver el cine de vaqueros y nadie como John Wayne para pasar el legado a una nueva generación encarnada en los muchachos a los que debe conducir, y enseñar algo más que a cabalgar y a usar el lazo. Porque durante el camino no solo se tendrán que enfrentar a un duro trabajo, sino que irán surgiendo todos los peligros típicos que han rodeado siempre a las caravanas en el oeste, encarnado en esta ocasión en esos ladrones tan despiadados que verán en ese grupo de niños una presa fácil para conseguir arrebatarles el ganado. Los muchachos pasarán por una serie de duras experiencias que les harán perder esa inocencia con las que iniciaron esa aventura siendo simples aprendices de vaquero. 
El film bastante bien resuelto, tuvo un cierto éxito de taquilla en el momento de su estreno y aun hoy en día se deja ver con mucho agrado a pesar de la polémica que puede generar con la mentalidad actual el ver a chicos tan jóvenes usando armas de fuego y mostrando la cara más dura de la venganza.

¿Que hubiera sido esta historia en manos de algunos de los grandes maestros del western como Howard Hawks o John Ford?


Donde si que no cabe ninguna duda es en la calidad de la maravillosa partitura de John Williams para esta película. Una banda sonora especial dentro de un género en el que Williams hizo sus pinitos en los inicios de su carrera y en la que conseguiría una obra redonda, en uno de sus periodos de mayor creatividad. La música sigue la tradición de las obras sinfónicas del western de los grandes compositores norteamericanos, como Aaron Copland o Elmer Bernstein con ese toque por una parte espectacular y por otra intimista tan característico de John Williams. La fanfarria del tema principal con una melodía vibrante y espectacular ya ha quedado asociada indiscutiblemente al cine del Oeste.

La Música en el cine de ROMY SCHNEIDER (III) - LO IMPORTANTE ES AMAR (Georges Delerue)

"Lo importante es amar" (L´important c´est d´aimer) un film del año 1975 del realizador polaco Andrzej Zulawski es una de las producciones más extrañas y complejas de la filmografía de Romy Schneider. Una película en la que la actriz consiguió transmitir ese dolor y sufrimiento interior pero con un halo de irresistible belleza, que acompañó siempre su vida tanto personal como profesional. La película que podríamos encuadrar en el cine de "arte y ensayo" tan típico de los años 70, es una pieza básica en la programación de las filmotecas y ha tenido siempre un gran éxito entre el público que busca ese algo más que lo que ofrece el cine comercial.

La historia nos presenta la relación cruzada entre tres personajes envueltos en un ambiente sórdido y duro. Un fotógrafo (Fabio Testi) que trabaja para un mafioso consiguiendo fotografías comprometedoras para hacer chantaje a sus víctimas, conoce a una actriz (Romy Schneider) que pasando un mal momento se ve obligada a participar en películas de bajo presupuesto, y a la que intentará seducir desde el primer momento. Ella, atormentada y frágil se debatirá entre esta relación apasionada y su marido (Jacques Dutront), un hombre extraño que parece vivir fuera de la realidad, pero del que está enamorada. Esa relación a tres bandas arrastrará a sus protagonistas a un mundo de locura, amor desgarrado, obsesiones y sobre todo dolor, ese dolor que se siente en lo más hondo, en las tripas y en el alma.

Y es en esta amalgama de sentimientos donde Romy Schneider brilla de una manera especial, transmitiendo ese dolor y sufrimiento como pocas veces se ha visto en el cine. Y es en esta ocasión cuando el cine de Zulawski, con una trayectoria bastante irregular,  brilla sobre todo gracias a la imponente presencia de esta actriz maravillosa.

Una película difícil pero a la vez conmovedora que no deja para nada indiferente. 

Y nadie como Georges Delerue para poner música a esta historia de sentimientos tan profundos. El tema que pongo a continuación es una bellísima melodía, un maravilloso adagio muy breve pero de una sensibilidad exquisita y desgarradora. Una obra del compositor francés que aunque poco conocida, no puede pasar desapercibida para cualquier amante de la buena música cinematográfica.

Para terminar con este homenaje a Romy Schneider, quisiera añadir un video que he encontrado con imágenes de la actriz, que me parece fantástico. Algunos de los planos de la mirada de Romy Schneider son verdaderamente impresionantes. Y es que, fue uno de los rostros más tristes y fascinantes de la historia del cine.

Como un crítico dijo en una ocasión refiriéndose a Romy Schneider:  "nunca el dolor fue tan bello".

Enlaces relacionados:

La Música en el cine de Romy Schneider (II)

La Música en el cine de Romy Schneider (I)